10 ene. 2017

Las mejores películas de 2016: Opinan los lectores – Parte 2

En el post anterior, amigos y lectores del blog Las Horas Rojas compartieron cuál fue su película favorita vista en 2016. En este segundo recuento, tres personas escriben reseñas de la cinta que mayor impacto les causó el año pasado. Vale destacar que en total siete personas han enviado sus textos (¡muchas gracias a todos ellos!) y los siete han elegido películas diferentes, lo que demuestra que fue un año que ofreció varios títulos valiosos y memorables.


En Julieta, Pedro Almodóvar regresa al universo que domina y entiende más. El de las mujeres. El nombre original de esta película era Silencio y esa es la mejor forma de describirla.

El silencio encerrado en la soledad. Pero no de aquella que viene por la falta de compañía. Sino en esa soledad en la que uno se encierra cuando calla. Y eso es precisamente lo que Almodóvar nos da, una película de emociones contenidas. La magnífica Emma Suárez logra transmitir con gestos todo lo que no puede decir con palabras.

Ella tiene una hija, Antía, a la que no ve hace mucho tiempo y extraña. Es cuando se encuentra con una amiga de ella, Beatriz, que empieza a recordar su historia. Una historia plagada de pasión, dudas, culpa y arrepentimiento.

Una de mis favoritas del año sin lugar a dudas. Pedro vuelve a su verdadera esencia y por momentos roza la perfección de sus obras maestras, Todo sobre mi madre y Hable con ella. Espero que su próxima entrega siga el mismo camino.

Por: Felix Miguel Vera


Definitivamente, la mejor película de 2016 para mí fue Carol. Excelente y entrañable historia de amor prohibido, correctamente narrada gracias a un excelente guion adaptado. La mayor fortaleza del film es sin lugar a dudas la espectacular actuación de Cate Blanchett, una de las mejores que he visto en el cine en los últimos años. Soberbia y elegante, imponente e inalcanzable, todo un placer para los ojos. Rooney Mara también me impresionó gratamente, al igual que la correcta actuación de Sarah Paulson.

No quiero dejar de mencionar a la película francesa Elle, una historia diferente, que combina comedia y drama al mismo tiempo y tiene un muy buen reparto, que tuve el gusto de ver en el Festival de Cine de Lima. Muy recomendable.

Por: Roberto Rodríguez Talavera



El año 2016, la película que más satisfacción me dejó al momento de salir del cine fue la cinta animada Anomalisa, escrita, coproducida y codirigida por Charlie Kaufman (nombre gratamente recordado en el mundo del cine por haber sido el creador de guiones tan originales y alucinantes como el de Being John Malkovich y de Eternal Sunshine of the Spotless Mind).

La película sigue brevemente la vida de Michael Stone, quien se encuentra de viaje para promocionar su libro sobre cómo brindar una ideal atención al cliente. Paradójicamente, el mundo visto desde la perspectiva de este protagonista es diametralmente opuesto a lo que pregona en su libro: en lugar de considerarse a cada persona como un individuo con preferencias, gustos y necesidades distintas; para Michael Stone todas las personas con las que le toca interactuar tienen el mismo rostro y la misma voz, que no generan en él más que el más absoluto desinterés. Inesperadamente conoce a Lisa – una admiradora suya que había viajado para asistir a la convención –, la cual no tiene ni el mismo rostro ni la misma voz que conformaban el patrón del resto.

Se siente muy poética la manera de Charlie Kaufman de representar el afecto humano: en una ciudad, en un país, en un mundo lleno de personas idénticamente olvidables, súbitamente aparece aquella persona que destaca de todos los demás ante nuestros ojos, y por ese motivo es especial y única. La historia presentada es bastante dinámica, yendo desde el nihilismo del protagonista hasta momentos de comedia brillantes. Afortunadamente la película llegó a Perú en su idioma original (a diferencia de la mayoría de películas animadas), por lo cual se pudo disfrutar de la magnífica actuación de voz de Jennifer Jason Leigh en el papel de Lisa.

Esta película se convierte en un acierto más en la ya distinguida trayectoria del genial Charlie Kaufman, y definitivamente es altamente recomendada, incluso para aquellos que no estén familiarizados con el nombre.

Por: Aldo Ufo.

4 ene. 2017

Las mejores películas de 2016: Opinan los lectores – Parte 1

En mi balance de lo mejor del cine en 2016 publicado en Cinencuentro compartí mi top 10 de mejores películas vistas en la cartelera y mi top 10 de cintas vistas en los festivales locales, así como un recuento de lo más destacado del cine peruano.

Por otro lado, al igual que el año pasado, les pedí a amigos y lectores del blog que compartan cuál fue su película favorita de 2016 y que acompañen su elección con un breve texto sobre la cinta elegida.

Muchas gracias a todos los que se tomaron un tiempo para redactar y enviar sus textos para este primer recuento, que destaca por la variedad de títulos elegidos. Comencemos.


“Si tienes que parpadear, hazlo ahora…” Con esta frase empieza mi película favorita del 2016, Kubo y la búsqueda del samurái. Te atrapa desde el inicio con una historia maravillosa, que te sumerge en el mundo de un niño valiente que a lo largo de la cinta te da lecciones de coraje, amor, desapego y perdón; acompañado de personajes precisos en sus roles y personalidades para lograr un relato hermoso en el que encuentras aventura, fantasía y drama, todas en su justa medida. 

Esta película te inspira a usar el poder de la imaginación para lograr tus objetivos y a ser perseverante y compasivo en la lucha. Toca temas reales y duros, que todos alguna vez afrontamos, pero sin perder la magia de la animación, hecha en un stop motion genial que te transporta a Japón en cada detalle de sus escenarios y en su música; haciendo, de la parte visual, toda una obra de arte. Verla se convierte en un deleite para tus ojos y tu espíritu.

Por: Celia Hurtado Bellido


Mi película del 2016 es Sully, dirigida por Clint Eastwood. Las razones son 3. La primera es personal: quise de niño ser piloto de aviación, al punto que toda la temática aérea me interesa sin mayor esfuerzo -desde tutoriales en Youtube sobre cómo aterriza un avión hasta documentales de catástrofes-. Sully es una cinta que no abusa de la tecnología para representar el incidente del avión que ameriza sobre el río Hudson y erige una hazaña de la aviación moderna, sino que construye su drama sobre las tensiones personales del protagonista (Tom Hanks) y los dilemas morales y afectivos que enfrenta. 

La segunda razón es más "profesional" -por darle un nombre-: mi trabajo de investigación siempre está muy ligado a la idea de la construcción de la realidad, de la intersubjetividad. Y Sully es una historia de historias, de miradas enfrentadas (el piloto experimentado y competente que toma una decisión oportuna vs. el sistema de control institucional norteamericano, interesado en descubrir "la verdad" del hecho, y de paso recuperar el dinero en juego). 

Finalmente, la tercera razón es la puesta en escena: Eastwood nos acostumbra a relatos muy bien contados desde el montaje, actuaciones limpias, sin sobresaltos, y diálogos sinceros; con historias lo suficientemente elocuentes (por reales) como para explorar -como hace en otras cintas- la discutible idea del héroe norteamericano.

Por: Julio César Mateus


Curiosamente, la mejor película de 2016 no la vi en el Perú. Corazón Silencioso, un drama danés del director Bille August, fue estrenada como parte de la cartelera comercial en Buenos Aires, Argentina, y fue ahí donde tuve la oportunidad de disfrutarla.

Desgarradora, realista, pero jamás manipuladora, se trata de un filme que maneja temas complejos, protagonizado por personajes amables, cariñosos, amorosos, pero profundamente dañados, hasta rotos. La dinámica familiar que presenta es una con la que muchos se podrán identificar —los conflictos entre hermanas, entre parejas, entre padres e hijas se sienten honestos, y el tratamiento del tema de la eutanasia, aunque subjetivo, es delicado. 

Excelentemente actuada y emotiva, Corazón Silencioso es una película que recomiendo ver a través de cualquier medio, desde una proyección clásica, hasta sitios de streaming. A veces, todo lo que uno necesita es ocho personajes y una locación para llegar al corazón del público.

Por: Sebastian Zavala Kahn


En los últimos años he visto pocas veces que al finalizar la película el público se levante para aplaudir y este año ocurrió con El renacido. Después de verla entendí el porqué de sus 12 nominaciones al Oscar. Partiendo por sus antecedentes, era una película muy esperada no solo por el director y el reparto, sino también porque el escenario de filmación demandaba un esfuerzo físico por parte de todos los involucrados.

Ahora, yendo al contenido, es una película bien dirigida cuya trama es bastante interesante, pues muestra como la lucha por la supervivencia saca lo mejor y lo peor de los personajes, los cuales están muy bien representados por Leonardo DiCaprio y Tom Hardy principalmente, valiéndoles al primero su primer Oscar y al segundo, su primera nominación. Asimismo, elementos como los efectos visuales, el vestuario, el maquillaje y la fotografía, en mi opinión, hicieron que sea una película bastante completa, de esas que logran trascender en el tiempo.

Por: Johan Felix


Debo ser sincero al admitir que el "hype" que tenía por Rogue One no era el mismo que tuve con la previa entrega del 2015 (The Force Awakens). A lo largo del año vi los trailers que iban lanzando generándome una cierta emoción sí, pero no a un nivel que me quite el sueño. Incluso la línea de juguetes relacionados era muchísimo menos vasta y algo reducida.

Llegaba el día del estreno y sin haber indagado mucho respecto de la trama (solo lo básico), acudí al estreno de medianoche. Lo que presencié fue un gran espectáculo (que es a fin de cuentas el plato fuerte de esta saga) y quedé sin aliento. La película tiene -evidentemente- sus momentos altos y bajos, no me atrevo aun a catalogarla como la mejor, pero está muy cerca de lo que todo fanático de Star Wars adora: acción, diversión, batallas, historias de lealtad, sacrificio y tragedia. 

Hubo decepciones y escenas que tal vez no tenían razón de ser, así como una primera hora algo lenta, pero luego se enrumba hasta llegar al éxtasis que es el acto final. Las últimas escenas son invaluables y logran el cometido del director, hacer que se ensamble directamente con el episodio IV. Estoy seguro que muchos fans han vuelto a ver este episodio en sus casas saliendo de ver Rogue One y ese es un síntoma de que las cosas se hicieron bien.

Se nota que la película se hizo con cariño, con alma y respeto por los fans de la saga original y eso es algo que se agradece pues perdurará en el tiempo sin lugar a dudas.

Por: Roberto Canales.

31 dic. 2016

Sully, las extranjeras finalistas al Oscar y el soundtrack de Guerrero

Comparto mis tres posts más recientes publicados en Cinencuentro en diciembre.


En Sully Clint Eastwood prioriza la contención de las emociones y la exposición de los hechos de manera documentada, sin que nada sobre ni falte. El octogenario cineasta pilotea esta cinta con la mano firme de un experto que sabe cómo generar tensión a pesar de que sepamos el desenlace de antemano y sin atravesar jamás los caminos fáciles del sentimentalismo y el discurso moralista (leer la crítica completa).


Realicé un completo análisis de las 9 finalistas para el Oscar a mejor película extranjera, incluyendo la alemana Toni Erdmann (en la foto), que parte como favorita. Comparto sinopsis, trailers y premios obtenidos por cada película, así como mis predicciones de cuáles serán las 5 nominadas y un repaso por las grandes ausentes en la lista (leer post completo).


La nostálgica banda sonora de Guerrero nos lleva de regreso a los 90s, con un repertorio que va desde McHammer hasta Miki González. En este post hago un repaso por otras cintas peruanas y latinas que tienen en común el presentar escenas en las que los personajes principales comparten una canción mientras viajan en un automóvil, en un momento que suele ser clave en cada película (leer el post completo).

29 nov. 2016

Un viaje hipnótico al corazón de la Amazonía

El abrazo de la serpiente hizo historia a inicios de este año al convertirse en la primera película colombiana en ser nominada al Oscar en la categoría de mejor cinta extranjera. Esta excelente cinta en blanco y negro representa un sentido homenaje a esos pueblos de la Amazonía cuyas voces se extinguieron en la primera mitad del siglo XX, llevándose consigo una sabiduría milenaria.

El director y guionista Ciro Guerra entreteje dos narraciones paralelas, ambientadas en 1909 y 1940. Ambas están conectadas por el chamán amazónico Karamakate, quien en cada historia acompaña a un científico del mundo “desarrollado”, primero el alemán Theodor Koch-Grünberg y luego el estadounidense Richard Evans Schultes. En décadas distintas, ambos viajan a las profundidades de la selva en busca del yakruna, una planta sagrada.

En los dos viajes que realiza Karamakate junto a los exploradores, vemos cómo la fiebre de la explotación del caucho y la consecuente colonización van depredando la Amazonía y transformando la vida de sus habitantes. Incluso la imposición de la religión católica llega acompañada de severos castigos y torturas si los niños indígenas se atreven a hablar en su lengua materna.

La influencia de Werner Herzog se siente en la manera en que Ciro Guerra filma la arriesgada aventura de estos hombres que dejan de lado la civilización para sumergirse en los lugares más recónditos de la selva. Incluso el guiño a Fitzcarraldo se hace más evidente cuando Richard y Karamakate escuchan un disco de música clásica teniendo como telón de fondo el río y los árboles que parecen cobijarlos en su regazo.

Pero Guerra no es un mero imitador de Herzog, sino que se revela como un cineasta con una voz propia y un estilo que combina la búsqueda de la simplicidad y la elegancia en sus imágenes, con un esfuerzo por cruzar distintas capas en la narración hasta lograr un conjunto que seduce tanto por lo que muestra como por aquello que queda sugerido.

La fotografía de David Gallego aprovecha los contrastes del blanco y negro para regalarnos encuadres de una belleza impactante. La selva amazónica es filmada con curiosidad y admiración, mientras que los reflejos de los personajes en el río funcionan como espejos de sus propios pensamientos o añoranzas.

Si bien la edición que salta de una década a otra y los distintos subtextos sociales, económicos y religiosos que nutren la narración pueden resultar un poco desafiantes para algunos espectadores, vale la pena dejarse llevar por el efecto hipnótico que ofrece El abrazo de la serpiente. Es un viaje fascinante al corazón de una Amazonía que se muestra imponente y majestuosa.

Título original: El abrazo de la serpiente
País y año: Colombia, Venezuela y Argentina 2015
Director: Ciro Guerra
Actores: Nilbio Torres, Antonio Bolívar, Jan Bijvoet, Brionne Davis, entre otros.
Calificación: ****.

24 nov. 2016

Solos, Calichín, Siete semillas, La hora azul y Kubo y la búsqueda del samurái

Estos fueron mis 5 posts publicados en Cinencuentro entre setiembre y noviembre.

Entrevistas


Conversé con Joanna Lombardi, directora de Solos y Gerente de Producción de Tondero. En la entrevista, hablamos sobre su original su plan de distribución para Solos que combina la proyección en salas comerciales y en espacios al aire libre, sobre el exceso de estrenos en Perú que hace que las películas de autor salgan casi de inmediato de cartelera, entre otros temas (leer la entrevista).


También entrevisté a Giovanni Ciccia y Jackelyn Vásquez, protagonistas de La hora azul, ópera prima de Evelyne Pégot-Ogier basada en la novela homónima de Alonso Cueto. Conversamos sobre sus motivaciones para participar del proyecto, sus diferentes estrategias para preparar sus personajes, el largo proceso para que una cinta como esta llegue a la cartelera y las diferencias entre La hora azul y Magallanes, otra reciente adaptación de una obra de Alonso Cueto (leer laentrevista).

Críticas


Al igual que su protagonista, la película Calichín es una promesa que no llega a desarrollar todo su potencial. Probablemente si se hubiese concentrado en ser una comedia pura y dura, el resultado sería más redondo. No siempre la combinación de comedia y drama funciona, porque si uno se excede en el azúcar, como en este caso, el producto termina empalagando (leer la crítica completa).


Siete semillas es la quinta colaboración entre Tondero Films y su actor más rentable, Carlos Alcántara, quien protagonizó anteriormente las comedias Asu Mare, A los 40, Asu Mare 2 y Lusers. Esta vez apuestan por un drama con ciertos toques de comedia que intenta sembrar edulcorados mensajes de autoayuda, sin embargo lo hacen en un terreno infestado de clichés e incoherencias, en el que nada llega a florecer (leer la crítica completa).


Kubo y la búsqueda del samurái representa un doble homenaje. Por un lado, al don que tienen los narradores para construir mundos fascinantes con el poder de la imaginación. Y por otro lado, es una celebración de los valores que distinguen a los héroes japoneses: el coraje infatigable, el honor y la compasión, como paso necesario para sanar y crecer. Sin duda, estamos ante la mejor película animada en lo que va del año (leer la crítica completa).

12 oct. 2016

Las esquirlas del Baguazo


El documental El choque de dos mundos (When Two Worlds Collide) analiza el contexto político y social en el que se produjeron los trágicos enfrentamientos que sucedieron en Bagua el 5 de junio de 2009 y que dejaron como saldo 33 fallecidos (23 policías y 10 civiles), así como un agente desaparecido.

Los directores Heidi Brandenburg y Mathew Orzel siguen de cerca a los distintos actores del conflicto y recogen sus testimonios antes, durante y después de la crisis: el dirigente Alberto Pizango, el ex Primer Ministro Yehude Simon, la ex Ministra del Interior Mercedes Cabanillas, entre otros.

En imágenes de archivo, también aparece el ex Presidente Alan García brindando varias declaraciones a los medios de comunicación, como aquella desafortunada frase en la que afirmó que los nativos “no son ciudadanos de primera categoría”.

El documental tiene una estructura bastante ordenada, que demuestra un buen trabajo de investigación. Primero, se concentra en los orígenes del conflicto (los decretos legislativos firmados por el gobierno de García que causaron el malestar de las poblaciones amazónicas), las espinosas conversaciones que sostuvieron el gobierno y los líderes nativos, el sangriento enfrentamiento entre policías y civiles en la zona denominada la Curva del Diablo y las consecuencias de esa trágica jornada.

Lejos de caer en la tentación de tomar partido por alguno de los dos bandos, los directores muestran los excesos cometidos por el gobierno (la soberbia del presidente, la indiferencia de los congresistas oficialistas), pero también evidencian el egoísmo y cobardía del dirigente Alberto Pizango, quien huye por una ventana cuando el conflicto escala y pide asilo político en Nicaragua.

Otro aporte valioso de la película es presentar las esquirlas dejadas por el conflicto en sus víctimas. Allí están por ejemplo los deudos de policías y civiles que lloran a sus muertos mientras que ninguno de los responsables es juzgado ni sentenciado. Y en medio del fuego cruzado, el padre del Mayor Felipe Bazán, desaparecido en Bagua, emprende una titánica búsqueda de su hijo, ante la indiferencia del gobierno y de Pizango.


Hasta el momento, esta producción ha ganado varios premios en festivales internacionales, como un Premio Especial del Jurado en Sundance, el premio del público en Zurich, etc. Su recorrido por festivales aún continúa y sus directores esperan enviar la película a otras premiaciones como el Oscar, el BAFTA, entre otras.

El choque de dos mundos
es un documental indispensable para entender desde diferentes aristas por qué se produjo el "Baguazo". Es un duro recordatorio de que el Perú continúa siendo un país resquebrajado, en el que la ambición, la indiferencia y la incapacidad de siquiera escuchar a aquellos que tienen una cosmovisión distinta, siempre son un caldo de cultivo para que los conflictos sociales terminen con el derramamiento de sangre y la depredación de nuestros recursos naturales.

Título original: When Two Worlds Collide
País y año: Perú, Estados Unidos y Reino Unido 2016
Directores: Heidi Brandenburg y Mathew Orzel
Calificación: *** 1/2.


4 sept. 2016

Videofilia, La bronca, El candidato y Demolition

Comparto en esta entrada mis cuatro posts más recientes publicados en Cinencuentro en los meses de julio y agosto.


Videofilia (y otros síndromes virales) es una de las propuestas más originales y estimulantes que han aparecido en el panorama del cine peruano en los últimos años. Ganadora del Tiger Award en el Festival de Rotterdam y del premio a la mejor película en el Festival Lima Independiente, es también una experiencia demandante, que ofrece múltiples lecturas sobre nuestra interacción con el mundo digital (leer la crítica completa).


Los peruanos Daniel y Diego Vega, directores de las galardonadas Octubre y El mudo, filmarán su siguiente película titulada La bronca enteramente en Canadá. Basándose en una experiencia previa de uno de los directores, Daniel Vega, La bronca tiene lugar a lo largo de 6 meses, cuando un joven peruano visita a su padre en Canadá, tras años de estar distanciados (leer la nota completa).


Como un político en campaña, la película El candidato ofrece promesas pomposas y se presenta como una alternativa refrescante. Promete parodiar a nuestros políticos y periodistas, promete tomar el pulso de los procesos electorales, promete ridiculizar a aquellos personajes patéticos que se pelean por el poder. Sin embargo, las promesas se quedan en pálidos esbozos y la audiencia es subestimada con propuestas improvisadas (leer la crítica completa).


Demolition tiene un sólido inicio, un interesante desarrollo y un desenlace más bien convencional, menos arriesgado que los dos primeros tercios. Sin embargo, incluso cuando el guion no convence en algunos tramos, Jake Gyllenhaal carga la película sobre sus hombros y logra que estemos de su lado en todo momento, viendo cómo destruye todo para volver a construirse a sí mismo (leer la crítica completa).