30 dic. 2008

Una declaración de amor a Australia

Lo había anunciado en una entrada publicada en mayo: Australia era mi película más esperada del 2008. Mis expectativas eran altísimas por ver el reencuentro de Baz Luhrmann y Nicole Kidman, director y actriz de Moulin Rouge! respectivamente, en una cinta épica de grandes proporciones. El resultado, gracias a Baz, es bastante satisfactorio.

La historia se ubica en el noreste de Australia, en los inicios de la Segunda Guerra Mundial. Lady Sarah Ashley (Nicole Kidman) es una aristócrata inglesa que ha heredado 2000 cabezas de ganado y que debe trasladarlo a cientos de kilómetros de distancia para prevenir un complot en su contra urdido por un importante magnate ganadero. Un capataz (Hugh Jackman) del cual nunca conocemos su nombre, será su aliado y el motivo de una inevitable atracción.

Australia es muchas películas en una. Por un lado, es un gran homenaje a otras grandes historias épicas que fusionan un romance apasionado con la tragedia de una guerra, tales como Lo que el viento se llevó o La Reina Africana. Pero más aún, es una contundente declaración de amor al país que da título a la película: desde el rescate de su historia y reivindicación de la población aborigen hasta la forma glamorosa de filmar los preciosos paisajes del desierto, el campo o la playa. La cámara nos invita a enamorarnos de estos escenarios donde cada elemento de la puesta en escena contribuye a crear encuadres de una belleza sobrecogedora.

Otro tema que Australia impone en medio del romance y el conflicto bélico es el de las Generaciones Robadas. Esto se refiere a la práctica sistemática empleada por el gobierno australiano y las misiones religiosas de llevarse a los niños de herencia aborigen a campamentos donde estuvieran supuestamente “protegidos” pero alejados de sus familias. Así, el niño mestizo Nullah (el debutante Brandon Walters) cobra un inesperado protagonismo, al mostrarnos no sólo la problemática de los niños aborígenes, sino el misticismo de sus ancestros.

Esta es la cuarta película de Baz Luhrmann, después de Strictly Ballroom, Romeo + Julieta y Moulin Rouge! Al igual que en las anteriores, aquí el director australiano se reafirma como un cineasta detallista, capaz de narrar con maestría romances tan apasionados que encienden el écran, así como dueño de un particular estilo visual que acaricia las retinas de los espectadores.

Tanto Kidman como Jackman se lucen con actuaciones muy bien logradas. Ella logra llevarnos de la antipatía inicial hacia su personaje tan estirado hasta conmovernos profundamente cuando la guerra amenaza con quitarle todo. El personaje de Sarah va mutando y revelando tantas capas que hacia el final deja expuesta toda su vulnerabilidad y entrega hacia su familia.

Si bien es cierto que la reacción de la crítica especializada en Australia y Estados Unidos ha sido bastante dividida, es probable que Australia no pase desapercibida en la premiación de la Academia, en especial en las categorías de fotografía, dirección artística y vestuario. Aunque no se lleve los premios mayores, sin duda estamos ante un nuevo clásico que merece ser considerado uno de los mejores estrenos del año. Gracias a Baz.

Título original: Australia
País y Año: Australia, Estados Unidos 2008
Director: Baz Luhrmann
Actores: Nicole Kidman, Hugh Jackman, Brandon Walters, David Wenham, entre otros.
Calificación: **** 1/2

21 dic. 2008

Humor fecundo

Después de Michael Clayton, Sin Lugar para los Débiles, Expiación y Petróleo Sangriento, llega por fin a nuestra cartelera la quinta nominada al Oscar a mejor película del 2007: Juno. Esta cinta ocupa el lugar de honor que años antes le correspondió a cintas como Sideways y Little Miss Sunshine: una comedia “indie” que se convierte en un inesperado éxito de taquilla y en una sensación de las premiaciones de Hollywood.

Juno MacGuff (Ellen Page) es una adolescente que en una aburrida tarde decide tener relaciones sexuales con su mejor amigo Paulie (Michael Cera) y, como consecuencia, queda embarazada. Ella tiene muy claro que no quiere tener al hijo y después de descartar la opción del aborto, opta por buscar a una pareja de esposos (Jennifer Garner y Jason Bateman) que no pueda tener hijos para darles el suyo.

Juno es una chica que no se complica la vida, que siempre tiene una respuesta contundente con la cual desarmar a los demás y que a diferencia de otras chicas de su edad, no cae en un mar de disfuerzos y trivialidades. Su mejor amigo Paulie es básicamente un nerd ingenuo y adicto a los caramelos Tic Tac que, sin embargo, es el complemento ideal de Juno.

El contraste de esta pareja adolescente son los esposos treintañeros Mark y Vanessa, quienes desean adoptar al hijo de Juno. Ella es una mujer refinada, perfeccionista y controladora que sueña con ser madre. Él, en cambio, es un músico que no desea renunciar a su sueño de formar una banda de rock pero que por ahora trabaja componiendo jingles para comerciales de televisión. Juno no sólo llega a sus vidas para solucionar el problema del hijo ausente, sino para obligarlos a cuestionarse qué prioridades busca cada uno en esta etapa de su vida.

El director Jason Reitman, a quien le debemos la divertida comedia Thank You for Smoking, logra sacar lo mejor de todo el reparto. Además de Ellen Page (quien ya había llamado la atención con la polémica Hard Candy), destaca Jennifer Garner, quien tiene la oportunidad de despercudirse de su imagen de heroína de acción y de comedias románticas. El guión de la ex stripper Diablo Cody, galardonado con un Oscar, tiene líneas afiladas con el más ingenioso sarcasmo, el cual sabe ceder espacio al romanticismo. Ojalá más comedias inteligentes como ésta continúen fecundando nuestra cartelera.

Título original: Juno
País y Año: Estados Unidos, Canadá 2007
Director: Jason Reitman
Actores: Ellen Page, Michael Cera, Jennifer Garner, Jason Bateman, J.K. Simmons, Allison Janney
Calificación: ****

30 nov. 2008

La revolución va por dentro

El cine mexicano de la última década ha brindado obras de mucho prestigio y gran presencia en festivales y premiaciones internacionales, como Amores Perros, Y tu mamá también, El Crimen del Padre Amaro, El Laberinto del Fauno y Luz Silenciosa. Ahora toca el turno de otra producción destinada a acaparar la atención internacional y uno que otro galardón: Arráncame la vida.

Basada en la novela homónima de Ángeles Mastretta, Arráncame la vida narra el gran vuelco en el destino de Catalina (Ana Claudia Talancón), una quinceañera de la ciudad de Puebla que en la época posterior a la revolución, conoce al General Andrés Ascencio (Daniel Giménez Cacho), quien decide casarse con ella, así ella no quiera. El sueña con ser presidente y ella con ser la dueña de su propia vida, algo que su esposo no está dispuesto a aceptar. La aparición de un director de orquesta de ideas opuestas a las del General se convertirá en la tercera esquina de un triángulo amoroso de pasiones desbordadas.

La relación entre Catalina y el General es uno de los puntos fuertes de la película. El poder que él representa la seduce y la lleva a descubrir los placeres de la vida, pero a costa de ciertos sacrificios personales. En un principio ella lo idealiza tanto que le perdona la falta de libertad para hacer lo que le plazca, pero conforme va descubriendo sus relaciones con múltiples mujeres, así como las atrocidades que ha realizado con sus opositores, ella querrá escaparse de ese corsé. Pero Catalina no es una heroína sufrida que se arroja a los brazos de otro hombre para llorar sus penas, es una mujer que sabe adaptarse a las circunstancias y que llega a mimetizarse tanto con las formas de manipulación de su esposo, que empieza a copiar algunos de sus hábitos y al final su determinación la llevará a hacerse cargo de la situación.

La evolución de Catalina no es sólo mérito del guión tan bien trabajado, sino que se enriquece con la impresionante actuación de Ana Claudia Talancón, convincente en todas las etapas y emociones del personaje. Pero quien merece el mayor aplauso es Daniel Giménez Cacho, quien da vida a un militar machista, posesivo y egocéntrico, pero también carismático y avasallador. Trata a su esposa como al objeto más lindo de la decoración de la casa y la minimiza con frases como: “La cosa es verse bonita, dulce, impecable”.

Por otro lado, en el papel del amante rebelde, José María de Tavira no tiene la fuerza ni la convicción que el personaje requiere. Le falta transpirar pasión por la causa que dice defender.

Arráncame la vida ha sido la película más cara en la historia del cine mexicano y es evidente que sus cuidados valores de producción son de una calidad más cerca del estándar de Hollywood que del cine latinoamericano. Por eso no es de extrañar que México la haya elegido para representarlos en la categoría de mejor película extranjera en el Oscar del próximo año. La competencia por lograr la nominación será dura porque también están en la pelea decenas de filmes provenientes de todo el mundo, pero no sería raro que la Academia se deje seducir por esta revolución mexicana, la de una mujer que se atrevió a sentir más de lo que le estaba permitido.

Título original: Arráncame la vida
País y año: México 2008
Director: Roberto Sneider
Actores: Ana Claudia Talancón, Daniel Giménez Cacho, José María de Tavira, Julio Bracho, Camila Sodi
Calificación: ****

27 nov. 2008

El último vals en La Paz

El director Marc Forster ha tenido una carrera bastante ecléctica en los últimos años. Invitó a Halle Berry a despojarse de sus prendas e inhibiciones para conseguir el Oscar a la mejor actriz en Monster's Ball, motivó a Johnny Depp a ponerse en los zapatos del autor de Peter Pan en Finding Neverland, hizo que Will Ferrell se cuestionara si su vida era realidad o una ficción manipulada por una escritora en Stranger than Fiction y expuso las crueldades del régimen talibán en Cometas en el cielo. Después de proyectos tan variados, ahora asume el reto de dirigir la vigésimo segunda película en la serie del espía James Bond, Quantum of Solace.

Esta cinta se presenta como una continuación de Casino Royale, aquella que introdujo a Daniel Craig en el papel del famoso agente 007. James Bond está devastado por la pérdida de Vesper Lynd, la mujer que amó y que lo traicionó. Tiene una aniquiladora sed de venganza y su búsqueda de los culpables se interpondrá con la misión que le es encomendada de perseguir a Dominic Greene (Mathieu Amalric), un supuesto filántropo que en realidad quiere quedarse con las reservas de agua de varios países pobres.

Las infaltables chicas Bond de turno son Camille (Olga Kurylenko) y Strawberry Fields (Gemma Arterton). Al igual que James Bond, Camille es una mujer que arrastra una fuerte tragedia en su pasado y que deberá unir fuerzas con él para enfrentarse a sus respectivos demonios, aunque el estado de desolación en que se encuentran implique no encontrar el momento indicado para involucrarse sentimentalmente. Dicho sea de paso, la caprichosa decisión de casting de contratar a una modelo ucraniana como Olga Kurylenko para que interprete el papel de una boliviana, se perdona en parte gracias a su belleza tan exótica y a que de verdad no habla tan mal el castellano como Daniel Craig.

Uno de los aspectos que más me llamó la atención del guión es que la organización criminal que persigue Bond desea aprovecharse de las reservas de agua de un país tan pobre como Bolivia. Aunque en principio, suena a una idea algo disparatada o un chiste de mal gusto, es interesante que un tema tan ajeno a Hollywood como la escasez de agua aparezca en una película de acción y espionaje y no sólo en los documentales de Al Gore. Obviamente, se toca el tema de forma muy superficial, pero aún así es una idea audaz, por decir lo menos.

Y si ver a James Bond corriendo por el desierto de Atacama o viajando en un bus boliviano suena bizarro, me pareció aún más surreal escuchar en medio de una escena los primeros acordes del conocido vals criollo “Regresa” en versión electrónica. Sucede que el DJ peruano Jaime Cuadra aportó tres de sus mezclas de música criolla con electrónica a la película. El resultado final, para mi sorpresa, no desentona.

Quantum of Solace no llega a superar el manto de frescura y sensualidad que cubría a su predecesora Casino Royale, pero de todas maneras tiene sus propios atributos y escenas absolutamente formidables como la reunión de los criminales de alto vuelo en la ópera. Por sus grandes dosis de violencia, muchos la han comparado con la trilogía de otro agente atormentado: Jason Bourne; pero lo cierto es que Bond mantiene intactos sus rasgos característicos de elegancia y seducción.

Título Original: Quantum of Solace
País y Año: Reino Unido, Estados Unidos 2008
Director: Marc Forster
Actores: Daniel Craig, Olga Kurylenko, Mathieu Amalric, Judi Dench, Gemma Arterton, Jeffrey Wright
Calificación: *** 1/2

31 oct. 2008

¡Maña mía! (o cómo caí rendido ante otro musical)

He confesado más de una vez que tengo debilidad por los musicales y cada estreno del género me llama inmediatamente la atención (aunque no hay forma de que me sienta en una sala de cine infestada de púberes a ver High School Musical 3). En el caso de Mamma Mia! mi interés se multiplicó por dos motivos: Meryl Streep es una de mis actrices favoritas y la música de ABBA no me desagrada, por no decir que es inevitablemente pegajosa.

La película, dirigida por Phyllida Lloyd, es la adaptación de la exitosa puesta teatral de Broadway. Sophie (Amanda Seyfried), una chica de 20 años, vive en una isla de Grecia con su madre Donna (Meryl Streep). A punto de casarse, Sophie desea saber quién es su padre e invita a la boda a tres potenciales candidatos (Pierce Brosnan, Colin Firth y Stellan Skarsgård), quienes fueron amigos cariñosos de su mamá dos décadas atrás.

Sería inútil defender la originalidad del guión, porque finalmente el argumento es sólo un pretexto para insertar los grandes éxitos de la banda sueca ABBA en un musical. Así, clásicos como “Mamma Mia”, “Dancing Queen”, “Chiquitita”, “Gimme gimme gimme” y otros más se ensamblan en la ligerísima historia de amor y se presentan acompañados de coreografías y uno que otro lagrimón de telenovela.

El mayor atractivo del musical recae sobre las veteranas actrices. Al lado de Streep se lucen Julie Walters (la recordada profesora de baile de Billy Elliot) y Christine Baranski (la reportera sensacionalista de Chicago). Cuando las tres recuerdan las épocas de su banda juvenil Donna and the Dynamos, la película alcanza sus momentos más divertidos y desenfadados. Realmente es un placer apreciar a Streep en un papel tan diferente a sus acostumbrados dramas y demuestra una vez más, como ya lo hizo con éxito en The Devil wears Prada, que su versatilidad abarca con mucha comodidad el terreno de la comedia.

No podría decir lo mismo del ex agente 007, Pierce Brosnan, cuando toma el micrófono. Su registro vocal es tan pobre y su cuerpo luce tan desubicado en esas apretadas mallas en el número musical final que termina haciendo el mayor ridículo de su carrera.

¿Que si el desenlace luce algo forzado? Pues sí. ¿Que si los personajes pueden llegar al exceso y a los límites de la parodia? No lo creo. Lo que no puedo negar es que este musical tan ligero e inofensivo me produce la misma alegría pasajera de una noche de karaoke o el placer inmediato de unas cosquillas en los rincones más cálidos de la memoria.

Título original: Mamma Mia!
País y año: Reino Unido, Estados Unidos, 2008
Director: Phyllida Lloyd
Actores: Meryl Streep, Amanda Seyfried, Pierce Brosnan, Colin Firth, Julie Walters, Christine Baranski, Stellan Skarsgård, Dominic Cooper
Calificación: *** 1/2

5 oct. 2008

El pastel menos popular

En Busca del Amor (My Blueberry Nights) es mi primera aproximación al universo de Wong Kar Wai, uno de los directores chinos más conocidos en Occidente, gracias a títulos como In the mood for love o 2046. Esta cinta representa también su primera película en inglés y el debut cinematográfico de la cantante Norah Jones, quien interpreta a Elizabeth, una mujer con el corazón roto y la maleta lista para ir a la carretera en busca de sí misma.

Primero la conocemos en un café de New York, en el cual descubre que su novio la ha estado engañando y ahoga sus penas con el dueño del café, Jeremy (Jude Law). Comen juntos, comparten secretos y empiezan a construir una relación especial hasta que ella se va de viaje sin despedirse. Su primera parada es en Memphis, donde trabaja en un restaurante de día y en un bar de noche, los cuales son frecuentados por un policía alcohólico (David Strathairn) que se niega a aceptar que la relación con su esposa (Rachel Weisz) fracasó. En el tercer segmento de la cinta, llega a Nevada, donde trabaja en un casino donde conoce a la bella ludópata Leslie (Natalie Portman), quien intentará apostar todos los ahorros de Elizabeth.

Norah Jones no decepciona en su primera experiencia como actriz, pero su personaje no siempre se comporta como protagonista, sino como un testigo de otras experiencias, un apoyo de otras almas más perdidas que ella. En particular, la conflictiva pareja conformada por David Strathairn (recordado por su brillante actuación en Good night and good luck) y Rachel Weisz (ganadora del Oscar por El Jardinero Fiel) compone el segmento más intenso de la cinta. Ambos actores están inmejorables demostrado la gran vulnerabilidad de sus personajes melancólicos y ahogados por una marea de fatalidad.

Pero el verdadero protagonista de En busca del amor es, en todo caso, la cámara. La fotografía consigue crear encuadres de una belleza admirable, en los que las luces de neón resaltan la sensualidad y la seducción, la crema que fluye por los pasteles son evocaciones de placer, los tacones que caminan por la calle dibujan un recorrido errático y nostálgico.

Wong Kar Wai nos presenta además interesantes metáforas sobre las relaciones de pareja, la búsqueda de un ideal y la confianza en los demás. Jeremy seduce a Elizabeth con un pastel de mora azul, que casi siempre se queda entero al final de la noche mientras que el de manzana se acaba por ser más popular. Si lo presentan de forma tan irresistible, ¿cómo negarse a darle una oportunidad al pastel menos popular pero más sofisticado? En cierta forma, esta película es como ese pastel, así que recomiendo probarla y disfrutar cada bocado.

Título original: My blueberry nights
Director: Wong Kar Wai
País y Año: China, 2007
Actores: Norah Jones, Jude Law, David Strathairn, Rachel Weisz, Natalie Portman
Calificación: *** 1/2

19 ago. 2008

La Reina Leona

Durante nueve días los cinéfilos limeños pudimos huir de la cartelera inflada de superhéroes y comedias románticas para ingresar por una ventana a conocer ese otro cine que las grandes distribuidoras se rehúsan a proyectar el resto del año. El Festival de Lima, 12° Encuentro Latinoamericano de Cine presentó en esta nueva edición menos títulos para las secciones de competencia (ficción y documental), pero la calidad de la selección estuvo mejor cuidada que el año pasado y en el jurado destacaron personalidades como Mario Vargas Llosa y María de Medeiros. El mayor punto en contra del festival es que los precios de las entradas subieron este año, lo cual hace difícil ver la mayor cantidad posible de películas. Aquí comparto un breve repaso por las cintas que pude ver.

Sección Oficial – Ficción

Leonera (Argentina, 2008) de Pablo Trapero cuenta la historia de Julia, una mujer embarazada que es enviada a la cárcel luego de una confusa noche en que el amante de su novio murió asesinado en su departamento. Trapero evita el sentimentalismo y muestra de forma conmovedora cómo la maternidad, en el entorno más hostil, puede transformar a una mujer desorientada en una verdadera leona capaz de todo por proteger a su hijo. La mutación física del personaje acompaña un cambio de actitud hacia la vida misma y el amor. Esta cinta, de lejos la mejor que vi en todo el festival, recibió con mucha justicia cinco premios del jurado: mejor película de ficción, mejor actriz (Martina Gusmán), mejor guión, mejor fotografía y mención especial a la actriz Laura García. Calificación: **** ½.

Tropa de Élite (Brasil, 2007) de José Padilha se enfoca en un grupo de policías de alto vuelo cuya misión es derrotar a unos narcotraficantes en una favela de Río de Janeiro. El Capitán Nascimento debe buscar un reemplazo competente a tiempo para estar junto con su esposa cuando ella dé a luz, mientras dos policías novatos pasan por un duro camino de aprendizaje para entrar en esa tropa de élite. Aunque la temática, edición y dirección recuerdan inmediatamente a Ciudad de Dios, la película cuenta con las dosis justas de suspenso, acción y comedia como para reclamar un lugar de honor entre las mejores cintas que ha producido el país carioca en los últimos años. No sorprende que haya obtenido el premio a mejor película de acuerdo al voto del público. Calificación: ****.

La Mujer sin Cabeza (Argentina, 2008) de Lucrecia Martel nos muestra de cerca a Verónica, quien por un descuido atropella algo en la carretera y no tiene valor para detenerse a ver qué atropelló. Luego la vemos en sus facetas más cotidianas deteriorándose a causa de este incidente, porque la culpa la consume de a pocos. Con una narrativa poco convencional, Martel nos invita a seguir cada paso de Verónica en escenas de grandes silencios o de conversaciones en apariencia intrascendentes. Aunque el afán contemplativo puede llegar a cansar en algún momento, las actuaciones de la protagonista María Onetto y de los actores secundarios son perfectos ejemplos de una sutileza bien trabajada. Calificación: *** ½.

Dioses (Perú, 2008) de Josué Méndez es el retrato de una familia disfuncional de la clase alta limeña que vive de las apariencias. Agustín (Edgar Saba) es un empresario enamorado de Elisa (Maricielo Effio), una chica mucho más joven y humilde que trata de adaptarse a ese exclusivo círculo social. Su hijo Diego (Sergio Gjurinovic) siente una fuerte atracción por su hermana Andrea (Anahí De Cárdenas), a quien no le importa nada más que divertirse sin asumir responsabilidades. Las escenas más logradas son las que desnudan la frivolidad, ridiculez e hipocresía de ciertos sectores de nuestra sociedad, pero no todos los personajes llegan a explotar sus matices. Mientras Elisa y Diego sufren transformaciones producidas por su relación con el entorno, Agustín y Andrea son personajes más planos y esquemáticos. Calificación: *** ½.

El Acuarelista (Perú, 2008) de Daniel Ro narra cómo un oficinista al que sólo conocemos como Sr. T (Miguel Iza) se muda a un edificio para cumplir su sueño de pintar una acuarela, sin imaginar que todos los vecinos le harán la vida imposible al tratar de aprovecharse de él de mil formas. Si bien al principio las situaciones imprevistas y los personajes absurdos resultan entretenidos, hacia el final el caos y el tono solemne se apoderan de una trama que fuerza un poco las metáforas sobre la intolerancia e ignorancia de la sociedad con respecto al artista. Un punto a favor son las atractivas acuarelas y la forma sutil en que se incorporan al relato. Calificación: ***.

Presentaciones Imprescindibles

En esta categoría, que agrupa a cintas de gran interés provenientes de todo el mundo, destacó Crimen y Lujuria (Se, Jie; China, 2007) del gran director Ang Lee (El Tigre y el Dragón, Brokeback Mountain). Ambientada en Shanghai durante la Segunda Guerra Mundial, es un thriller sobre una actriz y espía (Wei Tang) que se une a la resistencia para vengarse de un político traidor (Tony Leung). Sus fuertes y polémicas escenas de sexo (censuradas en su propio país) representan la relación de poder, dominación y atracción fatal que se establece entre la protagonista y el móvil de su venganza. El juego de seducción va creciendo en suspenso hasta llegar a un final devastador. Calificación: ****.

Relaciones Peligrosas (Before the Devil Knows You're Dead; Estados Unidos, 2007) es el más reciente trabajo de Sydney Lumet, que presenta a dos hermanos (Ethan Hawke y Philip Seymour Hoffman) que en su intento desesperado por conseguir dinero deciden asaltar la joyería de sus propios padres, pero el plan se les escapa de las manos sin que puedan retroceder. La película está muy bien actuada y analiza, desde distintos puntos de vista, cómo se va desmoronando la relación entre todos los integrantes de la familia a medida que las verdades más incómodas salen a la superficie. Calificación: ****.

Mi Mejor Amigo (Mon meilleur ami; Francia, 2006) es una comedia sobre un hombre llamado François (Daniel Auteuil) que hace una apuesta con su socia: como ella afirma que él no tiene amigos de verdad, le da diez días de plazo para que le presente un mejor amigo o si no ella se quedará con un costoso jarrón que él acaba de adquirir en una subasta. Para salir del apuro, François contratará a un taxista muy carismático y sabelotodo para que le enseñe a hacer amigos. El humor por momentos es negro y luego más bien es de colores pasteles, culminando en un final ciertamente predecible pero que igual nos deja con una sonrisa en los labios. Calificación: ***.

12 ago. 2008

Apocalipsis mañana

Cuando Pixar Animation Studios estrenó Toy Story en 1995, surgió una nueva era para el cine de animación. Este mismo estudio, en sociedad con Disney, ha seguido innovando desde entonces y ha conseguido grandes éxitos de taquilla, como Monsters, Inc., Buscando a Nemo, Los Increíbles y Ratatouille. No todas fueron películas excelentes, pero al menos tenían propuestas interesantes. Este año presentan uno de sus más ambiciosos proyectos: Wall E.

Este film nos introduce a un escenario apocalíptico y desolador, inusual para una cinta animada. El planeta Tierra ha sido abandonado por la humanidad hace 700 años, debido a la creciente contaminación y acumulación progresiva de basura. Wall E (siglas de Waste Allocation Load Lifter Earth-Class) es un robot que fue programado para crear cubos compactos de desechos metálicos, para lo cual hurga en la basura y separa aquello que se puede llevar de recuerdo a su casa. Él no tiene más compañía en el mundo que una cucaracha, hasta que llega Eva, una robot que debe cumplir una misión confidencial en la que Wall E se compromete hasta las últimas consecuencias.

Para simplificar las narraciones de sus films anteriores, los creativos de Pixar hicieron hablar a juguetes, monstruos, carros y todo tipo de insectos y animales. Pero aquí su tarea es más complicada, porque los robots no hablan más de 2 ó 3 palabras, con lo cual por momentos Wall E más parece un homenaje al cine mudo. ¿Suena aburrido? Todo lo contrario. A falta de comunicación verbal, los dos robots protagonistas se las ingenian para decirse un mundo entero con la mirada, con movimientos de las extremidades, con pequeños sonidos que representan desde miedo hasta rabia.

El contraste entre ambos personajes es divertido e impresionante. Wall E es ingenuo, inofensivo y soñador; colecciona las más inimaginables chucherías y ve todas las noches el musical Hello, Dolly! para aprenderse los pasos de baile. Eva es una robot de diseño más sofisticado y con funciones más deslumbrantes, como volar y disparar rayos láser, que además tiene un carácter explosivo, impaciente y pegado a las reglas, al estilo de una policía de tránsito o una espía encubierta. Wall E la idealiza y sueña con tomarla de la mano para bailar juntos como en su película favorita, y en ese amor platónico radica parte del inagotable encanto de esta película.

Lo interesante de esta propuesta es que además combina de forma audaz y sarcástica temas tan vigentes como el consumismo excesivo, la obsesión por la tecnología y la indiferencia humana con respecto al medio ambiente. El guión se burla de la sociedad actual y todas sus formas de egoísmo, las cuales podrían llevarla algún día a un escenario no muy diferente del que plantea esta cinta aparentemente inofensiva. Pixar ha conseguido con Wall E un nuevo hito, un clásico instantáneo del cine de animación, al inmortalizar a un personaje que es la ternura misma, disfrazada de prismáticos, lata y tuercas.

Título Original: Wall E
Director: Andrew Stanton
País y Año: Estados Unidos, 2008
Con las voces de: Ben Burtt, Elissa Knight, Jeff Garlin, Fred Willard, Sigourney Weaver, entre otros.
Calificación: ****

29 jul. 2008

Diferentes matices de oscuridad

El Caballero de la Noche (The Dark Knight) no es sólo una película, es un fenómeno de masas, un acontecimiento que podría hacer historia por más de una razón. En primer lugar, ha roto todos los records de taquilla al haber conseguido recaudar $315 millones en tan solo los 10 primeros días de exhibición en los Estados Unidos, un logro que ninguna película ha conseguido jamás. En segundo lugar, no sólo cuenta con el favor de los espectadores, sino que la crítica internacional ha tenido una reacción muy entusiasta, lo cual no es común para una superproducción de Hollywood basada en un comic. Y además, la actuación de Heath Ledger ha generado elogios tan encendidos de sus propios compañeros de reparto y de los críticos, que ya se habla de una posible nominación póstuma al Oscar. Cerrando el círculo, no es difícil adivinar que Ledger es responsable, en parte, tanto de la gran taquilla como de las buenas críticas.

La historia continúa donde se quedó su antecesora, Batman Inicia. Bruce Wayne (Christian Bale) ha asumido a cabalidad su papel de héroe vigilante que, con el disfraz del hombre murciélago, aniquila a los criminales de Ciudad Gótica, pero estos se multiplican y sus métodos se vuelven cada vez más sofisticados. Sus aliados son el Comisario de Policía James Gordon (Gary Oldman) y el Fiscal del Distrito Harvey Dent (Aaron Eckhart), quien busca enviar a prisión a los peces gordos de las organizaciones criminales. La presencia maquiavélica del Guasón o Joker (Heath Ledger) envolverá a toda la ciudad en un huracán de violencia, terror y paranoia que dejará muchos damnificados en el camino.

Si en la película anterior el director Christopher Nolan presentaba a un Batman entendiendo su misión, su enfoque aquí cambia por el de un superhéroe que llega a verse cansado de su labor de limpiar las calles de criminales y que entra en la duda existencial de pasarle la posta a un representante de la ley que no necesite de máscaras y que cuente con el apoyo popular, como Harvey Dent. Además de verse envueltos en un triángulo amoroso con Rachel Dawes (Maggie Gyllenhaal), las vocaciones altruistas de ambos se verán puestas en riesgo cuando el Guasón intente demostrar que en Ciudad Gótica hasta los ciudadanos más honorables pueden corromperse y descender a los niveles más bajos de la descomposición humana.

Estos dilemas morales que persiguen a los protagonistas y los enfrentan a romper sus reglas, le dan a esta película mayor intensidad y suspenso no sólo que la cinta anterior, sino que la gran mayoría de cintas de superhéroes en general. Aquí no asistimos a una lucha pareja entre buenos y malos, aquí el mal encarnado por el Guasón se parece a una manzana podrida que corrompe todo a su paso. El Guasón tiene una perversidad casi animal e irracional, un sentido de la manipulación de su entorno en el que todas las fichas del tablero están a su disposición para destruirse cuando a él se le antoje. De ahí que él se autodefina como un “perro que persigue automóviles: no sabría que hacer si atrapa uno”.

Como mencionaba al inicio, Heath Ledger es la principal atracción de la cinta, porque su creación del Guasón es impactante, al llenarlo de tantos matices que lo vuelven un caso imposible para cualquier psicoanalista. La nominación al Oscar, de la que tanto se ha hablado, no me parece para nada descabellada, se trata de una actuación inolvidable que, junto con su trabajo en cintas tan diferentes como Monster´s Ball y Brokeback Mountain, queda como el mejor testamento que pudo dejar Ledger antes de morir a tan temprana edad.

Sin embargo, no se trata del único gran logro del film. Además del guión que sorprende con varios giros inesperados y diálogos memorables sobre los extremos tan relativos del bien y el mal, el trabajo en conjunto de todo el elenco es bastante acertado, la edición es impecable en el manejo del suspenso y la música contribuye a crear la desesperante sensación de peligro inminente. El final tan desesperanzador no deja de ser emocionante porque demuestra que en cintas como ésta, también pueden haber héroes caídos y duros caminos de redención por delante.

Título Original: The Dark Knight
País y Año: Estados Unidos, 2008
Director: Christopher Nolan
Actores: Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Gary Oldman, Maggie Gyllenhaal, Michael Caine, Morgan Freeman, entre otros.
Calificación: ****

14 jul. 2008

Me enamoré en París

La ciudad de París ha sido, más que un telón de fondo, un personaje más, en varias de mis cintas favoritas: desde Moulin Rouge! hasta Ratatouille, pasando por Amélie. Esa visión apasionada de la Ciudad de la Luz se refleja también en París, yo te amo (Paris, je t'aime), un conjunto de 18 cortometrajes ambientados en distintos barrios de esta ciudad en los que el amor (o la falta de él) se pone de manifiesto.

Lo más valioso de este interesante proyecto es que ha reunido a directores y actores de todo el mundo, los cuales aportan su cuota de sensibilidad y su propia lectura del amor, en sus diferentes formas (del amor de pareja al de padres e hijos) y etapas (de la ilusión del amor a primera vista a la inevitable aceptación de la ruptura). Cada director decide abordar su historia desde diferentes ángulos: de la melancolía a la ternura, de la tragedia manchada de sangre al sarcasmo más irreverente.

Entre esta mixtura de culturas y nacionalidades, tenemos a directores latinoamericanos como Alfonso Cuarón y Walter Salles, los estadounidenses Ethan y Joel Coen y Alexander Payne, la española Isabel Coixet, el francés Gérard Depardieu, el japonés Nobuhiro Suwa, entre otros. Entre el reparto, figuran estrellas de la talla de Natalie Portman, Juliette Binoche, Willem Dafoe y Nick Nolte, al lado de actores hispanos como Catalina Sandino Moreno, Javier Cámara y Leonor Watling.

Este variado menú internacional acierta en la gran mayoría de fragmentos. Gus Van Sant, el mismo director de Good Will Hunting y Elephant, tiene aquí a su cargo el segmento “Le Marais”, en el cual un hombre desconcertado le cuenta a otro un monólogo sobre una repentina necesidad. También destaca el segmento “Bastille” de Isabel Coixet, en el cual el italiano Sergio Castellitto está a punto de dejar a su esposa, hasta que ella lo sorprende con una ingrata noticia. El segmento "Parc Monceau" de Alfonso Cuarón tiene una trayectoria sorprendente: en una sola toma, nos presenta el recorrido de dos personajes (interpretados por Nick Nolte y Ludivine Sagnier), cuya relación aparentemente conflictiva se va transformando hasta llegar a uno de los niveles más puros del amor.

Menos fortuna tienen el trivial episodio de amor entre vampiros (a Elijah Wood aún le cuesta desprenderse de la cara de susto de Frodo, ¿no?) y el de un vendedor de productos de belleza, que juega con los límites del absurdo. Aún así, la obra en su conjunto entusiasma por sus múltiples posibilidades narrativas y sirve de modelo a otros proyectos similares, como New York, I Love You, la cual se encuentra en etapa de postproducción y se estrenará el próximo año.

Título original: Paris, je t'aime
País y Año: Francia, 2006
Directores: Ethan Coen, Joel Coen, Isabel Coixet, Wes Craven, Alfonso Cuarón, Alexander Payne, Walter Salles, Gus Van Sant, entre otros.
Actores: Gaspard Ulliel, Steve Buscemi, Catalina Sandino Moreno, Juliette Binoche, Maggie Gyllenhaal, Fanny Ardant, Emily Mortimer, Natalie Portman, Elijah Wood, entre otros.
Calificación: ****

30 jun. 2008

Esa carcajada estuvo cerca

En mayo y junio, los estrenos mundiales estuvieron a la orden del día. Los superhéroes se vieron representados por un entretenido e irreverente Robert Downey Jr. dando vida a Iron Man, en contraste con un afligido Edward Norton en El Increíble Hulk. Las secuelas también se multiplicaron en las carteleras gracias a la polémica Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal (por sus llamativos errores de geografía e historia, y en general por su imagen tan distorsionada del Perú) y la más bien inofensiva Las Crónicas de Narnia: El Príncipe Caspian. Pero también hubo espacio para la comedia de acción gracias a El Super Agente 86 (Get Smart).

Inspirada en la clásica serie de TV de los años 60, esta película nos presenta a Maxwell Smart (Steve Carell), cuando el jefe (Alan Arkin) de la agencia de espías conocida como Control lo promueve a agente y le asigna su primera misión: ir tras los pasos de Siegfried (Terence Stamp), la cabeza de Kaos, quien tiene un plan siniestro para apoderarse del mundo. En esta misión, su compañera será la audaz Agente 99 (Anne Hathaway), quien desde un principio desconfía de Maxwell por su torpeza e inexperiencia.

Apoyada por un gran presupuesto, la película no escatima esfuerzos en mostrar espectaculares escenas de acción sacadas directamente del catálogo habitual de películas de acción: peleas de uno contra todos incluyendo patadas imposibles; persecuciones interminables a bordo de autos, aviones y trenes; bombas que amenazan con estallar cerca del Presidente de Estados Unidos y otros tantos lugares comunes.

Tanta adrenalina alcanza para darle cuerda por largo rato a la historia, pero llega un punto en que uno se pregunta dónde están los chistes. Porque como comedia, El Super Agente 86 es una entretenida película de acción. Es decir, que entre pelea y persecución, crean alguna situación supuestamente cómica, pero sólo funciona la mitad del tiempo. Y no por falta de talento, sino más bien de inspiración. Por ejemplo, el supuesto giro sorprendente del final, cuando se revela la identidad secreta de uno de los personajes secundarios, es más predecible que la realización de una inminente secuela.

Steve Carell saltó a la fama gracias a su papel estelar en Virgen a los 40 y posteriormente ganó prestigio gracias a la premiada Little Miss Sunshine y la serie de TV The Office. Aquí cumple con dignidad el reto de calzarse el famoso zapatófono de Don Adams y aunque generalmente es un tipo muy gracioso, no es su culpa que el guión haya sido escrito con absoluta flojera. Quien se luce más, a mi parecer, es la carismática Anne Hathaway (recordada por El Diario de la Princesa, Brokeback Mountain y más recientemente, El Diablo viste a la moda), quien demuestra que ya está lista para dejar el estereotipo de chica ingenua para ponerse el escotado traje de femme fatale y ser encantadora mientras dispara a quemarropa.

Título Original: Get Smart
Director: Peter Segal
País y Año: Estados Unidos, 2008
Actores: Steve Carell, Anne Hathaway, Alan Arkin, Dwayne Johnson, Terence Stamp, Bill Murray
Calificación: ** 1/2

31 may. 2008

Avance de temporada

Quiero presentar en sociedad a mis películas más esperadas del año, ya sea porque se trata de directores con una filmografía interesante o porque cuentan con argumentos prometedores. Todas tienen una fecha de estreno programada para la segunda mitad de 2008 en Estados Unidos y aquí quizás se demoren en llegar hasta el próximo año. Sin embargo, desde ahora manifiesto mi gran ansiedad por verlas.

Australia
Director: Baz Luhrmann (Trabajos anteriores: Romeo + Julieta, Moulin Rouge!)
Actores: Nicole Kidman, Hugh Jackman, David Wenham, entre otros.
Estreno en EEUU: 26 de noviembre
Sinopsis: Kidman interpreta a una aristócrata británica que con la ayuda de un ranchero (Jackman) decide atravesar Australia con un numeroso ganado para librarse de un complot en su contra, sin imaginar que luego deberán enfrentar los bombardeos de los japoneses en Darwin durante la Segunda Guerra Mundial.
Por qué promete: Luhrmann ha demostrado ser un cineasta visionario, preocupado por imprimir un toque estilizado a sus producciones, como ocurrió con Moulin Rouge!, donde Kidman también tuvo el papel protagónico, el cual justamente la valió su primera nominación al Oscar. ¿Tendrá la misma suerte esta vez?
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The Curious Case of Benjamin Button
Director:
David Fincher (Trabajos anteriores: Seven, Fight Club, Zodiac)
Actores: Brad Pitt, Cate Blanchett, Tilda Swinton, Taraji P. Henson, entre otros.
Estreno en EEUU: 25 de diciembre
Sinopsis: Cuenta la historia de Benjamin Button (Pitt), un hombre que envejece literalmente al revés (es decir, cada vez se va haciendo más joven), lo cual tendrá consecuencias bizarras en su relación con los demás.
Por qué promete: Fincher es un director de innegable talento que sabe narrar las historias más extrañas de forma tal que las vuelve cercanas al espectador. En este caso, un argumento que se expande a lo largo de varias décadas y que presenta un personaje tan original ofrece el combustible necesario para contar muchísimas historias en una sola.
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Changeling
Director: Clint Eastwood (Trabajos anteriores: Los imperdonables, Río Místico, Million Dollar Baby)
Actores: Angelina Jolie, John Malkovich, Amy Ryan, entre otros.
Estreno en EEUU: 31 de octubre
Sinopsis: Situada en los años 20 en Los Angeles, cuenta el drama basado en hechos reales de Christine Collins (Jolie), cuyo hijo es secuestrado. Ella se enfrenta a unos policías corruptos, hasta que le informan que su hijo ha aparecido. Cuando se reencuentran, ella se da cuenta de que ese no es su hijo y en su búsqueda por la verdad, comenzarán a destaparse oscuras revelaciones.
Por qué promete: En menos de cuatro años, Eastwood consiguió que tres cintas dirigidas por él fueran nominadas al Oscar a mejor película: Río Místico, Million Dollar Baby y Cartas desde Iwo Jima. Las tres son obras maestras con méritos propios. Changeling se acaba de estrenar en el Festival de Cannes y las críticas de la prensa especializada fueron abrumadoramente entusiastas, llegando algunos a afirmar que esta nueva cinta lo traerá de vuelta por el Teatro Kodak el año entrante.
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Doubt
Director: John Patrick Shanley (Trabajo anterior como director: Joe Versus the Volcano; como guionista Moonstruck)
Actores: Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Viola Davis, entre otros.
Estreno en EEUU: 12 de diciembre
Sinopsis: Una monja (Streep) se enfrenta con un sacerdote (Hoffman) que ha sido acusado de abusar de un estudiante negro. En este conflicto de intereses, ambos personajes cuestionarán sus nociones de moral, autoridad y fe.
Por qué promete: El director es relativamente desconocido (aunque ganó un Oscar por el guión de Hechizo de Luna), pero el material viene con un prestigio ganado por otros frentes. El guión está basado en una multipremiada obra teatral. Los roles principales recaen en dos pesos pesados como Streep y Hoffman, quienes bien podrían sumar una estatuilla más a sus largas listas de reconocimientos.


Blindness
Director: Fernando Meirelles (Trabajos anteriores: Ciudad de Dios, El Jardinero Fiel)
Actores: Julianne Moore, Mark Ruffalo, Gael García Bernal, Danny Glover, entre otros.
Estreno en EEUU: 3 de octubre
Sinopsis: Basada en la novela de José Saramago Ensayo sobre la ceguera, presenta una ciudad devastada y en caos por una epidemia de ceguera. La esposa de un doctor (Moore) es la única que puede ver esta pesadilla.
Por qué promete: Un argumento apocalíptico que augura grandes dosis de misterio y numerosos conflictos no puede estar en mejores manos que en las de Fernando Meirelles, cuyo trabajo en la excepcional Ciudad de Dios lo coloca como uno de los directores latinoamericanos con mayor talento en la actualidad. El reparto también luce muy prometedor y ojalá sea el pretexto ideal para que Julianne Moore vuelva a regalarnos una actuación magistral.

26 mar. 2008

Lamento afgano

Desde la invasión soviética hasta la ocupación de Estados Unidos, pasando por el dominio del régimen talibán, el pueblo de Afganistán ha sido constantemente maltratado en las últimas décadas. Han llegado a nuestra cartelera dos películas que enfocan desde diferentes ángulos conflictos relacionados con este país de Medio Oriente.

Tres excéntricos en pie de guerra

El congresista de Texas Charlie Wilson (Tom Hanks), quien disfruta del trago tanto como estar rodeado de guapas y escotadas asistentes, emprende una cruzada que parece imposible: ayudar a los afganos a combatir la invasión soviética a comienzos de la década de 1980. Para ello cuenta con dos valiosos aliados, la influyente socialité Joanne Herring (Julia Roberts) y el apático agente de la CIA Gust Avrakotos (Philip Seymour Hoffman).

Este es el argumento de Juego de Poder (Charlie Wilson's War), una película que analiza con más ironía que seriedad el decisivo papel que tuvo la política exterior de Estados Unidos en este episodio particular. El director Mike Nichols (El Graduado, Closer) delinea con excentricidad a los tres personajes principales como piezas de un variopinto equipo capaz de frenar a una potencia enemiga. Del trío protagónico, Philip Seymour Hoffman (nominado al Oscar por este papel), se luce como el malhumorado, lisuriento y perspicaz agente Gust.

Aunque Juego de Poder apuesta desde un inicio por el tono satírico y enfatiza las anécdotas pintorescas de las labores de negociación, el mensaje final resulta bastante contundente: el gobierno de Estados Unidos ayudó a Afganistán en su batalla contra los soviéticos, pero no concluyeron con sus obligaciones y 20 años más tarde se convertirían ellos mismos en los nuevos invasores.

Título original: Charlie Wilson's War
País y Año: Estados Unidos, 2007
Director: Mike Nichols
Actores: Tom Hanks, Julia Roberts, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Emily Blunt
Calificación: *** 1/2

Camino a la redención

En Cometas en el Cielo (The Kite Runner), la acción se concentra en la amistad de dos niños afganos. Amir pertenece a una familia privilegiada de Kabul y Hassan es hijo del sirviente de la casa. Pronto, la tragedia llega a sus vidas cuando Hassan sufre un ataque brutal y más adelante, los rusos invaden Afganistán. La familia de Amir huye primero a Pakistán y luego a California. Muchos años más tarde, Amir, ya convertido en adulto, regresa a su país para salvar al hijo de Hassan de la salvaje opresión del régimen talibán.

Marc Forster (Monster's Ball, Finding Neverland) dirige esta emocionante historia de lealtad, traición y redención. Es realmente conmovedor el grado de inocencia y fidelidad que puede tener el pequeño Hassan, quien se roba la película y se gana la simpatía del espectador desde el inicio. Amir, aunque en principio resulta un niño bastante engreído y egoísta, de adulto se ve obligado a enfrentarse a sus propios demonios del pasado, lo que lo llevará a expiar sus culpas a través de un camino peligroso.

El primer tercio de la película es el más logrado e impactante. La parte final sirve, además de resolver los conflictos iniciales, como un pretexto ideal para exponer los terribles excesos de los talibanes y la paranoia que rodea el nuevo Kabul. Acompañando una historia tan intensa, resulta precisa la brillante música compuesta por el español Alberto Iglesias (nominado al Oscar por este film), colaborador habitual de Pedro Almodóvar y para quien justamente se encuentra trabajando en la partitura de su siguiente proyecto, titulado Los Abrazos Rotos.

Título original: The Kite Runner
País y Año: Estados Unidos, 2007
Director: Marc Forster
Actores: Khalid Abdalla, Atossa Leoni, Homayoun Ershadi, Shaun Toub, Zekeria Ebrahimi, Ahmad Khan Mahmidzada
Calificación: *** 1/2

13 mar. 2008

Baños de Sangre

Dos directores sumamente interesantes como Paul Thomas Anderson y Tim Burton han concebido dos películas brillantes en las que la sangre brota junto con la ira, en que la venganza es un móvil poderoso e imparable y en el que la vehemencia puede llevar a consecuencias catastróficas.

El duelo del fanatismo y la ambición

Paul Thomas Anderson se ha caracterizado por sus propuestas arriesgadas y poco convencionales, lo que le ha valido ser comparado con Stanley Kubrick. Su más reciente film, Petróleo Sangriento (There will be blood) lo llevó a ganar muchos reconocimientos y consiguió nada menos que ocho nominaciones al Oscar, incluyendo mejor película y mejor director. Aunque Magnolia y Punch-Drunk Love son otros títulos importantes en su filmografía, es probable que Petróleo Sangriento sea su cinta más recordada en las próximas décadas y que alcance un verdadero estatus de película de culto. Y muy merecidamente.

Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) llega con su hijo H.W. a California a inicios del S. XX con el objetivo de explotar unos terrenos ricos en petróleo. Sus intenciones de adquirir todas las propiedades aledañas encontrará la oposición de Eli Sunday (Paul Dano), joven pastor de la Iglesia de la Tercera Revelación. Mientras Daniel va construyendo su imperio, no permitirá que nadie más triunfe a su alrededor.

Este personaje tan carismático que convence con su labia de político en campaña a todo el pueblo, va mutando (o más bien, revelando su verdadera personalidad) hasta convertirse en un ser despreciable, egoísta y codicioso. En la relación con su hijo adoptivo y su medio hermano vamos conociendo los límites tan intensos a los que lo llevará su falta de escrúpulos. El clímax de su descomposición llega en la escalofriante escena final en la que el fanatismo religioso y la ambición descontrolada se baten a duelo, exponiendo sus respectivas miserias.

Daniel Day-Lewis es definitivamente uno de los mejores actores del mundo y acá su talento está expuesto al máximo, convirtiendo a Daniel Plainview en un retrato del poder más fascinante y putrefacto. Su actuación, recompensada con un Oscar y muchos otros premios, es uno de los muchos logros de este film, junto con la cuidada fotografía que privilegia los contrastes del color negro brillante del petróleo con los colores cálidos de las construcciones en el desierto. Al final, el título original del film cobra la relevancia de demostrar que donde hay petróleo, siempre habrá sangre.


Título original: There will be blood
País y Año: Estados Unidos, 2007
Director: Paul Thomas Anderson
Actores: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Dillon Freasier, Ciarán Hinds, Kevin J. O'Connor
Calificación: **** 1/2

Freaks entrañables

Debo confesar que Sweeney Todd era mi película más esperada del 2007, no sólo porque Tim Burton es uno de mis directores favoritos, sino porque el material – un sangriento y sombrío musical – parecía hecho a su medida. El resultado no me defraudó en absoluto.

Benjamin Barker (Johnny Depp) regresa después de años a Londres, dispuesto a vengarse de un juez (Alan Rickman) que lo envió a prisión injustamente y le arrebató a su familia. Convertido ahora en el barbero asesino Sweeney Todd, encuentra en la Sra. Lovett (Helena Bonham Carter) a su cómplice ideal para poner en práctica su revancha y recuperar a su hija. La Sra. Lovett se ufana de hacer los peores pasteles de Londres, hasta que encuentra el ingrediente secreto que los vuelve irresistibles: los restos de las víctimas de Sweeney.

Basada en un exitoso musical de Broadway, esta película se distancia de otros musicales tan recientes como Moulin Rouge!, Dreamgirls o Hairspray en que lejos de ser una explosión de color y alegría, es una historia marcada por decorados góticos, canciones nostálgicas y muchas muertes, que pueden servir primero como un entretenimiento absurdo o al final como una conmovedora tragedia. Sweeney Todd se transforma así en un personaje clásico en el fascinante mundo de Burton, uniéndose a El joven manos de tijera, El cadáver de la novia, Willy Wonka y otros en la galería de freaks entrañables.

Johnny Depp y Helena Bonham Carter son dos actores habituales en la filmografía de Burton. A pesar de que no tienen las voces más privilegiadas del mundo, ambos superan la prueba de fuego de cantar y crear personajes convincentes en medio del baño de sangre. Depp fue nominado al Oscar por éste papel, pero se encontró en el camino a Daniel Day-Lewis. Ojalá la Academia hubiera aprovechado de paso la ocasión para reconocer también a Burton, un director que increíblemente jamás ha sido nominado. ¿Llegará el día en que corrijan esa terrible omisión o tendremos que marchar con nuestras navajas afiladas en señal de protesta?


Título original: Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street
País y Año: Estados Unidos, 2007
Director: Tim Burton
Actores: Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Timothy Spall, Sacha Baron Cohen
Calificación: **** 1/2

1 mar. 2008

Designios inevitables

Este año la Academia de Hollywood estuvo más acertada que otros años en la repartición de estatuillas, al menos en las categorías principales. A continuación repaso dos cintas imprescindibles que competían voto a voto por el Oscar a mejor película. Son dos historias que presentan personajes arrinconados por la incertidumbre de no poder escapar a designios oscuros y siniestros.

Sombras en el desierto

La ganadora del Oscar a mejor película de este año es una cinta atípica dentro de los gustos tan conservadores de la Academia. Basada en una novela de Cormac McCarthy, Sin lugar para los débiles (No Country for Old Men) se concentra en tres personajes de antología que se cruzan en el desierto de Texas. En primer lugar, está Llewelyn Moss (Josh Brolin), un cazador que encuentra accidentalmente un maletín con 2 millones de dólares cerca de un sangriento escenario infestado de cadáveres y paquetes de heroína; y obviamente decide quedarse con el dinero. El despiadado asesino en serie Anton Chigurh (Javier Bardem) irá tras sus pasos para recuperar el maletín. Y el sheriff Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones) intentará frenar el brutal derramamiento de sangre que ocurre a su alrededor.

Los hermanos Ethan y Joel Coen son el dúo creativo responsable de producir, dirigir, adaptar el guión y editar esta apasionante fábula sobre la ambición y sus consecuencias, sobre la violencia y sus inexplicables orígenes. Ellos nos invitan a sumergirnos en una pesadilla sangrienta en la que la muerte (representada por Anton Chigurh) se cierne como un destino inevitable sobre todo lo que está a su paso y por eso es inútil esconderse o pedir compasión. Chigurh juega al “cara o sello” con la vida de sus víctimas con una naturalidad que aterroriza y desarma. La escena de la estación de gas es notable porque crea una tensión escalofriante y expone la desquiciada mente del asesino.

Javier Bardem construye un villano fascinante que escarapela cada poro del cuerpo con su sola presencia. Por eso, el Oscar para el actor español es más que merecido. Pero el resto del elenco también está notable, tanto Josh Brolin y Tommy Lee Jones como Kelly MacDonald (en el papel de la esposa de Llewelyn).

El polémico final ha disgustado a mucha gente porque deja ciertas preguntas sin resolver. Pero justamente a través del personaje de Tommy Lee Jones podemos compartir su desconcierto e identificarnos con la sensación de vivir en un mundo donde la violencia gana terreno en todos los ámbitos y destruye toda forma de convivencia sin que sepamos de dónde viene o cómo detenerla. Simplemente está ahí y no la podemos controlar.

Título original: No Country for Old Men
País y Año: Estados Unidos, 2007
Director: Ethan Coen y Joel Coen
Actores: Josh Brolin, Javier Bardem, Tommy Lee Jones, Kelly MacDonald, Woody Harrelson
Calificación: **** 1/2

Acto de contrición

Expiación (Atonement) es otra adaptación de una novela; en éste caso, de Ian McEwan. La cámara nos introduce a la elegante casa de campo de la familia Tallis y, particularmente, a la máquina de escribir de Briony (Saoirse Ronan), una adolescente que se revela como una precoz escritora con una imaginación desbordante. Su hermana mayor Cecilia (Keira Knightley) tiene un romance furtivo con Robbie (James McAvoy), el jardinero de la casa. Acusado de un crimen que no cometió, Robbie se ve obligado a alejarse de Cecilia justo antes de que estalle la Segunda Guerra Mundial en Inglaterra.

Concentrando la atención en tres momentos de la vida de Briony, la brillante narración se ve enriquecida por el contraste entre los diferentes puntos de vista de los personajes. Así, una misma escena es vista por dos personajes, uno cercano y otro distante, quienes comprenden de forma completamente opuesta la situación. Una tercera mirada, la del espectador, va siguiendo las pistas que conducen a un final revelador e impactante.

Expiación es una suma de varios logros artísticos. Las actuaciones más intensas son obra y gracia de James McAvoy (un actor de gran talento a quien no hay que perder de vista) y la niña Saoirse Ronan, nominada al Oscar por éste papel. La fotografía es un espectáculo en sí mismo, no sólo por algunas imágenes de belleza impactante, sino en especial por un plano secuencia de unos 5 minutos en el cual la cámara sigue a Robbie por una playa repleta de soldados conmocionados por la guerra.

Otro gran atractivo es la seductora partitura original compuesta por Dario Marianelli y que fue premiada con el Oscar (el único de los siete galardones a los que aspiraba este film). Los premios a mejor película de drama en los Globo de Oro y en los BAFTA Awards, que otorga la Academia Británica, son justos reconocimientos a una cinta que conjuga el drama de un romance tocado por la tragedia con una cuidada búsqueda de la belleza y la pasión en cada escena.

Título original: Atonement
País y Año: Reino Unido, 2007
Director: Joe Wright
Actores: James McAvoy, Keira Knightley, Saoirse Ronan, Romola Garai, Vanessa Redgrave
Calificación: **** 1/2

17 feb. 2008

Desesperación en tres actos

Dos buenas noticias le devuelven la paz a las salas cine. En primer lugar, la huelga de guionistas de Hollywood por fin llegó a su fin, lo que asegura que este gremio retomará sus labores y la entrega N° 80 del Oscar se llevará a cabo sin mayores sustos el 24 de febrero. En segundo lugar, la cartelera comercial empieza a tener algunos estrenos interesantes después de tiempo. En esta entrada repaso historias de corrupción, amor y destrucción.

Contaminación a todo nivel

Michael Clayton (George Clooney) es un abogado experto en “arreglar” tras bambalinas los casos más espinosos de su estudio. El mayor reto de su carrera llega cuando su amigo y colega de la misma firma, Arthur Edens (Tom Wilkinson) sufre una crisis y sabotea su propia defensa de una poderosa compañía agroquímica, acusada de causar la muerte de unos campesinos.

La cinta ha recibido 7 nominaciones al Oscar, incluyendo mejor película, director (Tony Gilroy), actor (Clooney), actor de reparto (Wilkinson) y actriz de reparto (Tilda Swinton). Swinton es quien destaca más en el sólido reparto, dando vida a Karen Crowder, la representante de U/North, la empresa contaminante, quien es una fiera inescrupulosa frente a Clayton y aquellos que ponen en riesgo su compañía, pero se muestra como una servicial defensora de los intereses corporativos frente a su directorio. La historia, que recuerda a Erin Brokovich, nos muestra que la contaminación se extiende también a la vida de aquellos involucrados en el caso: Clayton debe decidir entre lo que le dicta su conciencia y lo que necesita para resolver sus problemas personales, Edens es un maniaco depresivo agobiado por la culpa y Crowder es una mujer fría que ha sacrificado su vida personal, con tal de triunfar en el trabajo. La poderosa y enigmática escena de los caballos en el campo abierto es de lejos el mejor testamento fílmico de esta cinta que, por lo demás, pierde un poco de originalidad y fuerza en su desenlace.

Título Original: Michael Clayton
País y Año: Estados Unidos, 2007
Director: Tony Gilroy
Actores: George Clooney, Tom Wilkinson, Tilda Swinton, Sydney Pollack
Calificación: *** 1/2

De la cólera y otros males

La esperada versión fílmica de la novela de Gabriel García Márquez, El Amor en los tiempos del Cólera, nos presenta la historia de Florentino Ariza (Javier Bardem) quien se enamora de Fermina Daza (Giovanna Mezzogiorno) desde muy joven, pero tendrá que esperar a tener la oportunidad de estar con ella por varias décadas.

El director británico Mike Newell (Cuatro bodas y un funeral, Harry Potter y el Cáliz de Fuego, entre otras) asume el gran reto de llevar a la pantalla grande el realismo mágico que funciona tan bien en la novela de Gabo, pero los resultados son desiguales. El fastuoso diseño de producción permite lucir la belleza de los escenarios colombianos y la emocionante partitura compuesta por el músico brasileño Antonio Pinto permite una conexión especial con la historia. Pero lamentablemente el guión tiene algunas líneas de un sentimentalismo llevado casi al límite de la caricatura y la parodia. Más preocupante aún es la elección de ciertos actores. Mientras Javier Bardem hace lo que puede por ser entrañable y convincente en su búsqueda del amor, la italiana Mezzogiorno luce compungida de principio a fin y tiene que soportar un maquillaje más falso que el inglés masticado de algunos miembros del reparto. Pero eso no es nada comparado con la insufrible caracterización que hace John Leguizamo como el papá de Fermina: es una mezcla de bufón de corte real con villano de telenovela mexicana. Además de Bardem, las nominadas al Oscar Fernanda Montenegro (Estación Central) y Catalina Sandino Moreno (María, llena eres de gracia) están correctas en sus papeles secundarios.

Título Original: Love in the Time of Cholera
País y Año: Estados Unidos, 2007
Director: Mike Newell
Actores: Javier Bardem, Giovanna Mezzogiorno, Benjamin Bratt, Fernanda Montenegro, John Leguizamo, Catalina Sandino Moreno, Angie Cepeda
Calificación: ** 1/2

El reality monstruoso

El argumento de Cloverfield suena muy familiar: un grupo de yuppies de New York están celebrando una fiesta cuando un misterioso monstruo les arruina la diversión, destruyendo todo lo que encuentra a su paso. Lo “novedoso”, en todo caso, es el planteamiento narrativo: se supone que lo que vemos en pantalla es una cinta encontrada por el ejército en el lugar de la tragedia, grabada por un personaje con su cámara de video. Por eso, ha sido inevitable que críticos y espectadores la comparen inmediatamente con El Proyecto de la Bruja de Blair, que también se hacía pasar por el testimonio audiovisual del sobreviviente de una matanza.

Los recuerdos de los atentados del 11 de setiembre se dejan sentir en las escenas de neoyorkinos huyendo despavoridos de edificios que se vienen abajo, envueltos en polvo, miedo y desesperación. El suspenso y el terror crecen a medida que la pesadilla se vuelve más cercana y peligrosa. Los personajes no nos importan tanto (la verdad son perfectamente intercambiables) como conocer al escurridizo monstruo, del cual vamos conociendo cada vez más retazos. La evidente intención de mostrar los sucesos en tiempo real nos recuerda además a los realities de la TV: en su afán por parecer más reales, las situaciones extremas se exageran, las circunstancias más triviales se disfrazan de acontecimientos importantes y al final, queda la sensación de un entretenimiento pasajero pero vacío.

Título Original: Cloverfield
País y Año: Estados Unidos, 2008
Director: Matt Reeves
Actores: Michael Stahl-David, Jessica Lucas, Lizzy Caplan, T.J. Miller, Mike Vogel
Calificación: ***

29 ene. 2008

La Premiación en los Tiempos de la Huelga

Es un año muy particular para el Oscar. El trofeo más codiciado en Hollywood cumple 80 años y los celebra en medio de una gran crisis. El sindicato de guionistas está en huelga desde el pasado 5 de noviembre y, entre otras cosas, exigen recibir ganancias por la descarga de series y películas por Internet y otros medios digitales. El paro ha golpeado profundamente la industria cinematográfica y la televisión, con muchas series que terminaron sus nuevas temporadas en menos de 10 capítulos, filmaciones de películas que se han postergado indefinidamente o incluso cancelado y por consiguiente, unas pérdidas millonarias. Las negociaciones entre los estudios y los guionistas se rompieron en diciembre y en enero los guionistas lograron boicotear y cancelar algunas premiaciones como los Globo de Oro y los People´s Choice Awards.

Ahora han amenazado con boicotear también la ceremonia del Oscar si sus reclamos no son atendidos. En primer lugar, ningún guionista sindicado puede escribir material para el show y peor aún, como cuentan con el apoyo del Sindicato de Actores ninguno de sus miembros iría a la entrega de premios. De todas maneras, los productores del Oscar han dicho que seguirán adelante con la ceremonia, aunque todos se preguntan cómo lo harán si el Teatro Kodak se queda vacío esa noche.

Por lo pronto, el martes 22 de enero se dieron a conocer los nombres de las películas nominadas en las 24 categorías. La gran favorita, que llega con ocho nominaciones incluyendo mejor película, es No Country for Old Men de los hermanos Ethan y Joel Coen. Se trata de un violento thriller que cruza los destinos de un cazador que encuentra una cuantiosa fortuna, un sheriff y un asesino en serie (Javier Bardem, nominado a mejor actor de reparto). Su mayor competencia es There Will Be Blood de Paul Thomas Anderson (a quien le debemos la notable Magnolia), que cuenta la historia de un avaro y perverso magnate petrolero interpretado por el brillante actor británico Daniel Day-Lewis (nominado a mejor actor). Tanto Bardem como Day-Lewis ganaron el Globo de Oro y el SAG Award en sus respectivas categorías, además de innumerables reconocimientos de la crítica especializada.

Las otras nominadas a mejor película son Atonement de Joe Wright (el mismo de Orgullo y Prejuicio), un drama sobre dos amantes (Keira Knightley y James McAvoy) separados por una intriga en plena Segunda Guerra Mundial; Juno, una comedia independiente sobre una adolescente embarazada (Ellen Page); y Michael Clayton, un thriller sobre conflictos éticos protagonizado por George Clooney, también nominado a mejor actor.

Aparte de Day-Lewis y Clooney, completan la lista de nominados a mejor actor tres intérpretes de reconocido talento: Johnny Depp por Sweeney Todd, el sangriento musical de Tim Burton; Viggo Mortensen, quien da vida a un brutal mafioso ruso en Eastern Promises y Tommy Lee Jones por In the Valley of Elah, donde interpreta al padre de un soldado que desaparece en Irak.
Las nominadas a mejor actriz provienen de diferentes países y dan vida a personajes igualmente complejos. La gran favorita es la veterana británica Julie Christie, quien gracias a su papel de enferma de Alzheimer en Away from Her, ha conquistado hasta el momento más de una decena de premios a mejor actriz, convirtiéndose casi casi en la Helen Mirren de este año. Completan la terna la canadiense Ellen Page por Juno, la francesa Marion Cotillard por su interpretación de Edith Piaf en La Vie en Rose, la neoyorkina Laura Linney por la comedia independiente The Savages, donde cuida de su padre moribundo; y la australiana Cate Blanchett por Elizabeth: The Golden Age, donde repite el mismo rol de monarca por el que también fue nominada a mejor actriz en 1998. Hablando de la versátil Blanchett, este año también compite como mejor actriz de reparto por I'm Not There, donde interpreta a Bob Dylan.

Aunque la mayoría de las películas nominadas aún no han llegado a nuestra pobre cartelera, puedo celebrar las cinco candidaturas de la genial Ratatouille: mejor film animado (donde compite con la francesa Persepolis y Surf´s Up), mejor guión original, mejor partitura original, mejor sonido y mejor edición de sonido. Es la segunda película animada más nominada en la historia de la Academia, sólo después de La Bella y la Bestia.

¿Podrán los hermanos Coen subir una y otra vez al escenario del Teatro Kodak (ambos están nominados en cuatro categorías como productores, directores, guionistas y editores de No Country for Old Men)? ¿Veremos a Daniel Day-Lewis y Julie Christie recibir emocionados su segundo Oscar (él ganó antes por My Left Foot: The Story of Christy Brown y ella por Darling)? ¿Escucharemos a Amy Adams cantar los tres (sí, ¡tres!) temas de Enchanted nominados a mejor canción original? Sólo si la crisis propiciada por la huelga de los guionistas se resuelve a tiempo, podremos despejar estas dudas y festejar los 80 años de la estatuilla (a)dorada.

Para conocer la lista completa de nominaciones, además de sinopsis, trailers y fotos de cada título, haz clic aquí.

9 ene. 2008

2007: De lo bueno, poco

Lo que anuncié en mi post anterior como una protesta, ahora lo reitero como un análisis general de lo que significó la cartelera comercial peruana en el 2007: cada vez tenemos menos estrenos interesantes y variados, ya que los distribuidores se encargan de darnos lo mismo semana tras semana. Por supuesto, ha habido estrenos muy valiosos y reconfortantes, pero la mayoría llegaron en la primera mitad del año y en la segunda francamente la oferta fue pobre y aburrida.

Muchos de estos títulos son estrenos tardíos (algunos fueron lanzados en sus países de origen en 2004, 2005 y 2006), pero quiero destacarlas por ser las 10 mejores experiencias cinematográficas que tuve en el año que acaba de terminar:

1. El Laberinto del Fauno: Guillermo del Toro dirige este apasionante relato de una niña que descubre un mundo de fantasía en la época de la Guerra Civil Española. Inolvidable enfrentamiento entre la valentía e inocencia de Ofelia versus la crueldad despiadada del Capitán Vidal.

2. Escondido (Caché): Este poderoso drama con toques de suspenso es un estudio sobre cómo la culpa arrincona a una persona y no la deja en paz hasta que salga a la superficie e infecte todo lo que está a su paso.

3. Babel: El más reciente film de Alejandro González Iñárritu cruza diferentes historias marcadas por la incomunicación y la incomprensión en medio de tragedias que ponen a prueba las relaciones entre padres e hijos.

4. Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima): Cuando uno cree haber visto todo sobre la Segunda Guerra Mundial, Clint Eastwood propone un enfoque distinto y conmovedor desde la perspectiva japonesa. Saben que están en desventaja frente al enemigo, pero no todos están dispuestos a rendirse.

5. La Vida de los Otros (Das Leben der Anderen): La inesperada complicidad entre un miembro de la Policía Secreta de la República Democrática Alemana y una pareja de artistas es al mismo tiempo una mirada a la decadencia del régimen comunista.

6. El Espíritu de la Pasión (Bin-jip): Este film del coreano Kim Ki-duk cuenta el peculiar romance entre un hombre que irrumpe en casas vacías y una mujer maltratada por su esposo. Prácticamente no necesitan palabras para saber cómo y por qué se complementan.

7. Niños del Hombre (Children of Men): El más reciente trabajo de Alfonso Cuarón es una visión apocalíptica de un futuro no muy lejano en el que la humanidad ha dejado de procrear y la lucha por la supervivencia es brutal.

8. Ratatouille: La mejor cinta de animación de los últimos años es deliciosamente divertida, gracias a un guión ingenioso e innovador en el que una rata se convierte en el mejor chef de París. El placer por el arte o el arte de crear placer son los principales ingredientes de este film de Disney/Pixar.

9. Zodiaco (Zodiac): A través de la mirada de un caricaturista, un periodista y un policía, asistimos a la descomposición de toda una comunidad aterrada por un asesino en serie que convierte a sus miembros en víctimas del terror y la angustia durante décadas.

10. Princesas: El español Fernando León de Aranoa narra la conmovedora historia de la amistad entre dos prostitutas que esconden la verdad a sus familias, sin sospechar que otros riesgos más grandes las esperan a la vuelta de la esquina.

Además, quisiera destacar las que me parecieron las 10 actuaciones más sobresalientes que iluminaron nuestras pantallas de cine:

1. Felicity Huffman, Transamerica
2. Forest Whitaker, El Último Rey de Escocia
3. Judi Dench, Escándalo (Notes on a Scandal)
4. Sergi López, El Laberinto del Fauno
5. Helen Mirren, La Reina (The Queen)
6. Adriana Barraza, Babel
7. Leonardo Di Caprio, Diamante de Sangre (Blood Diamond)
8. Ulrich Mühe, La Vida de los Otros
9. Ivana Baquero, El Laberinto del Fauno
10. Amy Adams, Encantada (Enchanted)

Para hacer un balance justo, también hay que mencionar lo más decepcionante. Los peores estrenos del año que tuve la mala suerte de ver fueron: Regresiones de un hombre muerto (inconsistente thriller psicológico con Adrien Brody y Keira Knightley), Ghost Rider (adaptación de un comic en el que Nicholas Cage confirma que su carrera está en caída libre) y 1408 (absurda, aburrida y predecible cinta que se supone es de terror).

Ojalá los distribuidores se animen a ampliar su oferta en 2008 y no tengamos que soportar otra vez que las secuelas de Spider Man, Shrek y Piratas del Caribe sean toda la cartelera. No están mal esos estrenos, pero un poco más de variedad sería la mejor motivación para no dejar de ir al cine cada semana.