22 dic. 2009

Premios por gremios: globos y más

Comenzó una de las épocas con más adrenalina para los cinéfilos: la temporada de premios en Hollywood. La semana pasada tuvimos el anuncio de nominados al Globo de Oro y los SAG Awards, mientras que los críticos de las principales ciudades de Estados Unidos también publicaron sus listas de ganadores.

Los Globos


La Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood es la encargada de entregar los Golden Globes a las mejores producciones de cine y televisión. Este año, la película más nominada ha sido Up in the air, dirigida por Jason Reitman (Gracias por fumar, Juno) y protagonizada por George Clooney, quien interpreta a un hombre encargado de viajar por todo el país despidiendo gente de su empresa. Parte como favorita con 6 nominaciones: película de drama, director, actor de drama (Clooney), actriz de reparto (tanto Anna Kendrick como Vera Farmiga) y guión.


Le sigue en número de nominaciones el musical Nine, mi película más esperada del año. Compite en los tres rubros principales de la división comedia/musical: mejor película, actor (Daniel Day-Lewis) y actriz (Marion Cotillard). Además, está nominada a mejor actriz secundaria (Penélope Cruz) y mejor canción original (la contagiosa “Cinema Italiano” interpretada por Kate Hudson).


Bastardos sin Gloria de Quentin Tarantino también ha logrado varias nominaciones: película de drama, director, guión y actor de reparto (Christoph Waltz). Es un hecho que esta película es el gran retorno de Tarantino a las ceremonias de premiación, después de que ganara el Oscar por el guión de Pulp Fiction hace 15 años.

El resto de nominados en todas las categorías aquí.

El Sindicato de Actores

Los actores conforman el mayor bloque de votantes del Oscar, por eso los premios del Sindicato de Actores (SAG Awards) son un claro indicador de lo que sucederá meses después en los premios de la Academia. Este año, las cinco películas que compiten por el premio a mejor elenco del año son:

Nine: Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Nicole Kidman, Kate Hudson, Judi Dench, Sophia Loren y Fergie.

Bastardos sin Gloria: Christoph Waltz, Mélanie Laurent, Brad Pitt, Diane Kruger, Michael Fassbender, Mike Myers, entre otros.

Precious: Based on the Novel Push by Sapphire: Mariah Carey, Lenny Kravitz, Mo'Nique, Gabourey 'Gabby' Sidibe, entre otros.

The Hurt Locker: Jeremy Renner, Christian Camargo, Evangeline Lilly, entre otros.

An Education: Carey Mulligan, Peter Sarsgaard, Alfred Molina, Emma Thompson, Dominic Cooper, entre otros.

El resto de nominados en todas las categorías aquí.

Los críticos

Las asociaciones de críticos de las principales ciudades de Estados Unidos también entregan sus premios al inicio de diciembre y, por lo general, eligen a los mismos ganadores, con lo cual marcan las tendencias de lo que se verá en el resto de la temporada de premios.


The Hurt Locker ha sido elegida la mejor película del año por los críticos de Chicago, San Francisco, New York, Los Angeles y Boston. Es una película de drama, acción y suspenso que narra el peligro al que se enfrenta un escuadrón del ejército de EEUU en Iraq. Los críticos de Washington votaron, en cambio, por Up in the air.

El voto para el mejor director ha sido unánime en todas las ciudades: Kathryn Bigelow por The Hurt Locker. Si su buena racha se mantiene, se convertiría en la primera mujer en la historia en ganar el Oscar a mejor director. Como dato curioso, Bigelow estuvo casada con James Cameron (Titanic) y este año compite en el Globo de Oro contra él, ya que él está nominado por Avatar.

El premio a mejor actor ha estado repartido entre varios intérpretes, lo que hace más interesante la competencia. George Clooney (Up in the air) fue elegido por los críticos de Washington y New York, Colin Firth (A Single Man) ganó en San Francisco, Jeff Bridges (Crazy Heart) triunfó en Los Angeles y Jeremy Renner (The Hurt Locker) fue el vencedor en Boston y Chicago.

El premio a mejor actriz también está peleado. Meryl Streep (Julie & Julia) es la favorita de los críticos de San Francisco, New York y Boston. Chicago y Washington votaron por la revelación británica Carey Mulligan (An Education), mientras que en Los Angeles se decidieron por la actriz belga Yolande Moreau (Seraphine).

Christoph Waltz, quien interpretó al despiadado Coronel Hans Landa en Bastardos sin Gloria comenzó a cosechar premios en mayo en el Festival de Cannes y ahora continúa siendo una fuerza imparable al llevarse prácticamente todos los galardones de mejor actor de reparto que han entregado los críticos. El Oscar es casi suyo.

La comediante Mo'Nique también ha sido una ganadora imbatible hasta ahora, llevándose todos los trofeos de mejor actriz de reparto de la crítica por su papel de madre abusiva en el drama independiente Precious.

El 2 de febrero conoceremos los nominados al Oscar y seguramente muchos de estos actores ya tienen su pase asegurado al Teatro Kodak para la ceremonia del 7 de marzo.

1 dic. 2009

2012: Número repetido

¿Cuántas veces hemos visto el mundo destruirse ante nuestros ojos por obra y gracia de desastres naturales o de ataques alienígenas? Han sido tantas que el legado de estas obras conforma el subgénero de las “películas de desastre”. La más reciente versión del fin del mundo se llama 2012 y arrastra consigo todos los clichés que hemos visto una y otra vez en cintas similares.

Los mayas predijeron que el 21 de diciembre de 2012 sería el final de una era y la tierra sufriría importantes modificaciones. La película lleva esta predicción a extremos fatalistas para mostrarnos una destrucción total del planeta, producida por terremotos e inundaciones.

Por supuesto, tienen que haber los estereotipos de rigor como el padre de familia común y corriente que se convierte en héroe… mejor dicho, en mesías. Y además, mientras salva al mundo, nuestro protagonista Jackson Curtis (John Cusack) se da tiempo para intentar reconciliarse con su familia, tal como hicieron los respectivos héroes de El día después de mañana y La guerra de los mundos.

Otro cliché bastante común en este tipo de películas es el presidente de Estados Unidos con vocación de mártir y profeta. En este caso, Danny Glover interpreta a un presidente negro (para estar a tono con los tiempos) que da conmovedores discursos de moral y de sacrificio mientras se inmola en nombre de su nación. Por supuesto, mientras los protagonistas estadounidenses son los hérores que salvan al mundo y son inmunes a la catástrofe, los personajes secundarios rusos son viciosos y antipáticos, y por tanto no tienen el mismo derecho a sobrevivir.

Al margen de los estereotipos y de un guión tan absurdo y predecible que termina siendo el mayor desastre de la película, vale la pena destacar los impactantes efectos visuales. La destrucción de la ciudad de Los Angeles, del Parque Yellowstone o la Capilla Sixtina, por citar sólo algunos ejemplos, conforman un gran espectáculo.

Por lo demás, quedan para el salón de la vergüenza escenas infames como la de John Cusack gritando desesperado “¡Donaaa!” cuando un donut gigante se interpone en su camino en la carretera. No sabemos si ese accidente estaba escrito en las predicciones de los mayas, pero de seguro en el año 2012 será divertido comprobar que el mundo sigue girando sin que los donuts nos caigan encima y que los guionistas de Hollywood siguen reciclando los clichés de estas cintas al mismo tiempo que los técnicos de efectos visuales ponen el ojo sobre nuevos monumentos apeteciblemente destructibles.

Título original: 2012
País y Año: Estados Unidos 2009
Director: Roland Emmerich
Actores: John Cusack, Amanda Peet, Chiwetel Ejiofor, Thandie Newton, Woody Harrelson, Danny Glover, entre otros.
Calificación: **

22 nov. 2009

El espectáculo de los sentidos

La cartelera ha estimulado nuestros sentidos en las últimas semanas con un buen sabor y un mejor sonido, gracias a un biopic de la chef Julia Child (Julie & Julia) y un documental que muestra los ensayos finales de Michael Jackson para lo que iba a ser su nueva gira (This is it).

El buen gusto

Julie & Julia son dos mujeres apasionadas por la gastronomía que vivieron en décadas diferentes y que son retratadas en esta película basada en las memorias de ambas. Julia Child (Meryl Streep) es la dinámica y detallista esposa de un diplomático estadounidense (Stanley Tucci) con quien se instala en París tiempo después de la Segunda Guerra Mundial. Cuando entra a estudiar en Le Cordon Bleu, es la única mujer de su clase y al principio sólo su esposo apoya su decisión de ser una respetada chef en un entorno sólo masculino. Sus apetecibles creaciones, inmortalizadas en recetas escritas con mucho gusto, son la base de un libro que la lanzaría a la fama y que más adelante la convertiría en una estrella de televisión.

Julie Powell (Amy Adams), por su parte, es una treintañera burócrata que en el año 2002 se da cuenta que está insatisfecha con su vida, a pesar de un feliz matrimonio, así que decide asumir el reto de cocinar diariamente 524 recetas del libro de cocina de Julia Child durante todo un año. Para que quede registrada su aventura, crea un blog en el que vuelca todos sus pensamientos relacionados con ese desafío, desde los temores que le generan ciertas recetas hasta la forma cómo esto afecta la relación con su esposo.

La mitad de la película correspondiente a Julia está mucho mejor cocinada que la de Julie, gracias a unos personajes secundarios más interesantes y a un mejor menú de emociones y sensaciones. Más aún, quien eleva el nivel de la película como ya es costumbre, es Meryl Streep con una nueva actuación magistral que se coloca entre sus mejores creaciones de esta década, junto a Clarissa Vaughan (Las Horas), Miranda Priestly (The Devil wears Prada) y la monja Aloysius (La Duda). Muchos analistas coinciden en que Streep definitivamente será nominada al Oscar y hasta podría ganarlo, sería el tercero de una prolífica carrera coronada con 15 nominaciones hasta la fecha.

Amy Adams, por su parte, tiene entre manos un personaje inocente y adorable, algo que se ha convertido en su especialidad, pero sería interesante verla romper ese molde y apostar por algo menos azucarado. Sus mejores escenas no necesariamente ocurren en la cocina ni en la plana relación con su esposo, sino en la creación de su blog y en las emociones que comparte con sus lectores. La imaginaria interacción final entre ambas protagonistas es quizás algo innecesaria, pero a pesar de ello se agradece la sutileza en una directora como Nora Ephron (Hechizada), que por lo general está más acostumbrada a los excesos y cursilerías.

Título original: Julie & Julia
País y Año: Estados Unidos 2009
Director: Nora Ephron
Actores: Meryl Streep, Amy Adams, Stanley Tucci, Chris Messina, Linda Emond, Helen Carey, entre otros.
Calificación: *** 1/2

El rey ha resucitado

This is it es un documento fílmico que nos acerca a Michael Jackson de una manera en que sus videoclips y entrevistas en medios no pudieron. Las cámaras nos muestran cómo el ídolo del pop se preparaba para volver a los escenarios con un espectáculo vistoso, enérgico y emocionante.

En los ensayos que componen este documental no vemos a ese ser de otro planeta, perdido en excentricidades y caprichos, que los medios se encargaron de moldear desde que saltó a la fama. Aquí aparece un hombre perfeccionista y en pleno dominio de su cuerpo y del espacio que lo rodea, cercano a sus colaboradores y decidido a crear un concierto memorable.

La película nos muestra cada canción que iba a ser parte del repertorio, alternando en la edición los ensayos sobre el escenario con los diversos preparativos de cada tema, ya sea la grabación de los videos en tercera dimensión o la práctica de sus clásicas coreografías, en las que este artista de 50 años baila mejor que sus bailarines de 20.

Quedan para el recuerdo imborrable sus interpretaciones de “Smooth Criminal”, “Beat it” y por supuesto “Thriller”, en las que Jackson iba a hacer delirar al público que lo esperaba ansioso en Londres. Como el pasado 25 de junio la muerte cortó esa posibilidad, todo el material audiovisual que quedó de esos preparativos sirve como un premio consuelo para todos sus fanáticos y como el testimonio vivo de un genio de la música pop, quien estaba listo para descargar su electricidad en cada canción.

Título original: This is it
País y Año: Estados Unidos 2009
Director: Kenny Ortega
Calificación: *** 1/2

18 oct. 2009

La venganza judía según Tarantino

Cuando ya creíamos haber visto todos los ángulos posibles sobre el conflicto entre nazis y judíos durante la Segunda Guerra Mundial, Quentin Tarantino nos sorprende nuevamente con su peculiar versión de los hechos, completamente ficticia y delirante, en Bastardos sin gloria (Inglourious Basterds).

Tarantino plantea un escenario en el que los judíos pelean en igualdad de condiciones frente a sus enemigos y elabora dos historias paralelas teñidas de sangre y revancha. Su imaginación nos traslada a la Francia ocupada por los nazis, donde un grupo de soldados americanos judíos conocidos como “los bastardos” tiene como misión asesinar brutalmente a los soldados alemanes y arrancarles el cuero cabelludo.

Por otro lado, en un rincón de París la joven judía Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) planea su venganza contra el alto mando del partido nazi, años después de que su familia fuera asesinada. Convertida ahora en dueña de un cine, tiene la oportunidad de acercase a su objetivo cuando un influyente soldado alemán se fija en ella (sin saber que es judía, por supuesto).

Ambas historias confluyen en un final explosivo (literalmente), que sin duda puede indignar a los puristas, pero que no vale la pena tomar demasiado en serio, porque finalmente se trata de una versión libre y disparatada de la Segunda Guerra Mundial, con todas las licencias que un director provocador como Tarantino suele tomarse.

El personaje más icónico de la cinta es el Coronel Hans Landa (Christoph Waltz). Conocido como el “cazador de judíos”, Landa es tan astuto como amenazante, tan implacable como histriónico. Waltz se luce en cada escena, cambiando sin problemas del inglés al francés y del alemán al italiano, así como muta de los diálogos sarcásticos a los actos más inescrupulosos para aplastar a sus enemigos. Esta brillante actuación le mereció el premio a mejor actor en el Festival de Cannes y ya parte como uno de los favoritos para conseguir una nominación al Oscar como mejor actor de reparto. Después de todo, si observamos a los dos últimos ganadores de esa categoría (Javier Bardem y Heath Ledger), lo favorece la tendencia de premiar a villanos desquiciados.

Por su parte, Shosanna es una heroína fascinante, que esconde un carácter aguerrido bajo su apariencia frágil y que usa su pasión por el cine como parte de su plan de venganza. Comandando al grupo de los “bastardos” está Aldo Raine (Brad Pitt), quien cumple con eficiencia su papel de antihéroe sanguinario, que no se resiste a dejar una huella en las víctimas que sobreviven a sus masacres. Menos convincente resulta la actuación de Eli Roth (director de la malísima Hostal), como el “Oso Judío”, un personaje que pudo ser más impactante en manos de un mejor actor.

Tarantino no se ha propuesto filmar la cinta definitiva sobre la Segunda Guerra Mundial, pero sí ha regresado en forma a lo que sabe hacer mejor: escribir diálogos mordaces, convertir situaciones aparentemente tranquilas y distendidas en festines de violencia descarnada y mezclar diferentes géneros en un cocktail cargado que se toma mejor de un solo tranco. Un cocktail con tantos ingredientes que necesita de una repetición para apreciar mejor los detalles y sentir la pasión con la que fue hecho.

Título original: Inglourious Basterds
País y Año: Estados Unidos 2009
Director: Quentin Tarantino
Actores: Brad Pitt, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Eli Roth, Michael Fassbender, Diane Kruger, Daniel Brühl, entre otros.
Calificación: ****

11 oct. 2009

Avance de temporada 2009/2010

Queda menos de tres meses para que acabe el año y aún quedan muchísimas películas por ver. Presento algunos adelantos de cinco cintas que no puedo esperar para ver, aunque la mayoría seguramente recién llegará a nuestra cartelera el próximo año.

Nine
Director: Rob Marshall (Trabajos anteriores: Chicago, Memorias de una geisha)
Actores: Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard, Nicole Kidman, Penélope Cruz, Judi Dench, Sophia Loren, Kate Hudson y Fergie.
Estreno en EEUU: 25 de diciembre
Sinopsis: Guido Contini (Day-Lewis) es un director de cine que, en medio de una crisis creativa, evalúa su relación con las principales mujeres de su vida: su esposa (Cotillard), su amante (Cruz), su musa (Kidman), su madre (Loren), su vestuarista (Dench), una prostituta que conoció en su juventud (Fergie) y una periodista americana (Hudson).
Por qué promete: El argumento está basado en la película 8 ½ de Federico Fellini, que luego tuvo una adaptación para el teatro musical. El director Rob Marshall ya demostró un gran dominio del género musical con Chicago (aunque decepcionó con Memorias de una geisha) y ahora tiene entre manos un reparto que reúne a leyendas vivientes como Day-Lewis, Loren y Dench con actrices que están en la cima de su carrera (Kidman, Cotillard y Cruz). Excluyendo a Fergie y a Kate Hudson, todos los demás actores han ganado el Oscar y ahora seguro más de uno volverá a tentar la estatuilla dorada. El tráiler augura un espectáculo grandioso y los primeros comentarios de los espectadores que han ido a los screening tests han sido muy entusiastas.




Los Abrazos Rotos
Director: Pedro Almodóvar (Trabajos anteriores: Todo sobre mi madre, Hable con ella, Volver)
Actores: Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez, Carmen Machi, Lola Dueñas, Rossy de Palma, entre otros.
Estreno en España: 18 de marzo
Sinopsis: Harry Caine (Homar) es un director de cine que perdió la vista y al amor de su vida en un accidente. Con ella vivió un trágico triángulo amoroso y hoy, 14 años después, ese recuerdo lo atormenta en la oscuridad.
Por qué promete: Almodóvar está entre los mejores autores del cine contemporáneo y aún cuando está menos inspirado, ofrece grandes historias. Esta cinta que parece homenajear al film noir o cine negro (que combina mujeres fatales, intrigas y suspenso) se estrenó en España con críticas divididas, aunque en el Festival de Cannes la respuesta fue más positiva. Al igual que hizo con La mala educación, aquí representa dentro del argumento la filmación de una película llamada Chicas y maletas, la cual tiene un evidente parecido al “look” ochentero de Mujeres al borde de un ataque de nervios. El trailer es seductor y misterioso.


Invictus
Director:
Clint Eastwood (Trabajos anteriores: Río Místico, Million Dollar Baby, Gran Torino)
Actores: Morgan Freeman, Matt Damon, Scott Eastwood, Robert Hobbs, entre otros.
Estreno en EEUU: 11 de diciembre
Sinopsis: La cinta muestra los esfuerzos de Nelson Mandela (Freeman) para que Sudáfrica fuera elegida como país anfitrión de la Copa Mundial de Rugby en 1995 durante su primer mandato como presidente y cómo utilizó este evento para unir a un país fragmentado tras la disolución del apartheid.
Por qué promete: Las películas de Eastwood vienen con sello de calidad, lo he dicho en más de una ocasión. En esta oportunidad, cuenta con dos atractivos irresistibles: un personaje admirable como Nelson Mandela y un actorazo como Morgan Freeman en el papel que podría volver a depararle nuevos reconocimientos.


Precious
Director: Lee Daniels (Trabajo anterior: Shadowboxer)
Actores: Gabourey 'Gabby' Sidibe, Mo'Nique, Paula Patton, Mariah Carey, Lenny Kravitz, entre otros.
Estreno en EEUU: 6 de noviembre
Sinopsis: “Precious” es una adolescente afroamericana, obesa, casi analfabeta y embarazada que ha sufrido numerosos abusos en su casa. Con la autoestima por los suelos, ella entra a una escuela alternativa en la que aprende a mirar la vida de forma distinta.
Por qué promete: Esta película independiente ha sido la gran sensación de los festivales de cine este año. En Sundance se llevó el gran premio del jurado y del público, así como un premio para Mo'Nique por su actuación como la monstruosa y abusiva madre de Precious. En Cannes y San Sebastián recibió el aplauso unánime de los críticos. En Toronto se llevó el premio a mejor película (entregado por el público), un reconocimiento que en años anteriores ha ido a parar a títulos como Slumdog Millionaire, Eastern Promises, Amélie y American Beauty. Muchos medios ya la vocean como una fija para recibir varias nominaciones al Oscar, incluyendo mejor película. Las críticas han sido buenas incluso para la cantante pop Mariah Carey, quien antes ganó un Razzie a la peor actriz por Glitter y ahora tiene la oportunidad de reivindicarse.


The Lovely Bones
Director: Peter Jackson (Trabajos anteriores: la trilogía de El señor de los anillos, King Kong)
Actores: Rachel Weisz, Mark Wahlberg, Susan Sarandon, Stanley Tucci, Saoirse Ronan, entre otros.
Estreno en EEUU: 11 de diciembre
Sinopsis: Una adolescente de 14 años (Ronan) ha sido asesinada por su vecino y cuenta desde el cielo cómo ocurrieron los hechos, mientras trata de que encuentren al asesino y observa cómo su familia afronta esa dolorosa pérdida.
Por qué promete: La cinta ofrece el original punto de vista de la misma muerta y nos muestra como sería la vida más allá de la muerte. El reparto es sumamente interesante, en especial gracias a la adolescente Saoirse Ronan (quien fue nominada al Oscar por Expiación) y a Stanley Tucci, quien en el papel del asesino podría ofrecernos una de sus mejores actuaciones. Además, el tráiler luce un estilo visual impresionante, algo que ya no sorprende en el imaginativo Peter Jackson.

6 oct. 2009

Las candidatas extranjeras en traje de gala

Como todos los años, la carrera por el Oscar a la mejor película en idioma extranjero comienza en esta época, cuando cada país inscribe una candidata, la que ellos consideran la mejor representante de su cinematografía o tal vez la que sospechan que será mejor recibida por la exigente Academia de Hollywood.

Como tenía que ser por lógica y justicia, Perú ha inscrito a La Teta Asustada de Claudia Llosa y por primera vez en nuestra historia, los peruanos tenemos la opción de soñar con una nominación. Su mejor carta de presentación es, sin duda, el Oso de Oro que ganó en el Festival de Berlín, además de otros galardones en festivales de cine latinoamericanos y unas excelentes críticas en medios especializados de Francia y España.


No sólo es difícil predecir si su estilo poético podrá conectar con los gustos de la Academia, sino que tiene competidoras de peso que seguramente montarán campañas publicitarias gigantescas, especialmente las cintas europeas.

Entre las candidatas de Europa, la más fuerte es la apuesta alemana, llamada La cinta blanca de Michael Haneke (director de La pianista y Escondido), la misma que ganó la Palma de Oro en Cannes y obtuvo la adoración unánime de la crítica. Ambientada en la víspera de la Primera Guerra Mundial, la cinta narra una serie de incidentes extraños en una zona rural y expone cómo el sistema educativo pudo influir en la formación del régimen nazi.

Francia ha inscrito el thriller carcelario Un profeta de Jacques Audiard, la cual se llevó el Gran Premio del Jurado en Cannes. El cine francés es uno de los favoritos en la categoría de mejor película extranjera, ha sido nominado 35 veces y se han llevado la estatuilla en 9 oportunidades.

España prefirió no votar por la última cinta de Pedro Almodóvar, Los Abrazos Rotos, sino por El Baile de la Victoria de Fernando Trueba, quien ya ganó el Oscar en esta categoría con Belle epoque (1994). La cinta está ambientada en la época en que Chile se liberó de la dictadura militar y narra la historia de dos ladrones recién excarcelados. Actúan Ricardo Darín y Ariadna Gil.

Ricardo Darín no sólo protagoniza la candidata española, sino también la de su país natal, Argentina. La cinta seleccionada ha sido El secreto de sus ojos de Juan José Campanella, cuya comedia El Hijo de la Novia fue candidata al Oscar en 2001 y también fue protagonizada por Darín. Este thriller cuenta la historia de un hombre que se acaba de jubilar y que escribe una novela sobre un caso que presenció hace 30 años cuando trabajó en un juzgado: el asesinato de una hermosa jovencita. Como dato curioso, también figura en el reparto el reconocido cómico argentino Guillermo Francella.

México ha inscrito este año El Traspatio de Carlos Carrera, el mismo director de la nominada al Oscar El Crimen del Padre Amaro (2002). La cinta es protagonizada por Ana de la Reguera y trata sobre el asesinato de mujeres en Ciudad Juárez.

Uruguay perdió la oportunidad de ser representado por la maravillosa película Gigante de Adrián Biniez (premiada en los festivales de Berlín y San Sebastián). Su candidata es Mal día para pescar de Álvaro Brechner y que pude ver en el Festival de Lima.

De las más de 60 películas que han sido inscritas hasta el momento, quedarán sólo 9 semifinalistas. Las cinco candidatas se darán a conocer el 2 de febrero, junto con la lista de nominadas en las demás categorías y el director de la cinta ganadora subirá a recoger su premio en la ceremonia del 7 de marzo.

30 sept. 2009

Engaños colaterales

Fabrizio Aguilar tuvo un interesante debut como director de cine con Paloma de papel, en la que un niño pobre de la sierra peruana era reclutado por el grupo terrorista Sendero Luminoso. En su segunda película, Tarata, vuelve a sumergirse en la época en la que el terrorismo desangró nuestro país, pero ésta vez opta por la perspectiva de una familia limeña.

En 1992 cuando el terrorismo ya había sembrado el caos en el interior del país, Lima recién sintió el impacto cuando comenzaron los atentados en la propia capital. El más emblemático, quizás, fue el de la calle Tarata en Miraflores. La película de Aguilar no pretende ser un documento histórico que exponga cómo se planeó el atentado ni profundiza en el retrato de las víctimas que fallecieron ahí.

Por el contrario, esta cinta utiliza como pretexto el atentado para mostrarnos la mirada de una familia de clase media respecto a la convulsionada época de los noventa en el Perú. Daniel (Miguel Iza) es un contador que trabaja en la universidad de San Marcos y que está obsesionado con descifrar los mensajes que dejan los terroristas en las paredes. Su esposa Claudia (Gisela Valcárcel) es un ama de casa frustrada que siempre soñó con poner su poner su peluquería y que se siente por encima de los demás. Completan el cuadro familiar Elías (Ricardo Ota), un niño que sabe explicar muy bien el funcionamiento de los coches-bomba y que tiene una lista de cosas por hacer en caso de un atentado y Sofi (Silvana Cañote), una adolescente inconforme y rebelde que pasa horas en el techo planeando cómo fugarse.

La cinta nos conecta rápidamente con esa época y recrea adecuadamente episodios como los cortes de electricidad y los juegos que los niños improvisaban durante los apagones, las aspas de cinta adhesiva que se colocaban en las ventanas y los toques de queda que servían de excusa para encerrarse en casa a armar grandes fiestas toda la noche.

Sin embargo, el argumento tiene algunos puntos flojos que desarman el interés inicial que genera la cinta. Por ejemplo, el personaje de Daniel representa un caso de ingenuidad crónica (¿o de inconsistencia argumental?). A él le parece inofensivo llevar a todas partes un cuaderno en el que apunta todos los símbolos de la ideología de Sendero Luminoso, supuestamente con el afán de interpretar estos mensajes. No hay que ser adivino para imaginar las consecuencias de su imprudencia.

No dudo que Fabrizio Aguilar ha tenido las mejores intenciones al filmar Tarata. Aplaudo su decisión de denunciar las detenciones y desapariciones de gente inocente durante esa época de paranoia, pero la exposición de estos hechos se da de manera tan superficial que no llega a convencer ni generar la suficiente tensión. De haber profundizado en esos temas, hubiera tenido un combustible dramático ideal para sacar a sus personajes del letargo.

Es evidente que Gisela Valcárcel no pasó el casting por sus dotes histriónicas, sino por la estrategia comercial de usar su popularidad como conductora de televisión. Si bien es cierto que no hace un completo papelón, sí se evidencia su falta de experiencia actoral cuando grita más de la cuenta. Un actor como Miguel Iza, que ha brillado en otros papeles, ahora es un títere que luce confundido todo el tiempo. Mucho mejor está la experimentada Liliana Trujillo, quien en el papel de la empleada Rosa logra transmitirnos su angustia y desesperación.

Tarata pudo ser una gran película. Paradójicamente, el retrato de esta familia indiferente a las tragedias del terrorismo termina dejándonos indiferentes hacia la apatía e ingenuidad de los personajes.

Título original: Tarata
País y Año: Perú, 2009
Director: Fabrizio Aguilar
Actores: Gisela Valcárcel, Miguel Iza, Liliana Trujillo, Lorena Caravedo, Ricardo Ota, Silvana Cañote.
Calificación: ** 1/2

29 ago. 2009

La fiesta de la pobre oferta II

Chile


La nana de Sebastián Silva fue, como decía en mi post anterior, la gran vencedora del festival tanto para el jurado oficial como para la crítica internacional. Raquel (Catalina Saavedra) ha trabajado como empleada doméstica para una familia de clase alta durante 23 años y aunque está cansada y sufre de mareos, no acepta que contraten a otra empleada porque siente amenazados sus dominios. Por ello, ahuyenta con maltratos psicológicos a las potenciales candidatas.

Catalina Saavedra logra una gran actuación, al dar vida a una mujer amargada, egoísta y hasta cruel que no se da cuenta de su profunda necesidad de crear lazos afectivos y aferrarse a ellos para liberarse de su armadura. Lejos de optar por la solemnidad, el director impone un tono relajado y divertido para filmar la rutina de la familia y los celos infantiles de Raquel frente a las otras empleadas. El humor negro se da la mano con la ternura para redondear una cinta bastante simpática, pero sin destacar demasiado más allá de su protagonista. Calificación: *** ½


Huacho de Alejandro Fernández Almendras también muestra la vida cotidiana de una familia chilena, pero de una zona pobre. Primero los conocemos cenando juntos hasta que les cortan la electricidad por falta de pago y luego acompañamos a cada miembro de la familia por separado en su rutina diaria.

El director trata de mostrar cómo cada uno de ellos se relaciona con el avasallador mundo moderno y cómo participan de la sociedad de consumo. El niño envidia el videojuego de moda que tiene su compañero de colegio, la madre tiene que devolver un vestido que había comprado recién porque no le alcanza el dinero, la abuela vende quesos artesanales en la carretera pero a los clientes les parecen caros. No todos los personajes tienen algo interesante que mostrar (en especial el abuelo), pero como experimento narrativo es una propuesta diferente. Calificación: ***

Uruguay


Gigante de Adrián Biniez fue una grata sorpresa que se convirtió sin problemas en la mejor película que vi durante el festival. Jara (Horacio Camandule) trabaja como guardia de seguridad en un supermercado, viendo la noche pasar delante de las cámaras de seguridad. Desde que ve a la torpe y distraída Julia (Leonor Svarcas) limpiando el establecimiento, nace un amor platónico que lo llevará a perseguirla a través de las cámaras e incluso en la calle, pero siempre escondiéndose de ella porque su timidez le impide hablarle siquiera.

Jara escucha a Metallica, es alto y gordo, pero a pesar de su apariencia de guardaespaldas duro es un tipo entrañable e inocente. La interpretación de Horacio Camandule es impecable y transmite las dosis justas de ternura, misterio y explosión cuando el guión lo requiere. A medio camino entre el thriller y la comedia romántica, Gigante es un triunfo de la creatividad y la sencillez bien trabajada. Calificación: ****


Mal día para pescar de Álvaro Brechner es otra digna representante uruguaya, el país que destacó más este año. El Príncipe Orsini (Gary Piquer) es el cínico y astuto mánager de Jacob van Oppen (Jouko Ahola), un indomable ex campeón mundial de lucha libre algo maltratado por los años. Juntos se pasean por pueblitos perdidos de Sudamérica organizando peleas con retadores locales.

El guión de la cinta (premiado por el jurado) está ensamblado por personajes bastante peculiares y absortos en una atmósfera de tragedia inevitable, entre los que destaca, además del dúo protagónico, Adriana, una inquietante y dominante mujer fatal que obliga a su novio a retar a Jacob en el ring para ganar el premio de la apuesta. El agridulce retrato de estos decadentes melancólicos cuenta además con un acabado visual de muy buen nivel. Calificación: *** ½

España (país invitado, fuera de competencia)


Ander es el nombre de un vasco cuarentón (interpretado por Joxean Bengoetxea) que trabaja en una fábrica y además se dedica a las labores agrarias del caserío donde vive con su madre y su hermana, hasta que sufre un accidente y se rompe la pierna. La familia contrata a José (Christian Esquivel), un inmigrante peruano para que los ayude con las tareas del campo, sin imaginar que le hará descubrir a Ander los sentimientos más ocultos y reprimidos.

La cinta dirigida por Roberto Castón venía con el prestigio de haber ganado un premio en el último festival de Berlín, pero lamentablemente nunca llega a alzar demasiado vuelo. La relación entre Ander y José es sosa y poco convincente, tanto que lo más interesante de la cinta está en los personajes secundarios. Destacan la desconfiada madre de Ander que se niega a aceptar la presencia de José en su casa (se pregunta “¿Y qué comen los peruanos”?) y la Reme, la prostituta de la comarca que fue abandonada por su esposo y que vive esperando su regreso. Calificación: ***


Camino es una niña de 11 años (Nerea Camacho) que sueña con participar en una obra de teatro junto con el chico que le gusta, pero dos grandes obstáculos se lo impiden: una madre sobreprotectora y el cáncer que empieza a devorarla sin misericordia.

El director Javier Fesser generó un enorme revuelo en España con esta película al incluir varios personajes ligados a la orden religiosa del Opus Dei y mostrar su costado más mezquino, vehemente y ultraconservador. De manera similar a lo que ocurre en El Laberinto del Fauno, Camino también muestra cómo la imaginación de una niña puede liberarla del tormento que la rodea para transportarla a un mundo paralelo. En esta narración simultánea salpicada de humor, dolor e impotencia, radica el gran valor de esta cinta, ganadora de 6 Goyas incluyendo mejor película. Calificación: ****

23 ago. 2009

La fiesta de la pobre oferta I

El Festival de Lima, XIII Encuentro Latinoamericano de Cine, tuvo entre sus principales aciertos rendirle homenaje a una actriz de la talla colosal de Isabelle Huppert (una leyenda viva del cine francés) y a un actor nacional tan entrañable como Carlos Gassols. También destacó la muestra española, de la cual pude ver un par de representantes.

Este año vi 9 películas de las 20 que formaban parte de la sección oficial de ficción y honestamente, ninguna me pareció superior a La Teta Asustada. Esta debió ser la ganadora del premio a la mejor película, pero ni el jurado oficial ni la crítica internacional coinciden conmigo pues decidieron premiar a la chilena La Nana. En términos generales, el nivel de la competencia ha estado por debajo de años anteriores; ha habido varias cintas buenas, pero sin llegar a destacar como obras maestras.

Argentina


Los Paranoicos de Gabriel Medina es una comedia que gira alrededor de Luciano Gauna (Daniel Hendler), un perdedor lleno de manías que anima fiestas infantiles y escribe un guión que no es capaz de terminar. Cuando su amigo Manuel llega de España para repetir el éxito de su programa “Los Paranoicos” en Argentina, Luciano entra en conflicto con todas las cosas que se muere por hacer pero no se atreve.

El film tiene momentos hilarantes y escenas de un gran poder expresivo (la pelea de box en Play Station, el baile frenético que acerca dos cuerpos que se necesitan), pero hacia el final abandona su espacio de frescura y opta por un desenlace ligeramente forzado o resuelto muy de prisa. En todo caso, el premio que le concedió el jurado a Hendler como mejor actor es un reconocimiento muy acertado, pues el uruguayo está magnífico en cada registro de pánico, euforia, apatía, frustración y deseo. Calificación: *** ½


El niño pez de Lucía Puenzo cuenta la tormentosa relación amorosa de la adolescente Lala (Inés Efron) y Aylín (Mariela Vitale o simplemente Emme), su empleada doméstica paraguaya. El complicado rompecabezas incluye la leyenda que da título al film, la espinosa relación de ambas con sus respectivos padres y un crimen que desencadena la confesión de secretos oscuros.

La directora Lucía Puenzo me sorprendió con su sofisticado e inquietante film anterior, XXY. Aquí opta por una narración más desordenada, que salta caprichosamente en el tiempo y que abarca muchos temas para agregar más dramatismo a una historia bastante intensa y por momentos absorbente. La fotografía es bellísima, en especial en las escenas del lago donde conocemos al esquivo niño pez, cuyo origen pudo ser mejor explicado y su presencia pudo aportar más a la trama. Calificación: *** ½

Brasil


Última Parada 174 de Bruno Barreto es un nuevo exponente (sí, otro más) de la violencia y miseria en las favelas de Brasil. Sandro (Michel Gomes) es un chico de la calle que quedó huérfano y que quiere ser cantante de rap, pero en su desesperación termina secuestrando a los pasajeros de un bus.

La película cuenta con grandes dosis de melodrama de telenovela, con una sufrida madre evangélica que busca a su hijo perdido y cree encontrarlo en otro muchacho del mismo nombre. Aunque la historia cuenta con anécdotas interesantes y tiene picos de gran suspenso, no llega a cuajar del todo por ciertos lugares comunes y por su total desperdicio de una escena tan prometedora como la del secuestro. ¿Seguirá Brasil exportando nuevos intentos de repetir la fórmula de Ciudad de Dios todos los años? Calificación: ***


La fiesta de la niña muerta
de Matheus Nachtergaele es una película difícil de ver, desmenuzar y digerir. En un remoto pueblito de la Amazonía brasileña, Santinho (Daniel de Oliveira) es casi un santo venerado por toda la comunidad, ya que supuestamente es el único que puede comunicarse con el espíritu de una niña que falleció de manera trágica y cada año se organiza una fiesta en su nombre.

La narración es caótica y muchas escenas parecen meros caprichos intrascendentes. Como quiere ser provocadora recurre a mostrar actos de incesto y de fanatismo religioso llevado al ridículo. El absurdo llega a su máxima expresión cuando un cura católico baila poseído y besa las escalinatas de la casa de Santinho bañadas con agua sucia. Al margen de la controversia, Santinho es un personaje deformado por excesos: todo el tiempo grita, convulsiona, delira y se exaspera. Una premisa tan interesante como la mirada a una secta religiosa es desaprovechada por culpa de los afanes pretenciosos del director. Calificación: **

En la próxima entrada: Chile, España y Uruguay.

16 ago. 2009

Dejarse llevar

Poppy es feliz. Así podría resumirse el argumento de La felicidad trae suerte (Happy-Go-Lucky), la última comedia del director británico Mike Leigh que ha venido a llenar de vitalidad y color nuestra cartelera gris.

Poppy (Sally Hawkins) derrocha optimismo y contagia buena onda. Pero no todos a su alrededor comparten su despreocupación y ganas de abrazar la vida con entusiasmo. Ella es un bicho raro que no se ha podido contaminar por la sociedad individualista, egoísta e indiferente a las necesidades del prójimo. Felizmente, tampoco tiene vocación de mártir, porque no sufre si alguien es hostil con ella. Por el contrario, trata de ganarse su simpatía y de invitarlo a que se relaje un poco.

Las mejores escenas de la película muestran los contrastes entre Poppy y Scott (Eddie Marsan), su profesor de manejo. Amargado, misógino y racista, Scott reniega de todo y pierde el control al chocarse con alguien que no comparte su visión cuadriculada del mundo. El choque entre el optimismo y el pesimismo es filmado con mucha ironía.

La frescura de Poppy también queda al descubierto cuando va al doctor por una molestia en la espalda y termina riéndose del dolor, cuando salta en el trampolín con una gran sonrisa, cuando deja que aflore su expresividad en las clases de flamenco o cuando deja caer su cuerpo al lado del chico que le atrae. En todas estas situaciones, Poppy se deja llevar sin miedo.

Sally Hawkins se ha consagrado con una actuación rica en detalles y autenticidad. Ganó una docena de premios por este papel, incluyendo el Oso de Oro en Berlín, el Globo de Oro a mejor actriz de comedia y el reconocimiento a mejor actriz del año de los críticos de Los Angeles y Nueva York. Fue una total injusticia que no la nominaran al Oscar, pero es comprensible que prefirieran a actrices mucho más conocidas y de películas con un tono más solemne.

Al margen de los premios, Hawkins le ha dado forma a un personaje inmensamente carismático y entrañable, comparable a Amélie por su búsqueda desinteresada de alegrarle la vida a los demás y por su felicidad contagiosa.

Título original: Happy-Go-Lucky
País y Año: Reino Unido 2008
Director: Mike Leigh
Actores: Sally Hawkins, Alexis Zegerman, Eddie Marsan, Karina Fernández, Samuel Roukin, entre otros.
Calificación: ****

8 jul. 2009

La casa de los globos voladores

Después de Ratatouille y Wall E, el estudio Pixar se puso la valla demasiado alta al alcanzar admirables picos de genialidad. Su última propuesta, Up, es otro triunfo (no mejor que las anteriores, pero con una calidad igual de excelente) que explora nuevos terrenos y narra una historia inmensamente conmovedora.

Al inicio de la cinta, conocemos a Carl, un tímido niño aventurero que encuentra en su camino a Ellie, una niña que lo invita a formar parte de su club de exploradores y con la que luego comparte toda su vida. El montaje en el que los vemos madurar y envejecer es sencillamente mágico: sin que pronuncien una palabra presenciamos los eventos decisivos de su vida, incluso los más tristes y emotivos.

Décadas después, cuando Carl está convertido en un anciano solitario y gruñón, decide emprender la aventura más grande de su vida atando miles de globos de helio a la chimenea de su casa para poder irse volando con ella hasta las exóticas Cataratas del Paraíso en Sudamérica. No sabe que Russell, un pequeño boy scout, será su involuntario compañero de viaje.

Uno de los grandes aciertos de las películas de Pixar es combinar la aventura con la comedia y con guiños de seriedad que parecen dirigidos a un público más adulto: aquí exponen el sentimiento de soledad de un niño que quiere pasar más tiempo con su padre, contrastado con la nostalgia de un anciano que quiere cumplir el mayor sueño de la mujer que amó desde niño.

Por eso la conmovedora escena en la que Carl descubre un mensaje de su esposa casi al final de la cinta tiene un poder de conmoción que, por lo menos a mí, logró desarmarme como ninguna otra cinta de animación había logrado.

Otro aspecto interesante es el personaje de Charles Muntz, que a primera impresión parecería cumplir el rol de villano, pero que yo considero más bien un antihéroe, un hombre que asombró al mundo con sus descubrimientos, pero que tuvo que autoexiliarse por culpa de la incredulidad e indiferencia ajena. Los años de soledad han deformado sus intenciones científicas y avinagrado su carácter.

Con la nueva regla de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, quienes han anunciado que a partir del próximo año habrá 10 nominadas al Oscar a mejor película en vez de 5, han aumentado exponencialmente las opciones de Pixar de tener por primera vez una cinta que postule al premio mayor. Sería un reconocimiento justo para un film que ya ha alcanzado otro logro importante: ha sido la primera cinta de animación en abrir el Festival de Cannes. Ojalá que Up siga elevándose y que los globos de helio que sujetan las mentes creativas de Pixar nos sigan dirigiendo hacia más aventuras.

Título original: Up
País y Año: Estados Unidos 2009
Directores: Pete Docter y Bob Peterson
Con las voces de: Edward Asner, Christopher Plummer, Jordan Nagai, Bob Peterson, Delroy Lindo, entre otros.
Calificación: ****

22 jun. 2009

Luciérnagas a media luz

Julia Roberts empezó a llamar la atención con Magnolias de Acero (1989) y terminó de consolidarse como una estrella gracias a Mujer Bonita (1990). Ambos papeles le valieron nominaciones al Oscar, pero la estatuilla recién llegó a sus manos gracias a Erin Brockovich (2000). A comienzos de la década hizo algunas películas interesantes como Ocean's Eleven y Closer pero luego desapareció un poco de escena para dedicarse a su faceta de madre. Ahora la tenemos de vuelta en la cartelera por partida doble con Luciérnagas en el jardín y Duplicidad.

Luciérnagas en el jardín (Fireflies in the garden) muestra a una familia disfuncional de esas que tanto ama el cine independiente. La historia es contada desde el punto de vista de Michael (Ryan Reynolds), quien regresa a casa después de años para celebrar la graduación de su madre Lisa (Julia Roberts). Paralelamente, vemos escenas de su adolescencia, marcada por los maltratos de su padre Charles (Willem Dafoe) y por la ambigua complicidad con su tía Jane, casi de su misma edad.

El regreso de Michael es terapéutico. No sólo tiene que enfrentarse con los recuerdos de su padre abusivo, sino con su esposa Kelly (Carrie Anne Moss), de quien se separó por sus problemas de alcoholismo. Además, llega con un libro autobiográfico en el que ha volcado todos sus demonios internos de la adolescencia, lo que amenaza con destapar oscuros secretos familiares.

La película tiene un gran potencial que lamentablemente nunca llega a explotar del todo. Tiene los conflictos servidos sobre la mesa como en un gran buffet, pero los más sencillos se acaban rápido y los más interesantes apenas se prueban y luego se abandonan. Por ejemplo, el vínculo tan fuerte entre Michael y su tía hubiera podido explicarse mejor, en vez de dejar supuestos y cabos sueltos.

De otro lado, el principal conflicto de la película, la relación entre Michael y su padre, se resuelve de manera tan abrupta, que no resulta verosímil ni coherente. Si no fuera porque cuenta con un gran reparto, la película podría pasar desapercibida como un telefilme o un estreno que llega directo al formato DVD.

Pero es justamente el reparto lo que más llama la atención. Ryan Reynolds no está mal, pero le falta madurar más como actor para cargar en sus hombros un film dramático. En el papel de la tía Jane, tanto Hayden Panettiere (de la serie Heroes) y Emily Watson (Punch-Drunk Love) la interpretan de modo tan distinto en su adolescencia y adultez, que cuesta creer que se trata del mismo personaje. Willem Dafoe intenta alejarse del papel tan caricaturesco que le ha tocado interpretar y Julia Roberts tiene un desempeño eficiente, pero si quiere volver a llamar la atención, necesita buscar mejores guiones.

Título original: Fireflies in the Garden
País y Año: Estados Unidos, 2008
Director: Dennis Lee
Actores: Ryan Reynolds, Willem Dafoe, Julia Roberts, Emily Watson, Hayden Panettiere, Carrie Anne Moss
Calificación: ** 1/2

27 may. 2009

Los hijos pródigos

Todos vuelven: Tom Hanks a investigar símbolos, Quentin Tarantino al celuloide sangriento y Mickey Rourke a los cuadriláteros.

CSI: Vatican City

Dos años después del gran éxito de taquilla de El Código Da Vinci, el director Ron Howard vuelve a adaptar para el cine otra novela de Dan Brown: Angeles y Demonios. El protagonista sigue siendo el profesor experto en símbología Robert Langdon (Tom Hanks), quien esta vez tiene que resolver el misterio de una secta conocida como los Illuminati, quienes han secuestrado a cuatro cardenales mientras se produce un cónclave en el Vaticano para elegir a un nuevo Papa.

Esta película resulta no sólo menos polémica que su antecesora (porque no remece los fundamentos de la Iglesia), sino mucho más entretenida, ligera e inofensiva. Si bien es cierto que recurre a viejos trucos del género como la bomba que siempre aparece a último minuto o el inesperado villano que parecía tan bueno, y que apela a situaciones absurdas y forzadas para conectar las pistas; hay que reconocer que el recorrido turístico por los archivos secretos del Vaticano y sus monumentales iglesias es un gran valor agregado. Además, aunque sea de manera superficial, revive el debate histórico entre ciencia y religión, enfrentando creencias radicales con aquellas mentalidades más abiertas al diálogo.

Título original: Angels & Demons
País y Año: Estados Unidos, 2009
Director: Ron Howard
Actores: Tom Hanks, Ewan McGregor, Ayelet Zurer, Stellan Skarsgård, Armin Mueller-Stahl, entre otros.
Calificación: ***

Un auto de segunda sin frenos

Mientras Quentin Tarantino acaba de presentar en el reciente Festival de Cannes su último film, Inglourious Basterds, aquí nos llega con dos años de retraso su proyecto anterior, A prueba de muerte (Death Proof). En esta cinta, conocemos a dos grupos de amigas en dos episodios distintos, unas se deslizan despreocupadas en los pisos resbalosos de la diversión nocturna, mientras que las otras destilan adrenalina al hacer arriesgadas maniobras en la carretera. Precisamente desde otro vehículo, un psicópata (Kurt Russell) va en busca de ambos grupos para satisfacer sus irreprimibles deseos de atemorizar mujeres.

Tarantino muestra sus habituales marcas registradas: tomas fetichistas de pies femeninos, escenas de una violencia salvaje y explícita, una banda sonora precisa y sensual, etc. La cinta comienza con un ritmo lento, pero una vez que pisa el acelerador, se dirige a toda prisa hacia un final abrupto que no conoce de frenos. Sin llegar a los niveles de genialidad de Pulp Fiction y Kill Bill, Death Proof es como un auto de segunda, pero que está muy bien conservado y equipado para todo terreno.

Título original: Death Proof
País y año: Estados Unidos, 2007
Director: Quentin Tarantino
Actores: Kurt Russell, Rose McGowan, Rosario Dawson, Zoe Bell, Vanessa Ferlito, Sydney Tamiia Poitier, entre otros.
Calificación: *** 1/2

Un último golpe antes de retirarse

La carrera de Mickey Rourke venía en caída libre desde los años 90, justo en la época en que empezó a boxear y su rostro se empezó a volver cada vez más irreconocible, primero por las heridas y luego por las cirugías. En 2005 logró cierta notoriedad con el personaje de Marv en Sin City, pero ha sido Randy “The Ram” Robinson en El Luchador (The Wrestler) el papel que lo ha hecho resucitar como actor, ganando un Globo de Oro y una nominación al Oscar. Rourke interpreta a un luchador que está en el ocaso de su carrera y que por problemas con el corazón, debe retirarse y resignarse a trabajar en un supermercado, mientras intenta recuperar el cariño de su hija (Evan Rachel Wood) y ganar el de una bailarina nudista (Marisa Tomei).

El director Darren Aronofsky ha evitado el estilo visual delirante e hiperactivo de sus cintas anteriores Réquiem por un Sueño y La Fuente de la Vida para narrar una historia más íntima y conmovedora. Aquí le permite a Mickey Rourke volverse inmortal con un personaje que no duda en cortarse la frente con una cuchilla para añadir más dramatismo a la pelea, pero que fuera del cuadrilátero es un hombre que se siente muy solo, que se aferra a sus épocas de gloria y que busca llenar sus inmensos vacíos de afecto. Independientemente de si nos gusta la lucha libre, Rourke logra que sintamos la necesidad de verlo triunfar una vez más sobre el ring y sobre el écran.

Título original: The Wrestler
País y Año: Estados Unidos 2008
Director: Darren Aronofsky
Actores: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Mark Margolis, Todd Barry, entre otros.
Calificación: ****

30 abr. 2009

El purgatorio en Brujas

Colin Farrell nunca me pareció un actor muy destacado. Su participación en cintas como Minority Report, Phone Boot y S.W.A.T le dio cierta fama que luego vino a decaer cuando protagonizó Alexander, un fracaso de grandes proporciones que le deparó una nominación al Razzie como peor actor. Cuando ganó este año el Globo de Oro al mejor actor de comedia o musical por Unas Vacaciones Diferentes (In Bruges), lo tomé con cierto escepticismo. Pero ahora, habiendo visto la película, debo reconocer que su actuación es de lejos la mejor de su carrera.

En esta cinta, Farrell interpreta a Ray, un asesino a sueldo bastante cínico, pero al mismo tiempo con muchos conflictos internos. Como uno de sus trabajos salió mal, su jefe (Ralph Fiennes) lo envía junto con su colega Ken (Brendan Gleeson) a esconderse a la ciudad de Brujas, en Bélgica, mientras esperan instrucciones.

Al principio Ray detesta la ciudad, mientras Ken está fascinado con su historia, arquitectura y obras de arte. Lo que más le llama la atención a Ken es la filmación de una película muy bizarra en la que participa un enano drogadicto y racista, y a través del cual conoce a Chloe (Clémence Poésy), una vendedora de drogas con la que surge una relación ¿amorosa?

Además de Farrell, su coprotagonista Brendan Gleeson también construye un personaje memorable como el asesino bonachón y culto. En un pequeño papel, Ralph Fiennes deja la solemnidad habitual de sus personajes para divertirse en la piel de un criminal grosero y amargado, pero fiel a sus principios.

Unas Vacaciones Diferentes (desafortunado título para una cinta que en el resto del continente se llamó Escondidos en Brujas) combina escenas de una violencia bastante gráfica con bromas políticamente incorrectas (geniales e inspiradas, dicho sea de paso) y de refilón, un debate moral sobre los conflictos y culpas que carga un asesino, cuando recuerda un caso en particular que le martilla la conciencia.

No es casual que mientras analizan una pintura, Ray y Ken empiecen a filosofar sobre el cielo, el infierno y el purgatorio. Para ellos, Brujas es una ciudad donde han venido involuntariamente a purgar sus pecados y pagar por las consecuencias de sus actos. El guión demuestra, con giros que aportan suspenso y mucha ironía, que las acciones más insignificantes pero salpicadas de malicia, luego regresan con un efecto destructivo.

Título original: In Bruges
País y Año: Reino Unido 2008
Director: Martin McDonagh
Actores: Colin Farrell, Brendan Gleeson, Ralph Fiennes, Clémence Poésy, Jérémie Renier, Jordan Prentice
Calificación: ****

23 mar. 2009

La pena enraizada

Madeinusa fue una doble revelación hace tres años: por un lado, la visión creativa y audacia de la directora Claudia Llosa y por el otro, la honestidad e intensidad de la actriz Magaly Solier. Ahora esta dupla vuelve con La Teta Asustada, cinta que continúa revitalizando el cine peruano y que lo coloca en un nuevo nivel de calidad.

Fausta (Solier) sufre de una rara enfermedad conocida como la “teta asustada”, la cual se hereda a través de la leche materna de mujeres que han sido violadas durante los años de la violencia terrorista. Por ese trauma de la madre, Fausta tiene un miedo terrible a la vida, una desolación que le impide relacionarse con otras personas más allá de su familia. Ante la muerte de su madre, Fausta buscará el dinero suficiente para viajar de Lima a su pueblo y darle sepultura allá.

El tono que Llosa escoge para narrar esta historia no está teñido de fatalismo ni de llanto descontrolado. Es cierto que la historia comienza con mucha tristeza y una confesión desgarradora de la madre, pero el camino de búsqueda y cicatrización de Fausta la va llevando hacia una liberación de su propia alma y de la prisión que ella ha instalado en su cuerpo.

La música se convierte en la catarsis de Fausta. Sus conmovedores y melancólicos cantos en quechua le sirven para distraerse del miedo y la convierten en la inesperada fuente de inspiración de Aída (Susi Sánchez), una pianista de clase alta que es la dueña de la casa donde Fausta trabaja como empleada y que le ofrece regalarle una perla de su collar por cada canción que entone.

Este no es el único trabajo de Fausta, quien también ayuda a sus tíos y primos en el negocio familiar de organizar matrimonios en un pueblo joven de Lima. Los preparativos para la boda de su prima Máxima (María del Pilar Guerrero) ofrecen gruesos pincelazos de humor negro sobre lienzos de colores chillones. La comedia de lo absurdo y los personajes extravagantes que conviven con entornos contrastados de vida y muerte, recuerdan a las mejores películas de Almodóvar, como Todo sobre mi madre.

La mayoría de actores de La Teta Asustada no tienen mucha experiencia ante cámaras, pero Llosa logra que ellos luzcan naturales y convincentes. Magaly Solier está estupenda en la construcción del personaje, desde el cuerpo y la mirada tensos por el miedo, hasta los diferentes códigos de comunicación que utiliza en la relación con sus tíos y demás familiares, con Aída y con el jardinero Noé (Efraín Solís).

La Teta Asustada logró dos reconocimientos muy importantes en el Festival de Berlín 2009: el Oso de Oro a la mejor película y el premio de la crítica internacional. Su recorrido por festivales recién ha empezado, así que podría seguir acaparando premios y hasta convertirse en la primera película peruana nominada al Oscar a mejor película extranjera. Méritos le sobran.

Al margen de los galardones, Claudia Llosa ha logrado una cinta rica en símbolos e imágenes poéticas, como la bella escena final, que representa el florecer de Fausta y su nueva visión ante la vida, libre del miedo y de las raíces que mantuvieron su alma escondida bajo la tierra.

Título original: La Teta Asustada
País y Año: Perú y España, 2009
Director: Claudia Llosa
Actores: Magaly Solier, Susi Sánchez, Efraín Solís, Marino Ballón, María del Pilar Guerrero, entre otros.
Calificación: **** 1/2

14 mar. 2009

¿Quién quiere ser un ganador imaginario?

Supongamos que estamos en un programa concurso y que la pregunta por el millón de nuevos soles es: ¿Por qué Quisiera ser millonario (Slumdog Millionaire) se alzó con 8 Oscars incluyendo el de mejor película?

A. Es la mejor película del año... ¡Qué digo del año, de la década! ¡Qué digo de la década, de todos los tiempos!
B. La India está de moda y su cultura resulta exótica y fascinante ante los ojos de Hollywood.
C. Aglutina con éxito diferentes géneros como el drama, comedia, romance y suspenso, y además está narrada en un ritmo frenético que la convierte en una montaña rusa de emociones.
D. Ante el contexto de crisis financiera mundial, es mejor huir de la depresión y reconocer una historia positiva de superación personal y triunfo en medio de la adversidad.

***

Jamal Malik (Dev Patel) está a sólo una pregunta de ganar el premio mayor en un programa de televisión del estilo de ¿Quién quiere ser millonario? Pero el conductor del espacio (Anil Kapoor) sospecha de la sorpresiva suerte del muchacho y lo manda a investigar. Mientras Jamal le explica a sus torturadores cómo supo contestar las difíciles preguntas, se nos muestra todo su pasado: desde su infancia en un barrio pobre de la India hasta su relación con dos personajes clave, su hermano Salim y Latika (Freida Pinto), su amor platónico.

El director británico Danny Boyle llamó la atención de los cinéfilos desde Trainspotting. Luego hizo otros filmes como La Playa y Exterminio (28 Days Later), que lo consolidaron como un director interesante. Pero el mayor éxito de su carrera lo ha conseguido con Quisiera ser Millionario, que le ha valido un Oscar, un Globo de Oro, un BAFTA y muchísimos premios más. La dirección de esta cinta tiene algunos méritos, pero tampoco termina de convencerme del todo.

La cinta es sumamente entretenida y logra conectar con la audiencia de inmediato. Jamal es un personaje con el cual es fácil encariñarse, por las desgracias que le ha tocado vivir y por la emoción que supone verlo sortear obstáculos y acercarse a un inminente punto de quiebre en su vida. La narración además permite que saltemos rápidamente hacia diferentes episodios de su vida y podamos reírnos con sus anécdotas y horrorizarnos con la crueldad de unos criminales que torturan niños para obligarlos a mendigar.

Sin embargo, la película se toma ciertas licencias para que el cuento de hadas se cumpla y fuerza algunas circunstancias para que repentinamente Jamal tenga tan buena suerte que en cada momento difícil de su vida estén las claves para ser el inesperado sabelotodo en un programa concurso. Y si se nos ocurre cuestionar el porqué de tantas casualidades juntas, la película nos recuerda que el destino de Jamal está escrito. ¿Pero en dónde? ¿En algún manual de autoayuda, tal vez?

***

Respuesta final: D. La crisis financiera ha golpeado a las diferentes industrias de Estados Unidos y el mundo, y Hollywood no podría ser la excepción. Por eso, entre tantas películas serias que nos recuerdan los conflictos del mundo real, premiar a una cinta como Quisiera ser millonario le hace sentir a la industria del entretenimiento que esta gran depresión es pasajera y que la fábrica de ilusiones debe seguir en marcha.

Título original: Slumdog Millionaire
País y Año: Inglaterra, 2008
Director: Danny Boyle
Actores: Dev Patel, Freida Pinto, Anil Kapoor, Madhur Mittal, Ayush Mahesh Khedekar, Tanay Chheda, entre otros.
Calificación: *** 1/2

28 feb. 2009

La noche de los perros millonarios

Se veía venir después de los 64 galardones que acumuló en la temporada de premios. Slumdog Millionaire (cuya traducción literal vendría a ser algo así como Perros callejeros millonarios y que aquí se ha estrenado como Quisiera ser Millonario) fue la gran triunfadora de la noche del Oscar, llevándose ocho estatuillas: mejor película, director, guión adaptado, fotografía, edición, partitura original, canción original (“Jai Ho”) y mezcla de sonido. La fábula moderna de un chico proveniente de los barrios más pobres de la India que participa en un programa concurso mientras busca a su amor de la infancia, es al mismo tiempo un espectáculo exótico con toques de comedia y suspenso. Es un entretenimiento de calidad, pero personalmente pienso que hubo mejores películas este año. En la foto, el director británico Danny Boyle y parte del reparto.


Penélope Cruz se ha convertido en la primera actriz española en ganar un Oscar, con lo cual iguala la hazaña de su novio, el actor Javier Bardem, quien también ganó la estatuilla dorada el año pasado gracias a Sin lugar para los débiles. Después de una primera nominación en el 2006 gracias a su brillante trabajo en Volver de Pedro Almodóvar, la Academia de Hollywood se ha rendido a sus pies gracias a su caracterización de la temperamental pintora María Elena en Vicky Cristina Barcelona de Woody Allen. Las otras nominadas a mejor actriz de reparto de este año, en especial Viola Davis y Amy Adams de Doubt, también estuvieron notables, pero no llegan a igualar los niveles volcánicos que tiene la presencia de Penélope en pantalla. Un triunfo muy merecido que aumenta mis expectativas por los nuevos proyectos de la actriz madrileña para el 2009: Los Abrazos Rotos de Almodóvar y Nine, el nuevo musical de Rob Marshall.

Cuando escribí la reseña de Batman: El Caballero de la Noche, mencioné los rumores que desde entonces señalaban a Heath Ledger como favorito para ganar el Oscar a mejor actor de reparto por su papel del desquiciado Guasón. Nunca antes la Academia había nominado a un actor por una película de superhéroes y por eso lo conseguido por Ledger es histórico y también es absolutamente justo. Más de un año después de su muerte, el mito que rodea al actor australiano se completa con este Oscar que premia una actuación fascinante de la que no se puede despegar los ojos de la pantalla. El premio póstumo fue recibido por sus padres y su hermana, pero la heredera será su pequeña hija Matilda, fruto de su relación con la actriz Michelle Williams.


Kate Winslet comenzó su discurso de agradecimiento por haber recibido el Oscar a la mejor actriz diciendo que mentiría si dijera que no había ensayado muchas veces estas palabras. Recién en su sexta nominación la Academia decidió premiarla y por un papel bastante polémico, el de Hanna Schmitz en The Reader, una mujer de treinta y tantos años que seduce a un chico de 15 y que luego es juzgada por crímenes cometidos durante el Holocausto. Winslet no tiene un personaje para nada simpático entre manos, pero sin que lleguemos a aceptar ciertos comportamientos por lo menos la humanidad que ella le confiere a Hanna hace que podamos comprenderla.


Sean Penn es uno de los actores más contestatarios y comprometidos del Hollywood actual. Siempre criticó a George W. Bush y se opuso ferozmente a la guerra de Irak. El director Gus Van Sant lo reclutó para meterse en la piel de Harvey Milk, el primer político abiertamente gay elegido para un puesto público en San Francisco y que se convirtió en el abanderado de la defensa de los derechos civiles de la población gay. Su actuación en Milk es una muestra de la lucha apasionada por los ideales y una caracterización marcada por la sensibilidad y el carisma. Penn recibió el segundo Oscar de su carrera de manos de cinco ganadores inolvidables de la estatuilla dorada: Ben Kingsley, Robert De Niro, Adrien Brody, Michael Douglas y Anthony Hopkins.

24 feb. 2009

El curioso paso del tiempo

"La vida sería mucho más feliz si naciéramos a la edad de 80 años y viviéramos tranquilamente hacia los 18", dijo alguna vez Mark Twain. Esta frase inspiró a F. Scott Fitzgerald para crear un relato corto sobre un hombre que envejece al revés y, a su vez, ese cuento inspiró la nueva película del genial director David Fincher: El Curioso Caso de Benjamin Button.

La narración, que abarca ocho décadas, comienza en la ciudad de New Orleans en 1918. El mismo día que la Primera Guerra Mundial llega a su fin, nace un bebé muy extraño: su piel está llena de arrugas y tiene todos los achaques propios de un hombre de 80 años. Como su madre muere al dar a luz, su padre lo abandona y Queenie (Taraji P. Henson), una sirvienta negra que trabaja en un asilo de ancianos, adopta al bebé y lo cría como si fuera su propio hijo.

Cada día que pasa, Benjamin (Brad Pitt) se va haciendo más joven y a pesar del amor de Queenie y de varios personajes entrañables que conoce en el asilo, su apariencia de niño-viejo genera el rechazo en muchas personas. Pero no de Daisy, una niña que viene ocasionalmente a la casa de reposo para acompañar a su abuela, y con quien Benjamin compartirá un romance imposible, muchos años después, cuando ella sea una mujer adulta (Cate Blanchett).

Muchos han comparado las similitudes que tiene esta película con Forrest Gump y justamente, ambos filmes comparten el mismo guionista, Eric Roth. A pesar de algunos puntos en común (la relación madre-hijo, los problemas de aceptación de alguien distinto a los demás, las travesías y aprendizajes del protagonista, el excéntrico capitán del barco, etc.), El Curioso Caso de Benjamin Button es un drama con elementos de fantasía y un universo narrativo propio, con fascinantes personajes secundarios.

A través de pequeños episodios que van ocurriendo en la vida de Benjamin y las reflexiones que él hace al respecto, la película nos plantea cuestiones como el inevitable paso del tiempo y todo lo que se lleva consigo, la presencia vital pero finalmente pasajera de la gente que transforma nuestra vida, las oportunidades perdidas que definen el curso de nuestro destino, etc.

Por otra parte, el acabado visual que Fincher le imprime a la cinta es espectacular. El nivel de detalle que hay en cada escena es sencillamente impresionante. Si tuviera que escoger tres escenas memorables, me quedaría con el episodio del relojero ciego que construye un gran reloj para la estación de tren, el baile que realiza Daisy bajo la luz de la luna y la descripción minuciosa que realiza Benjamin de un evento inesperado en París.

La película ha recibido nada menos que 13 nominaciones al Oscar de este año, incluyendo mejor película y mejor director. De los actores, han sido nominados Brad Pitt y Taraji P. Henson, como la amorosa madre de Benjamin. Cate Blanchett, quien no fue nominada, también está excelente y luce bastante natural, a diferencia de los biopics que ha hecho últimamente. Además de ellos, las verdaderas estrellas del film son los artistas encargados del maquillaje y efectos visuales, quienes han hecho un trabajo asombroso al recrear el rejuvenecimiento de Pitt, quien llega a verse más joven que en las épocas de Thelma & Louise.

La sobrecogedora imagen final del viejo reloj en el depósito resume a la perfección el sentido del film: todo lo que se acumuló con el tiempo (las experiencias, los sentimientos, la juventud, la belleza) se termina diluyendo en el mar de los recuerdos.

Título original: The Curious Case of Benjamin Button
País y Año: Estados Unidos, 2008
Director: David Fincher
Actores: Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Tilda Swinton, Julia Ormond, Elias Koteas
Calificación: **** 1/2

21 ene. 2009

Misterios sin disolver

Will Smith y Angelina Jolie son los reyes de la taquilla mundial y por ende, los actores mejores pagados de Hollywood. Según The Hollywood Reporter, Smith recibe 25 millones de dólares por película y Jolie cobra entre 15 y 20 millones.

Ambos buscan balancear las películas comerciales de grandes presupuestos (el año pasado él hizo Hancock; ella filmó Wanted y prestó su voz para Kung Fu Panda) con dramas que los posicionen como actores “serios”. Justamente ahora tenemos en cartelera dos dramas con fuertes dosis de misterio y tragedia protagonizados por estos dos monstruos de la taquilla.

En busca de la santidad

Will Smith se vuelve a poner bajo las órdenes del director italiano Gabriele Muccino en Siete Almas (Seven Pounds), después de su colaboración en En Busca de la Felicidad, película por la cual lo nominaron al Oscar a mejor actor. Aquí interpreta a Ben Thomas, un hombre agobiado por sus remordimientos que se acerca a perfectos desconocidos con el pretexto inicial de que viene a corroborar si están pagando sus impuestos y va entablando con ellos una extraña relación que le permita identificar si ellos son las personas indicadas para recibir su ayuda.

¿Qué tipo de ayuda quiere darles? ¿Por qué escogió a estas personas? ¿De qué errores del pasado se arrepiente Ben? Todas estas preguntas flotan en el aire por más de hora y media de película, mientras los espectadores vamos tratando de encontrar algún atisbo de lógica o una explicación para los actos incomprensibles de Ben. Hasta que finalmente el rompecabezas de tragedias personales se arma ante nuestros ojos soltando sollozos y lágrimas.

Will Smith por lo general construye personajes carismáticos o que, por lo menos, nos ofrecen algo cotidiano con lo cual identificarnos, pero aquí su personaje es tan hermético y deprimente que nos cuesta conmovernos con la tragedia revelada en el final, aunque las escenas románticas que tiene con Emily (Rosario Dawson) aumentan ligeramente el interés de esta cinta que por lo demás, tiene una estructura narrativa deliberadamente caótica y desordenada.

Tampoco ayuda que Ben Thomas sea representado como una persona tan sacrificada y desprendida que uno se pregunta si no estamos viendo la biografía de un santo. A esto hay que sumarle una lamentable escena final que pretende causar conmoción a costa del llanto incontrolable de Emily, una chica que sufre de una enfermedad al corazón, pero que también es víctima de un guión manipulador.

Título original: Seven pounds
País y año: Estados Unidos 2008
Director: Gabriele Muccino
Actores: Will Smith, Rosario Dawson, Woody Harrelson, Barry Pepper, Michael Ealy, entre otros
Calificación: **


Frutos de la corrupción

Clint Eastwood continúa regalándonos buen cine. El Sustituto (Changeling) es un film basado en la verdadera historia de Christine Collins (Angelina Jolie), una mujer que en la década de 1920 sufrió la desaparición de su único hijo y que se enfrentó a la policía de Los Angeles cuando ellos le devolvieron un niño que no era el suyo.

Lo que comienza como un caso policial luego va incorporando reveladores datos sobre un corrupto sistema de poder con tantos tentáculos que es imposible escapar a él. A mitad de la película, en paralelo con la búsqueda de Christine por conocer la verdad, aparece en escena un escalofriante asesino en serie (Jason Butler Harner) que cambia el tono de la historia hacia el terror y el suspenso.

Eastwood es un excelente director de actores y logra exprimirlos de tal forma que desaparecen por completo en sus personajes. Lo logró con Sean Penn y Tim Robbins en Río Místico, con Hilary Sawnk y Morgan Freeman en Million Dollar Baby y en El Sustituto le devuelve a Angelina Jolie la credibilidad como actriz. Su desesperación, angustia y dolor son palpables, su fuerza es inquebrantable a pesar de lo ultrajes que recibe. Jolie logra una actuación notable en términos generales, a pesar de mínimos excesos cuando grita y patalea.

El resto del reparto también está formidable, en especial John Malkovich, como el Reverendo Gustav Briegleb y Amy Ryan, como la prostituta Carol Dexter, quienes se convierten en aliados de Christine. Sin llegar al nivel de otras obras maestras de Eastwood, El Sustituto de todas maneras es un nuevo triunfo en su filmografía y una confirmación de que a sus 78 años, sigue vigente como ícono de la historia del cine.

Título original: Changeling
País y Año: Estados Unidos, 2008
Director: Clint Eastwood
Actores: Angelina Jolie, John Malkovich, Jeffrey Donovan, Jason Butler Harner, Amy Ryan, entre otros.
Calificación: ****

9 ene. 2009

Balance de 2008: El año del petróleo

A pesar de que en el año que acaba de terminar los multicines continuaron saturados por las mismas superproducciones de Hollywood en todas las salas, algunos de esos tanques trajeron entretenimiento de calidad y también hubo algunos descubrimientos interesantes en el cine independiente y el que llega de otros rincones del mundo. Muchas de las películas nominadas al Oscar del año pasado llegaron entre enero y febrero, pero otras todavía siguen sin estrenarse (como The Diving Bell and the Butterfly, The Savages, Into the Wild, I´m not There, por mencionar sólo algunas).

Mi top 10 de mejores estrenos del año está compuesto por algunas películas que fueron estrenadas en su país de origen en 2007 y otras en 2008. Por diversos motivos, estas películas se quedarán grabadas en mi memoria por un buen tiempo:

1. Petróleo Sangriento (There Will Be Blood). Paul Thomas Anderson dirige a Daniel Day-Lewis en un retrato fascinante sobre la codicia. Cuando la ambición y la falta de escrúpulos se chocan con la muralla del fanatismo religioso, las consecuencias sólo pueden ser catastróficas.


2. Expiación (Atonement). La mentira de una niña con afanes de escritora trastoca para siempre la relación de dos amantes en medio de la Segunda Guerra Mundial y nos desarma por completo con un final inesperadamente desolador.


3. Sin lugar para los débiles (No Country for Old Men). Los hermanos Joel e Ethan Coen orquestan una brutal pesadilla dominada por la violencia imparable de Anton Chigurh (un villano de antología) y sus efectos en la vida de dos hombres con valores morales opuestos.


4. Australia. Una cinta épica salpicada de humor, romance, acción, melodrama y conflicto bélico filmado con un estilo visual desbordante en sensualidad y con reminiscencias de la época dorada de Hollywood.


5. Leonera. El cine argentino continúa su buena racha con esta conmovedora historia de una mujer que tiene que lidiar con la maternidad en el entorno más contaminado posible: la cárcel.

6. El Barbero Demoniaco (Sweeney Todd). Tim Burton filma con su peculiar estilo este musical oscuro y trágico sobre un barbero que busca venganza. Con canciones agridulces y estilizados decorados góticos, Burton construye una atmósfera inolvidable.


7. Ceguera (Blindness). El brasileño Fernando Meirelles narra una epidemia de ceguera en la que los enfermos son confinados a campos de concentración donde algunos descienden a los niveles más bajos de la miseria humana y otros encuentran la manera de sobrevivir luchando en conjunto.


8. Batman: El Caballero de la Noche (The Dark Knight). El mayor acontecimiento cinematográfico del año, que estuvo cerca de destronar a Titanic como la película más taquillera de todos los tiempos, es un brillante estudio del mal más irracional y de la desesperanza en un mundo sin reglas.

9. Wall E. Lo más reciente de Disney/Pixar es una cinta de animación, ciencia ficción y amor platónico entre robots, que rinde homenaje tanto al cine de Charles Chaplin como a los musicales clásicos y al mismo tiempo lanza agudas críticas a los vicios de la egocéntrica sociedad de consumo.

10. Promesas peligrosas (Eastern Promises). El canadiense David Cronenberg nos introduce en los laberintos de la mafia rusa, en sus códigos expresados a través de tatuajes y otras marcas imposibles de borrar.

Si bien es cierto que el drama es el género mayoritario en este listado, quisiera mencionar lo más destacado en otros géneros. Las mejores comedias me parecieron Juno, Quémese después de leerse (Burn after reading) y Una guerra de película (Tropic Thunder). El cine de animación destacó, además de Wall E, con la nueva versión de El Extraño Mundo de Jack en 3D (The Nightmare Before Christmas). En los musicales, si bien Sweeney Todd fue oscuro y sangriento, Mamma Mia! fue el otro extremo: una inofensiva y despreocupada celebración de la música pop. Y en el género del terror, la española El Orfanato destacó con una historia aterradora.

Aunque no es lo único que hace memorable una película, hay actores que estremecen, emocionan, asustan, divierten y se ganan un lugar de honor entre los grandes. Las 10 actuaciones más sobresalientes del año que pasó fueron:

1. Daniel Day-Lewis, Petróleo Sangriento
2. Marion Cotillard, La Vie en Rose
3. Javier Bardem, Sin lugar para los débiles
4. Heath Ledger, Batman: El Caballero de la Noche
5. Julie Christie, Lejos de ella (Away from Her)
6. Viggo Mortensen, Promesas Peligrosas
7. Tilda Swinton, Michael Clayton
8. Martina Gusman, Leonera
9. Nicole Kidman, Australia
10. James McAvoy, Expiación

Cerrando el recuento, lo más lamentable que pude ver en cine fue En el punto de mira (Vantage Point), una mediocre recreación de un atentado al presidente de Estados Unidos desde ocho puntos de vista, todos los cuales están plagados de inconsistencias, clichés y absurdas confusiones de islámicos con latinos. A pesar de bodrios como éste, el 2008 fue un año en el que algunos buenos estrenos brotaron como petróleo en medio de una tierra que antes había estado muy árida.