20 dic. 2010

La sed social

“Antes vivíamos en granjas, luego en las ciudades. Ahora vamos a vivir en internet”, sentencia uno de los personajes de Red Social (The Social Network), la película que documenta la génesis del universo virtual conocido como Facebook.

La Universidad de Harvard es el escenario, sombrío y opresivo, donde el estudiante Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg) crea una poderosa red social. Lo que comienza como una excusa para registrar la experiencia social de los universitarios en internet, luego se transformaría en un fenómeno mundial.

La cinta mantiene varias ventanas abiertas al mismo tiempo. Alterna el ascenso de Zuckerberg con los dos juicios que le entablan, por un lado, Eduardo Saverin (Andrew Garfield) y, por el otro, los gemelos Winklevoss (interpretados ambos por Armie Hammer), quienes también reclaman ser creadores de Facebook, ya sea por la inversión de capital o por haberle dado forma al concepto original.

Mark Zuckerberg es presentado como un joven visionario, un genio creador. Pero al mismo tiempo es un ser egoísta, ingrato, convenido y obsesivo. Su misión es trascender a través de una obra que sea popular, sin importar los sacrificios o los daños colaterales.

El actor Jesse Eisenberg crea un retrato fascinante, cargado de irreverencia y marcado por el contraste entre las barreras que Mark levanta para alejarse de las personas y el imperio que construye para conectar al mundo... virtual.

Por su parte, Andrew Garfield también destaca como Eduardo Saverin, quien fuera el mejor amigo de Mark. En medio de tantos oportunistas dispuestos a huir con el botín, Eduardo tiene una amarga transición desde la ingenuidad y buena voluntad hacia la conciencia de saberse traicionado.

En estos momentos, Red Social se alza como la favorita a llevarse el Oscar a mejor película. Las principales asociaciones de críticos de los Estados Unidos (New York, Los Angeles, Washington, Boston, etc.) la han aclamado por unanimidad como el mejor film de 2010, llegando a compararla con El Ciudadano Kane y El Padrino. Los Globos de Oro también la han nominado en varias categorías, incluyendo película, director, actor (Eisenberg), actor de reparto (Garfield), guión y partitura.

¿Se merece Red Social tantos reconocimientos? En mi opinión, sí. El director David Fincher y el guionista Aaron Sorkin han creado un valioso testimonio que desnuda el estado de la sociedad actual: individualista, exhibicionista y sedienta de popularidad y reconocimiento. La vida transcurre hoy en internet, donde nos exponemos en enormes vitrinas mientras miramos las de los costados.

Título original: The Social Network
País y Año: Estados Unidos, 2010
Director: David Fincher
Actores: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Rooney Mara, Armie Hammer, Max Minghella, entre otros.
Calificación: **** 1/2

2 nov. 2010

Los últimos sobrevivientes

Imaginemos que la tierra ha sido arrasada por algún fenómeno natural de la magnitud de un cataclismo. Los pocos sobrevivientes se pelean por la escasa comida disponible y cuando ésta se acaba, tienen que recurrir al canibalismo.

Este es el devastador panorama que presenta El Último Camino (The Road). Un padre (Viggo Mortensen) y su hijo (Kodi Smit-McPhee) recorren a pie el país, dirigiéndose hacia la costa y esquivando peligros que los acechan desde los escombros y los rincones desolados de pueblos fantasmas. Para defenderse, sólo cuentan con una pistola y dos balas.

Este escenario post-apocalíptico recuerda a otras películas como Children of Men o I am Legend. Sin ser tan impactante como la primera ni tan decepcionante como la segunda, El Último Camino tiene méritos propios en su peculiar recreación de la resaca del fin del mundo.

Las situaciones extremas vistas en la película sirven para demostrar el comportamiento del ser humano cuando lo pierde casi todo. Para algunos, el instinto de supervivencia implica matar o morir, luchar por cada trozo de comida como si fuera la última cena del mundo. Para otros, ese mismo instinto permite aflorar el amor y la protección de los seres queridos.

El núcleo de la película está conformado por la sólida relación entre padre e hijo. El amor paternal es el escudo que los mantiene vivos. Por eso, cada acto heroico del padre para salvar a su hijo resulta conmovedor y emocionante. La genial actuación de Viggo Mortensen es un ejemplo de precisión y autenticidad.

Charlize Theron interpreta a la madre ausente y a través de flashbacks, conocemos algunos detalles de la relación con su esposo y su hijo. Lamentablemente, ese personaje tiene un pobre desarrollo y, lo que es peor, es abandonado a su suerte de manera intempestiva.

El guión de El Último Camino está basado en una novela de Cormac McCarthy, el mismo autor de No Country for Old Men, llevada al cine por los hermanos Coen. Si algo tienen en común ambas historias es que la violencia se presenta como un componente intrínseco de toda sociedad descompuesta. La diferencia es que en El Último Camino, se muestra el poder de sentimientos humanos tan fuertes que ningún cataclismo puede derrumbar.

Título original: The Road
País y Año: Estados Unidos, 2009
Director: John Hillcoat
Actores: Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Charlize Theron, Robert Duvall, Guy Pearce
Calificación: *** 1/2

17 oct. 2010

Avance de temporada 2010/2011

Estos son los cinco estrenos de fines de este año o comienzos del próximo que espero con mayor ansiedad y curiosidad.

The Social Network
Director:
David Fincher (Trabajos anteriores: Seven, Zodiac, The Curious Case of Benjamin Button)
Actores: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Rooney Mara, entre otros.
Estreno en EEUU: 1 de octubre
Sinopsis: En una noche del otoño de 2003, Mark Zuckerberg, genio de la Universidad de Harvard, empieza a trabajar en un nuevo concepto que más tarde se convierte en un fenómeno de masas conocido como Facebook. La película explora el origen de esta red social y cómo sus creadores pasaron de la amistad a los tribunales.
Por qué promete: En primer lugar, estamos ante un director especializado en enganchar al espectador con atmósferas de suspenso e incertidumbre. En segundo lugar, la crítica especializada en Estados Unidos la ha alabado por unanimidad como una de las mejores películas del año y tiene un puntaje de 95 sobre 100 en la web de Metacritic (que agrupa a todos los críticos de ese país), el más alto que haya obtenido cualquier cinta este año. Por último, presenciar la conflictiva creación de este monstruo mediático es un evento al que resultado imposible decir que no. A mí y a 500 millones de usuarios de Facebook nos gusta esto.



Rabbit Hole
Director: John Cameron Mitchell (Trabajos anteriores: Hedwig and the Angry Inch, Shortbus)
Actores:
Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Dianne Wiest, Sandra Oh, entre otros.
Estreno en EEUU: 17 de diciembre
Sinopsis: Becca (Kidman) y Howie (Eckhart) se enfrentan a la inesperada muerte de su pequeño hijo de 4 años en un accidente. Ante ese trastorno de su existencia, cada uno intenta superar el duelo de maneras distintas.
Por qué promete: John Cameron Mitchell es un director de culto en el circuito del cine “indie” gracias sobre todo a Hedwig and the Angry Inch, película por la cual fue nominado a mejor director y mejor actor en los Independent Spirit Awards. Rabbit Hole es la adaptación de una obra de teatro que recibió numerosas nominaciones al Tony y por la cual Cynthia Nixon (de la serie Sex and the city) ganó el trofeo a la mejor actriz. La película se estrenó recientemente en el Festival de Cine de Toronto y recibió estupendas críticas, especialmente para Nicole Kidman y Aaron Eckart, un actor que ya demostró su gran talento en filmes como Gracias por fumar y El caballero de la noche.



The King's Speech
Director:
Tom Hooper (Trabajos anteriores: The Damned United y la miniserie John Adams)
Actores: Colin Firth, Helena Bonham Carter, Geoffrey Rush, Guy Pearce, Michael Gambon, entre otros.
Estreno en EEUU: 26 de noviembre
Sinopsis: Cuenta la historia del hombre que se convirtió en el Rey George VI de Inglaterra (Firth). George, quien tartamudea y sufre ataques de pánico al hablar en público, consigue la ayuda de un terapista (Rush), quien le enseña a encontrar su voz justo cuando su país está por enfrentar la Segunda Guerra Mundial.
Por qué promete: Las películas sobre la realeza británica han tenido dignas representantes como The Queen y The Young Victoria, recién estrenada en Lima. En esta oportunidad, tenemos un ángulo peculiar: un rey que no sabe comunicarse bien debe conducir a su país a la guerra. El reparto está compuesto por actores brillantes como Colin Firth (de quien se especula que podría llevarse el Oscar por este papel), Geoffrey Rush (Shine, Shakepeare in Love, Letras prohibidas) y la siempre perturbadora Helena Bonham Carter (The Wings of the Dove, Big Fish, Sweeney Todd). The King's Speech ganó el premio del público en el Festival de Cine de Toronto, un indicador de que ésta será una de las principales atracciones de la temporada de premios que se avecina.



Black Swan
Director: Darren Aronoksky (Trabajos anteriores: Réquiem por un sueño, La fuente de la vida, El luchador)
Actores: Natalie Portman, Mila Kunis, Winona Ryder, Vincent Cassel, Barbara Hershey, entre otros.
Estreno en EEUU: 3 de diciembre
Sinopsis: Nina (Portman) es una bailarina del Ballet de New York que después de años de esfuerzo y sacrificio, es seleccionada para ser la nueva protagonista del clásico El lago de los cisnes. Sin embargo, otra bailarina (Kunis) intenta robarle protagonismo y al mismo tiempo intenta seducirla, por lo cual Nina empieza a perder el equilibrio.
Por qué promete: Este thriller psicológico abrió el reciente Festival de Venecia, donde causó furor entre los críticos. La protagonista Natalie Portman recibió las mejores críticas de su carrera y quienes nos dejamos seducir por ella en Closer, sabemos que su talento entra en ebullición cuando su fragilidad se ve amenazada. Esperemos que Black Swan tenga el poderoso impacto emocional de las mejores cintas de Aronofksy (Réquiem por un sueño y El luchador) y evite los excesos de su absurda cinta La fuente de la vida.



Amador
Director: Fernando León de Aranoa (Trabajos anteriores: Los lunes al sol, Princesas)
Actores: Celso Bugallo, Magaly Solier, Pietro Sibille, Sonia Almarcha, Fany de Castro, entre otros.
Estreno en España: 8 de octubre
Sinopsis: Marcela (Magaly Solier) es una inmigrante embarazada que consigue trabajo cuidando de un anciano enfermo, llamado Amador (Celso Bugallo). Ante un suceso repentino que la podría dejar sin trabajo, Marcela se enfrenta a un dilema moral.
Por qué promete: Fernando León de Aranoa es un celebrado cineasta español, del cual he podido ver la lograda cinta Princesas y un segmento dentro del documental Invisibles. Pero lo que más me llama la atención de Amador es el reparto, en el que los actores peruanos Magaly Solier (en su primer papel protagónico después de La Teta Asustada) y Pietro Sibille comparten escena con actores españoles como Celso Bugallo, quien ganó el Goya al mejor actor de reparto por su memorable actuación en Mar Adentro.

30 sept. 2010

Una mirada clásica

El cine argentino de la última década ha deslumbrado en cuanto festival y premiación se ha presentado, gracias a una nueva camada de talentosos directores, entre los que destacan Fabián Bielinsky (Nueve reinas, El Aura), Pablo Trapero (El bonaerense, Leonera), Lucía Puenzo (XXY, El niño pez), Lucrecia Martel (La ciénaga, La mujer sin cabeza) y otros.

Por otro lado, las dos únicas películas latinoamericanas que han recibido el Oscar a mejor película extranjera en toda la historia de la Academia son argentinas, un logro que ningún otro país de la región ha podido igualar. La primera fue La Historia Oficial (1985) y la segunda fue El Secreto de sus Ojos (2009), que por fin ha llegado a nuestra cartelera comercial.

El Secreto de sus Ojos se desplaza entre dos décadas distintas. Benjamín Espósito (Ricardo Darín) acaba de jubilarse y decide escribir una novela sobre un caso policial que presenció hace 25 años, cuando trabajaba en un juzgado y se involucró en la búsqueda de un criminal que violó y asesinó a una chica recién casada.

La cinta de Juan José Campanella utiliza con solvencia distintos géneros clásicos y aprovecha lo mejor de cada uno. Además del suspenso y el policial, está el romance interrumpido entre Benjamín y su jefa Irene (Soledad Villamil) y también hay algo de comedia, gracias al personaje de Pablo Sandoval (Guillermo Francella), el alcohólico y entrañable compañero de Benjamín.

El guión tiene una estructura clásica, potenciada por un (casi) perfecto engranaje de giros inesperados y obstáculos que alargan la ansiada búsqueda del criminal y la confesión de amor. El doble conflicto que vive el protagonista (en lo personal y lo profesional) está bien balanceado y complementado por líneas narrativas secundarias, como la del viudo obsesionado con que se haga justicia.

Campanella ya había dirigido antes a Ricardo Darín en El Hijo de la Novia, la exitosa comedia que también fue nominada al Oscar. En El Secreto de sus Ojos, el director y el actor se superan a sí mismos con respecto a su colaboración anterior, logrando una actuación memorable, con las dosis necesarias de intensidad y sutileza.

Soledad Villamil es toda una revelación como la mujer aparentemente inalcanzable, intuitiva y decidida. Guillermo Francella, por su parte, sorprende componiendo un personaje alejado de su registro habitual: es gracioso cuando debe serlo, pero también se luce en escenas de drama.

El Secreto de sus Ojos cuenta con un excelente acabado desde el punto de vista técnico: destacan la fotografía y la recreación de época. A pesar de sus innumerables logros y aciertos, considero que no debió llevarse el Oscar a mejor película extranjera. Es una cinta valiosa pero finalmente tradicional, a diferencia de otras nominadas como La Cinta Blanca o La Teta Asustada, que no cuentan con un diseño de producción tan pomposo, pero vibran gracias a la originalidad de su propuesta y la riqueza de su lenguaje cinematográfico.

Título original: El Secreto de sus Ojos
País y año: Argentina 2009
Director: Juan José Campanella
Actores: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago, Javier Godino, entre otros.
Calificación: ****

27 ago. 2010

Lady Papa

La Pontífice cuenta la leyenda de una mujer que llegó a ser Papa en el Siglo IX. Johanna (Johanna Wokalek) sufrió una infancia miserable, por culpa de su abusivo y misógino padre que creía firmemente que las mujeres no debían tener educación. Pero Johanna tenía una enorme sed de conocimiento y aprendizaje que la llevó a estudiar en la escuela de la catedral, siendo la única alumna entre varios hombres.

Su vida, marcada por aventuras y sacrificios, la llevó más adelante a disfrazarse de hombre para poder entrar al monasterio, donde aprendió a curar enfermedades. Su destino la condujo finalmente a Roma, donde se ganó la confianza del Papa Sergio (John Goodman).

Esta cinta procedente de Alemania (en coproducción con el Reino Unido, Italia y España) se plantea el reto de resumir la vida de esta mujer revolucionaria desde su nacimiento hasta el esperado momento en que llega a ser Papa. Y como en otras cintas que recorren la vida entera de un personaje, algunos pasajes resultan más apasionantes que otros.

Cada vez que Johanna manifiesta su espíritu inconforme con las reglas impuestas a las mujeres de su época y utiliza todos sus recursos para aprender y ayudar a los demás, resulta sencillo identificarnos con su lucha y comparar cómo en pleno Siglo XXI muchas minorías siguen siendo tratadas como ciudadanos de segunda categoría, sin igualdad de derechos.

La Pontífice tiene también una línea argumental que explora el romance imposible entre Johanna y el guerrero Gerold (David Wenham). Al igual que en las telenovelas clásicas, su felicidad se posterga durante décadas por culpa de los más increíbles obstáculos. Felizmente, ese romance cumple un rol secundario y no opaca el trayecto principal de Johanna.

Aunque se evidencia cierto maniqueísmo, es decir, los personajes “buenos” son nobles como santos y los “malos” son caricaturas de la crueldad, la cantidad de personajes que conoce Johanna en cada episodio va renovando el interés del espectador y genera más intriga por saber cómo avanzará la trama.

Estamos ante una leyenda que podría tener ciertos elementos verídicos o podría ser una simple ficción. Finalmente no importa si realmente existió esta supuesta pontífice, porque la película plantea el debate sobre si hoy estamos preparados para tener a una mujer ocupando el cargo más importante en la jerarquía de la Iglesia Católica.

Título original: Die Päpstin
País y año: Alemania, Reino Unido, Italia y España 2009
Director: Sönke Wortmann
Actores: Johanna Wokalek, David Wenham, John Goodman, Ian Glen, Edward Petherbridge, Anatole Taubman, entre otros.
Calificación: ***

23 ago. 2010

Mar de Sombras II

Ficción en Competencia – México


Alamar de Pedro González es la crónica de un viaje que realizan mar adentro Jorge, un joven de origen maya, y su pequeño hijo Natan, quien está a punto de irse a vivir a Italia con su madre. La cámara sigue las acciones cotidianas del padre y el niño en medio del mar, filmando cómo se mimetizan con la naturaleza y se sirven de ella para sobrevivir.

La narración poco convencional, desprovista de trucos y giros inesperados, nos invita a convertirnos en compañeros de viaje en una travesía paradisíaca que sirve de despedida a los dos protagonistas. El niño representa cómo el contraste entre dos culturas (la occidental de su madre italiana y la ancestral de su padre maya) puede permitir un mutuo enriquecimiento. La preciosa fotografía fue reconocida como la mejor de las películas en competencia. Calificación: *** ½.

Ficción en competencia – Colombia


El vuelco del cangrejo de Óscar Ruiz Navia es otra odisea marina, pero está en la orilla opuesta de Alamar. Daniel es un hombre silencioso que llega al pueblo costeño de La Barra y permanece estancado ahí hasta que consiga una lancha que le permita seguir su viaje.

Aquí también se evidencia un contraste de culturas, pero desde una perspectiva de choque entre los nativos de la zona y los hombres blancos que llegan a “traer” el progreso, materializado en hoteles y otros negocios. El mejor personaje de la cinta es una niña con mucha determinación, que se convierte en la mejor amiga del protagonista. Lo más flojo se encuentra en algunas escenas adormecidas de letargo que pueden lucir muy bien, pero que no aportan mucho a la historia. Calificación: ** ½.

Documentales en Competencia


Nostalgia de la luz de Patricio Guzmán es un documental chileno que nos lleva desde el desierto de Atacama hacia los confines del universo y de la memoria. Expone el metódico trabajo de los astrólogos que observan con sus telescopios los cuerpos celestes, mientras algunas mujeres buscan los cuerpos inertes de sus familiares desaparecidos y enterrados en el desierto durante la dictadura de Pinochet.

El cineasta se vale de imágenes poéticas para narrar recuerdos de su infancia que están relacionados con la historia y geografía de su país. Las entrevistas a los astrólogos son interesantes hasta cierto punto, pero se ven opacadas por los testimonios desgarradores de las personas que siguen buscando entre rocas y arena algún rastro de sus seres queridos después de varias décadas de incertidumbre. Recibió una mención especial del jurado oficial. Calificación: *** ½.


Los dos Escobar se sitúa en un momento crítico de la historia de Colombia, cuando Pablo Escobar, capo del narcotráfico, era una figura poderosa y sanguinaria. Aunque compartía el mismo apellido, Andrés Escobar era lo contrario a Pablo: era el heroico capitán de la selección colombiana de fútbol, que tuvo la mala suerte de anotar un autogol en el Mundial de Estados Unidos 94 y que fue asesinado al regresar a su país.

Este documental dirigido por Jeff y Michael Zimbalist presenta de manera clara y contundente las relaciones peligrosas entre el narcotráfico y el fútbol. Con grandes dosis de emoción, narra el ascenso y caída de su selección, que se convirtió en un motivo de orgullo nacional al brillar en las eliminatorias del mundial, hasta que el fantasma nefasto del narcotráfico manchó y desangró todo a su paso. Calificación: *** ½.

Presentaciones Especiales


Sólo un hombre (A Single Man) es la primera película dirigida por el conocido diseñador de modas Tom Ford. La película muestra un día en la vida de George (Colin Firth), un profesor universitario que durante la década de 1960 pierde a su pareja en un accidente y no puede soportar su ausencia.

A pesar del dolor y ansiedad que transpira esta historia, la belleza sobrecogedora se apodera de cada encuadre gracias a la fotografía, música y la magistral actuación de Colin Firth, quien ganó el trofeo al mejor actor en el Festival de Venecia y fue nominado al Oscar. Tom Ford ha tenido un auspicioso debut confeccionando esta obra de arte que emociona a partir de la sutileza. Calificación: **** ½.


El escritor fantasma (The Ghost Writer) es el más reciente film del polémico Roman Polanski. El Primer Ministro Británico (Pierce Brosnan) contrata a un escritor (Ewan McGregor) para que se encargue de escribir sus memorias. El encargo se torna cada vez más siniestro, a medida que aparecen turbias revelaciones que ponen en peligro la vida del escritor.

Lo más destacado del thriller es su creciente clima de tensión y de peligro inminente. Sin embargo, hacia el final se descarrila con hechos fortuitos y un desenlace abrupto, los que le restan credibilidad al producto final. Calificación: ***.

18 ago. 2010

Mar de Sombras I

Este año se sintió aroma de mujer en el Festival de Lima, XIV Encuentro Latinoamericano de Cine. El jurado estuvo conformado en su mayoría por destacadas cineastas como Claudia Llosa, Lucrecia Martel y María Novaro, así como la periodista y escritora Rosa Montero. Ellas eligieron como mejor película latinoamericana a la brasileña Hotel Atlántico, dirigida por Suzana Amaral y el segundo lugar (premio especial del jurado) también fue para una película dirigida por una mujer: Agua Fría de Mar, de Paz Fábrega (Costa Rica).

No pude ver ninguna de esas dos películas, pero sí vi otras 10 provenientes de las secciones de ficción, documental y presentaciones especiales. Coincidentemente, algunas películas estuvieron ambientadas en el espacio marítimo y las demás que se quedaron ancladas en tierra firme, igual nos ofrecieron un mar de historias y anécdotas dignas de contarse.

Ficción en Competencia - Perú

La presencia peruana este año fue especialmente destacada. Además de Paraíso, la cual estuvo en nuestra cartelera hace unos meses, tuvimos otras dos representantes que venían cargando bajo el brazo importantes premios conseguidos en festivales de cine en el extranjero.


Contracorriente de Javier Fuentes-León narra el dilema de un pescador (Cristian Mercado), quien tras ocultarle a su esposa embarazada (Tatiana Astengo) y al resto de su pueblo conservador, que vive un romance con un pintor (Manolo Cardona), se verá obligado a tomar una decisión drástica sobre su destino.

La narración comienza como un clásico triángulo amoroso, pero sorprendentemente vira hacia el realismo mágico, convirtiéndose en un cuento conmovedor y emocionante que trasciende los límites de este mundo. Destacan las actuaciones de los tres protagonistas, así como el retrato de la intolerancia y el miedo a la libertad del alma, las cuales muchas veces hacen naufragar una relación. Con toda justicia, recibió el premio del público a la mejor película en este festival, tal como ocurrió en los festivales de Sundance, Cartagena, Miami, Montreal, Chicago y un largo etcétera que sigue nadando contra la corriente. Calificación: ****.


Octubre de los hermanos Daniel y Diego Vega nos presenta a un peculiar personaje: Clemente (Bruno Odar), un prestamista avaro y apático, quien encuentra una bebé abandonada en su casa. Mientras busca a la madre de la niña, su vecina Sofía (Gabriela Velásquez), devota del Señor de los Milagros, se hace cargo de la niña e intenta ganarse el cariño de Clemente.

Esta ópera prima de los hermanos Vega ganó el Premio del Jurado en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, nada menos. Se trata de una cinta valiosa por la soberbia actuación de Odar (quien debió llevarse el trofeo a mejor actor) y por su visión sarcástica de varios elementos reconocibles de la “viveza criolla” que nos caracteriza como país. Sin embargo, el final abierto y algo confuso decepciona y desentona con el resto de la cinta. Calificación: ***.

Ficción en Competencia – Argentina


Carancho de Pablo Trapero está protagonizada por el conocido actor Ricardo Darín, quien interpreta a Sosa, un abogado que se aprovecha de las víctimas de los accidentes de tránsito y de las aseguradoras, a quienes intenta sacar mucho dinero. Una noche conoce a Luján (Martina Gusmán), una doctora que atiende las emergencias de esas mismas víctimas y que lucha contra una adicción.

El director Pablo Trapero arrasó hace dos años con todos los premios en el Festival de Lima gracias a la notable Leonera, también protagonizada por Gusmán, su esposa y musa. En Carancho, el resultado es muy bueno, pero no sobresaliente. De todos modos, se mantiene intacto su talento para filmar de manera cruda y directa los crímenes y abusos de poder, así como las manifestaciones más espontáneas de amor. Darín, quien se luce como ya es costumbre, fue homenajeado en la clausura del festival gracias a su brillante trayectoria artística. Calificación: *** ½.


Rompecabezas
de Natalia Smirnoff es una adorable comedia sobre un ama de casa abocada a atender a su familia. En su cumpleaños le regalan un rompecabezas y se vuelve adicta a armarlos en corto tiempo. Sin avisarle a nadie, se anima a participar en un torneo local que la puede llevar a competir a nivel mundial.

María Onetto, la protagonista, recibió el premio a la mejor actriz según el veredicto del jurado oficial, un merecido reconocimiento a una actuación armada meticulosamente a partir de pequeños gestos que muestran la evolución de esta mujer y la posibilidad de emanciparse de su condición de esclava de su propia familia. Otras piezas clave son la dirección y el guión de Smirnoff, quien ojalá se hubiera atrevido a armar un final más audaz. Calificación: *** ½.

En la próxima entrada: México y Colombia, así como los documentales y presentaciones especiales.

10 ago. 2010

Nos vemos en otra existencia

La cartelera comercial ha despertado de su letargo gracias a dos estrenos que son motivo de celebración. El Origen nos inserta en el mundo de los sueños y de las realidades paralelas que vivimos en ellos. Desde el otro lado del globo terráqueo, la cinta japonesa La felicidad de vivir nos presenta una curiosa manera de renacer en medio de cuerpos inertes.

El laberinto de los sueños

Christopher Nolan es un director y guionista británico que se ganó el prestigio de la industria gracias a trabajos como Amnesia (Memento) y El Caballero de la noche (The Dark Knight). En ambas cintas demostró una gran ambición y visión creativa, características que vuelven a aparecer en su nueva cinta, El Origen (Inception).

Esta superproducción de ciencia ficción es protagonizada por Leonardo DiCaprio, quien interpreta a Cobb, integrante de una banda criminal de alto vuelo que puede entrar en los sueños de otras personas para robar sus ideas. Cuando Cobb desea retirarse del negocio, lo tientan con un gran desafío: ingresar en la mente del heredero de un magnate para “sembrarle” la idea de destruir su imperio empresarial.

Dos líneas argumentales se ven marcadas por conflictos familiares. De un lado, Cobb es atormentado por la presencia de su esposa Mal (Marion Cotillard). De otro lado, el heredero Robert Fischer (Cillian Murphy) carga con la culpa de no cumplir las expectativas de su poderoso padre.

El Origen es un complejo laberinto en el que se van multiplicando las puertas falsas y rutas de escape hacia otros niveles narrativos, a medida que los personajes se introducen en un sueño que está dentro de otro sueño y así sucesivamente. Nolan llega a abusar un poco del recurso narrativo de las “cajas chinas” (una historia dentro de otra), quizás por esa insaciable ambición de la que hablaba al inicio.

Aunque esta experiencia puede resultar confusa, no deja de ser fascinante, envolvente y desafiante. Es una cinta de acción con un guión bien elaborado y que nos plantea interesantes dilemas filosóficos sobre elegir entre la cruda realidad y la tentadora evasión de la misma.

Título original: Inception
País y año: Estados Unidos, Reino Unido 2010
Director: Christopher Nolan
Actores: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Tom Hardy, Ken Watanabe, Marion Cotillard, Cillian Murphy, entre otros.
Calificación: ****

La necesidad de morir

Okuribito es una cinta japonesa que en inglés se llamó Departures y que aquí ha tenido el desafortunado título de La felicidad de vivir, el cual resulta patético porque desvía el foco de su gran potencial dramático hacia el sentimentalismo más empalagoso.

Daigo (Masahiro Motoki) toca el chelo en una orquesta, pero cuando ésta se disuelve decide regresar a su pueblo natal junto a su esposa. Ahí encuentra trabajo en una empresa que se dedica a preparar cadáveres para el funeral, desde la limpieza del cuerpo hasta el maquillaje y vestimenta.

La película aborda con mucho humor el proceso de asimilación de Daigo ante un trabajo que al inicio le produce rechazo, asco y miedo. Y no sólo a él, su esposa y otras personas de su entorno repudian sus actividades por considerarlas impuras.

Sin embargo, el arco dramático del protagonista muestra una evolución hacia la realización personal, al comprender que en ese rito fúnebre no sólo está limpiando un cuerpo sin vida, sino que está alistando a esta persona para la despedida final de sus seres queridos y su posible tránsito a otra etapa de su existencia.

Quizás se le puede reprochar un final ciertamente predecible, pero no es difícil entender por qué ganó el Oscar a mejor película en idioma extranjero del 2008. Es una película emotiva, con una notable actuación central y una magnífica banda sonora, que estremece a todos aquellos que hemos tenido que despedir a alguien muy querido, y que hemos vivido en esa ceremonia del adiós una mezcla de emociones que van desde el desconsuelo al recuerdo feliz, anclándose finalmente en un sereno “hasta luego”.

Título original: Okuribito
País y año: Japón 2008
Director: Yôjirô Takita
Actores: Masahiro Motoki, Tsutomu Yamazaki, Ryoko Hirosue, entre otros.
Calificación: ****

18 jul. 2010

Verde desteñido

Hace 9 años, el primer episodio de Shrek fue una fresca bocanada de aire fresco. A través de personajes poco convencionales, construyó una ingeniosa interpretación y parodia de los clásicos cuentos de hadas. Las subsiguientes secuelas se fueron reproduciendo cada 3 años hasta llegar a Shrek para siempre, supuestamente el último capítulo de la saga.

Esta vez el famoso ogro verde enfrenta la crisis de la media vida, se siente agobiado por la rutina y las obligaciones familiares. Después de una pelea con su esposa Fiona, aparece en escena el maquiavélico Rumpelstiltskin, quien le ofrece volver a ser un temible ogro por un día y escapar de la aburrida vida familiar.

Shrek acepta el trato, sin sospechar que queda atrapado en un universo paralelo en el que no es más que un desconocido para Fiona, a quien tiene que conquistar nuevamente y ayudar en la resistencia contra el dictador Rumpelstiltskin, el nuevo rey de Muy Muy Lejano.

Como ocurrió en las secuelas anteriores, Burro y el Gato con Botas se lucen con los diálogos más divertidos y salvan a la audiencia del aburrimiento. Ambos son como viejos comediantes que uno confía en que lo harán reír y aunque lo consiguen, antes lo hicieron con más éxito.

El problema de esta saga es el desgaste que ya se hizo evidente desde Shrek Tercero. El ingenio e irreverencia que caracterizaron a las dos primeras cintas de la serie ahora resultan más escasos. Sigue habiendo comedia y aventura, pero ahora Shrek se ha tornado más convencional y cercano a los cuentos de hada que parodiaba en sus inicios.

Es hora de decir adiós a esta franquicia animada, tal y como hemos hecho hace poco con Toy Story 3, una serie que supo hacer madurar a sus personajes con mayor creatividad y emoción. De todos modos, aunque Shrek no se despide en la cúspide de su carrera, se va exprimiendo los últimos resquicios de encanto que le quedan como antihéroe contestatario.

Título original: Shrek Forever After
País y año: Estados Unidos 2010
Director: Mike Mitchell
Actores: Mike Myers, Cameron Diaz, Eddie Murphy, Antonio Banderas, Julie Andrews, Walt Dohrn
Calificación: **1/2

30 jun. 2010

Muñecos bravos

Han pasado 15 años desde que Pixar estrenó Toy Story. Esta película, que contaba las aventuras de varios juguetes que cobraban vida cuando su dueño no los veía, representó una gran innovación tecnológica: era el surgimiento del cine de animación digital. En 1999, Toy Story 2 confirmó el enorme ingenio de los creativos de Pixar. Este año, los juguetes regresan para demostrar la madurez y evolución de este imbatible estudio de animación.

Toy Story 3 arranca cuando Andy, el dueño de los muñecos, está por irse a la universidad y su mamá lo empuja a tomar una decisión sobre el destino de sus juguetes: pueden ir a parar a la basura o al ático. Por una equivocación, la caja de juguetes termina siendo donada a la guardería Sunnyside.

Ahí, los clásicos personajes de la trilogía sienten que llegan a un paraíso, pero no tardan en darse cuenta que los niños de edad pre-escolar son pequeños monstruos que decapitan, golpean y bañan en saliva a los juguetes. Peor aún, un grupo de muñecos rebeldes, comandados por un oso de peluche dictatorial, han convertido la guardería en una prisión de la que es imposible escapar.

Los entrañables personajes que conocimos en las dos primeras cintas continúan con las baterías cargadas de humor negro, ternura y neurosis. Esta vez, además, tienen que batallar contra poderosos rivales, como la inutilidad, el olvido y la adaptación al cambio.

Entre los personajes nuevos, destaca un violento e inexpresivo bebé grande que se convierte en un inesperado villano de película de terror, un temible mono chillón que vigila las cámaras de seguridad y un histriónico puercoespín que sueña con ser actor de teatro. Pero ninguno de ellos genera tantas carcajadas como Ken, el eterno novio de Barbie, caracterizado como un egocéntrico metrosexual que tiene un interminable walk-in closet.

Toy Story 3 puede ser disfrutada a rabiar por gente de cualquier edad, pero definitivamente tiene un mayor valor emocional para la generación que creció viendo el inicio de esta saga. Nos conciernen más los temas que la película expone con gran pertinencia: el inevitable trance a la madurez y el apego a las cosas materiales que asociamos con la felicidad.

Es raro que una secuela iguale a sus antecesoras, pero el capítulo final de esta trilogía resulta ser el más triste y el más hilarante, el más perverso y el más emocionante. Toy Story 3 es la mejor entrega de esta serie y su fantástico desenlace funciona como una emotiva despedida, como un sentido adiós a algo que hemos querido tanto pero que ya es tiempo de ver partir.

Título original: Toy Story 3
País y año: Estados Unidos, 2010
Director: Lee Unkrich
Con las voces de: Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Ned Beatty, Michael Keaton, entre otros.
Calificación: **** 1/2

22 jun. 2010

El auténtico decadente

Cuando vi el año pasado el tráiler de Loco Corazón (Crazy Heart), no me entusiasmó demasiado, ya que parecía un argumento gastado y sospechosamente similar a El luchador (The Wrestler): un veterano cantante de música country está viviendo el ocaso de su carrera, pero encuentra el apoyo de una mujer menor que le devuelve la inspiración.

Después de ver Loco Corazón, sí encontré algunos puntos en común con El Luchador en la estructura narrativa, pero cada una tiene méritos propios que las hacen valiosas. De arranque, ambas cuentan con una volcánica actuación central. Tanto Jeff Bridges (Loco Corazón) como Mickey Rourke (El luchador) son dos actores de la vieja escuela que se lucen encarnando a perdedores en busca de redención.

Bridges se pone la guitarra al hombro para darle voz y alma a Bad Blake, a quien conocemos cantando en bares de mala muerte al lado de la carretera. Cada vez más lejos de sus años de fama, Bad es un alcohólico y mujeriego resignado a vivir su decadencia con clase.

Tres personajes decisivos ayudan a cambiar el rumbo errático de Bad: Jean (Maggie Gyleenhaal), una reportera que le pide una entrevista y termina alojándolo en su casa; Tommy (Colin Farrell), una estrella en ascenso de la música country; y Wayne (Robert Duvall), un viejo amigo con el que sale de pesca.

El romance entre Bad y Jean es vital para la evolución del personaje principal, pero resulta menos interesante que las escenas musicales, en las que Bad nos conmueve a través de canciones agridulces y una voz que destila tristeza.

Sin contar una historia demasiado original, Loco Corazón palpita con fuerza gracias a la fenomenal actuación de Jeff Bridges (ganador del Oscar a mejor actor con toda justicia) y a la excelente banda sonora. La música country nunca me había despertado mayor interés… hasta que esta película me hizo descubrir el costado más sutil y melancólico de ese género.

Título original: Crazy Heart
País y año: Estados Unidos, 2009
Director: Scott Cooper
Actores: Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal, Colin Farrell, Robert Duvall, Ryan Bingham, Jack Nation, entre otros.
Calificación: *** 1/2

4 jun. 2010

Los saltos persas

Basada en el clásico videojuego, El Príncipe de Persia: Las arenas del tiempo cuenta la historia del Príncipe Dastan (Jake Gyllenhaal), quien descubre una daga que tiene el poder de volver atrás el tiempo con sólo presionar un botón. Junto con Tamina (Gemma Arterton), la Princesa de Alamut, deben evitar que la daga caiga en manos del enemigo y se desate una tormenta de arena que destruya el mundo.

La acelerada película tiene abundantes escenas de acción, aventuras y saltos, muchos saltos. No sólo el protagonista prefiere desplazarse de un sitio a otro saltando por los techos o trepando paredes como el Hombre Araña, sino que además la narración tiene varios saltos en el tiempo, gracias a la mágica daga que puede retroceder al pasado y cambiar cualquier evento.

Este mecanismo, que resulta emocionante y hasta divertido en un inicio, va perdiendo la capacidad de asombro cuando, ante cada personaje que muere o queda en peligro, se presiona la daga y se borra todo como si se tratara de la función de “Deshacer” del teclado.

Jake Gyllenhaal es un actor que ha destacado en cintas independientes como Donnie Darko y Brokeback Mountain, pero aquí se le nota perdido en el rol de héroe de acción.

En papeles secundarios, encontramos a dos grandes actores: Ben Kingsley (Gandhi, La Lista de Schindler, La Isla Siniestra) en el papel de Nizam, el hermano del rey; y Alfred Molina (Frida, Spider Man 2, An Education), irreconocible como un convenido empresario informal que organiza carreras de avestruces.

Ambos actores elevan el nivel de esta cinta que por momentos más parece un videojuego que repite las mismas acciones y peleas, cambiando sólo de escenario y ponchando en cámara lenta cada salto para mayor lucimiento de los efectos visuales.

Título original: Prince of Persia: The Sands of Time
País y año: Estados Unidos, 2010
Director: Mike Newell
Actores: Jake Gyllenhaal, Gemma Arterton, Ben Kingsley, Alfred Molina, Richard Coyle, Ronald Pickup, entre otros.
Calificación: ** 1/2

29 may. 2010

Los amantes del círculo bipolar

En la década de los 90, Gwyneth Paltrow se convirtió en una de mis actrices favoritas. Lució su talento en cintas como Seven, Si yo hubiera (Sliding Doors), Shakespeare in Love (por la cual ganó el Oscar a mejor actriz) y The Talented Mr. Ripley. Este mes la hemos tenido por partida doble en la cartelera, gracias a Iron Man 2 y Los Amantes, y además sus cautivadores retratos formaron parte de la muestra Portraits del fotógrafo Mario Testino en el renovado Museo de Arte de Lima (MALI).

Los amantes (Two lovers) es el relato de un hombre inestable que se encuentra dividido entre dos mujeres diametralmente opuestas. Leonard (Joaquin Phoenix) tiene trastorno bipolar, un momento está eufórico y al siguiente, está deprimido. En circunstancias distintas, conoce primero a Sandra (Vinessa Shaw), la hija de un socio de su padre, quien se muestra muy interesada en iniciar una relación con él. Después, se topa con Michelle (Gwyneth Paltrow), una misteriosa vecina que le resulta inalcanzable pero que él igual quiere conquistar.

Leonard tiene una relación de dependencia con sus padres judíos, vive con ellos y sigue sus reglas. Sabe que a ellos les conviene su relación con Sandra, porque los padres de ambos están haciendo negocios juntos. Pero aunque la pasa bien con Sandra, ella no despierta en él la afiebrada obsesión que le causa Michelle.

A través de estos personajes desesperados por amar, la película desarrolla las distintas etapas que pueden darse en las relaciones de pareja: de la ilusión al desencanto, de la indiferencia a la dependencia absoluta, de la incertidumbre a la resignación.

Estas distintas posibilidades que marcan las relaciones de Leonard con las dos mujeres y de Michelle con su propio amante, dan lugar a situaciones que se sienten palpables y muy humanas. Sin embargo, el final tan apresurado y pragmático no está a altura de los logrados dos tercios anteriores.

Liderando el interesante reparto, destaca Joaquin Phoenix en la que podría ser su última actuación para el cine. Cuando se estrenó la cinta, este actor nacido en Puerto Rico anunció que se retiraba de la actuación para concentrarse en su carrera musical como rapero (¿¡!?). De hecho, su gran amigo Casey Affleck dirigió un documental que espera estrenar pronto: I'm Still Here: The Lost Year of Joaquin Phoenix.

Interpretando a la madre de Leonard, está la legendaria actriz italiana Isabella Rossellini. Tal vez Rossellini emana demasiado glamour para un personaje que pudo lucir más venido a menos (a tono con el esposo y la decoración de la casa), pero se agradece verla nuevamente en pantalla demostrando por qué sigue siendo una leyenda viviente.

Gwyneth Paltrow, por su parte, está magnífica como la mujer frágil, encantadora y convenida que brilla donde quiera que vaya. Está bastante mejor que en Iron Man 2 (su personaje no pasa de ser la novia del superhéroe que él debe rescatar de una situación riesgosa). Su presencia en Los Amantes es tan magnética como en los elegantes retratos de Testino y como en aquellas cintas de los 90.

Título original: Two Lovers
País y año: Estados Unidos, 2008
Director: James Gray
Actores: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw, Isabella Rossellini, Moni Moshonov, Elias Koteas, entre otros.
Calificación: *** 1/2

1 may. 2010

Un árbol crece en el desierto

Paraíso empezó a llamar la atención desde que se estrenó en el Festival de Venecia el año pasado. Luego recibió el premio al mejor guión en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva. Ahora que por fin ha llegado a la cartelera local, puedo reafirmar mi fe en el resurgimiento del cine peruano y en la aparición de nuevas voces que nos recuerdan lo que se esconde en otros rincones de nuestra realidad.

En los alrededores de Lima está Paraíso, un barrio de desplazados que huyeron del conflicto interno en Ayacucho. Un grupo de cinco amigos adolescentes, migrantes de segunda generación, se sienten atrapados en ese terreno árido y olvidado, así que idean diferentes rutas de escape.

Cada uno tiene sus propios sueños y frustraciones, pero en lo que están de acuerdo es que no quieren quedarse así para siempre. Joaquín (Joaquín Ventura) trabaja repartiendo volantes afuera de una pollería, disfrazado de pollo. Pero la llegada de un circo ambulante despierta en él una curiosidad por atreverse a ser algo diferente. Sus amigos tienen otros proyectos que implican una mejora en sus precarias realidades: terminar el colegio, conseguir una beca universitaria, tener un empleo fijo.

El director Héctor Gálvez (que antes estuvo a cargo del documental Lucanamarca) no nos muestra una edulcorada historia de superación personal ni de emprendedores que cambian sus destinos de la noche a la mañana. Trata a sus personajes como seres humanos reales y observando cómo se mueven en su asfixiante presente, con un pasado que no pueden sacarse fácilmente de la espalda y planeando un futuro que esperan sea mejor.

El conflicto armado que enfrentó a militares y grupos subversivos hace 20 años sigue siendo un tema recurrente en nuestra cinematografía. Al igual que en La Teta Asustada, en Paraíso se observa a los herederos de aquellos que sufrieron los horrores de la guerra interna y la forma en que cicatrizan sus heridas.

La relación entre los adolescentes y sus padres ofrece interesantes contrastes: mientras una madre le esconde a su hija un secreto sobre su padre, otra madre le habla en quechua a su hijo y él siempre le responde en español, como defendiendo su propio terreno.

Los actores no profesionales cumplen con transmitir la sensación de “chicos de barrio”, pero sin destacar demasiado. En todo caso, quien está mejor es Yiliana Chong, a quien antes ya habíamos visto en Madeinusa y que aquí se pone en la piel de Antuanet, la vehemente colegiala que quiere estudiar periodismo.

Paraíso, como decía al inicio, nos transporta a esos espacios de la periferia de nuestra gran capital, en los que la vida brota aunque le corten el paso. Una imagen muy particular de la cinta, que de hecho está retratada en el afiche, es la metáfora ideal de estos personajes: un árbol se mantiene en pie a pesar de que en esa zona desértica no hay agua, sus hojas siguen creciendo así nadie se acuerde de regarlas.

Título original: Paraíso
País y Año: Perú, 2009
Director: Héctor Gálvez
Actores: Joaquín Ventura, Yiliana Chong, José Luis García, Gabriela Tello, William Gómez, etc.
Calificación: *** 1/2

13 abr. 2010

Soledad compartida

Criatura de la noche sigue el encuentro de dos seres solitarios. Oskar es un niño de 12 años que no se halla en ninguna parte. En el colegio, no tiene amigos y por el contrario, es acosado por tres compañeros que siempre lo reciben con insultos, amenazas y golpes. Como sus padres están separados, vive solo con su mamá en un gran edificio al que se acaba de mudar una misteriosa chica que desde el inicio le advierte que no pueden ser amigos. Eli también tiene 12 años, pero ha tenido esa edad por lo menos durante 200 años.

Eli es una pequeña vampiresa que vive con un misterioso ayudante que aparenta ser su padre frente a los demás vecinos y que le provee de la sangre que necesita para sobrevivir. Una serie de asesinatos que ocurren tras la llegada de Eli y su ayudante despiertan el pánico en el vecindario y crean una opresiva atmósfera de peligro y suspenso.

Esta cinta sueca de bajo presupuesto no es la típica cinta frívola de vampiros y, por ende, se ubica en un extremo opuesto a la artificial Crepúsculo. Criatura de la noche clava sus dientes en el territorio de las emociones más hondas y las sensaciones más desoladoras: la soledad, la angustia y la necesidad de encajar en un mundo hostil.

Al margen de la temática de vampiros, la película se concentra en trazar la entrañable relación de amistad incondicional entre Oskar y Eli, quienes crean sus propios códigos y desafían los límites impuestos por sus propios temores.

Es notable la diferencia de encuadres para reforzar la relación de Oskar con Eli vs. la gente que lo rodea. Cuando está en el colegio, con sus padres o caminando solo por las calles, vemos a Oskar en planos generales que intensifican su soledad y falta de conexión. Cuando está con Eli, en cambio, se privilegian los planos más cerrados que marcan la intimidad y cercanía entre ambos personajes.

La película no juzga a Eli ni siquiera cuando tiene que matar para sobrevivir. Por el contrario, se compadece de ella y de su condición de marginal que ha aprendido a vivir sacrificándose. Este retrato de resignación contrasta con el de otro personaje secundario que recibe la mordida fatal, pero es incapaz de vivir por el resto de su vida escondiéndose en las sombras y esperando ansiosa el cuello de su siguiente víctima.

Criatura de la noche fue la sensación en muchos festivales y premiaciones europeas hace un par de años y su merecida condición de película de culto le ha valido el dudoso honor de inspirar un remake en Hollywood, por estrenarse a fines de este año. Me temo que la versión gringa será más sensacionalista y sangrienta, alejándose de la sutileza de la original. El mejor cine de terror nos invita a imaginarnos lo que pasa fuera del encuadre y lejos de nuestra vista, como ocurre en este caso, en escenas magníficas como la del ataque en la piscina.

Título original: Låt den rätte komma in
País y año: Suecia 2008
Director: Tomas Alfredson
Actores: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Peter Carlberg, Ika Nord, entre otros.
Calificación: ****

13 mar. 2010

Las pasiones de Pedro

Este blog se inició con la crítica de Volver, la última obra maestra de Almodóvar y la única película que ha merecido la máxima calificación (5 estrellas) en la corta historia de Las Horas Rojas. Su nueva película se titula Los Abrazos Rotos y aunque llega con bastante retraso a nuestra cartelera (su estreno en España fue hace un año), es un acontecimiento porque nos permite celebrar una vez más el talento y la creatividad del director manchego.

Los Abrazos Rotos gira alrededor de varios ejes narrativos. En un nivel destaca la pasión de dos amantes que se conocen en la filmación de una película. El director Mateo Blanco (Lluís Homar) vive un romance secreto con la actriz protagónica Lena (Penélope Cruz), quien a su vez es la amante “oficial” del productor y poderoso empresario Ernesto Martel (José Luis Gómez).

Ese triángulo está marcado por los celos, las intrigas, la obsesión y la tragedia, la cual nos conduce a otro nivel de la narración. Catorce años después de un accidente en el que perdió la vista, Mateo Blanco responde a la identidad de Harry Caine (léase hurricane = huracán) y con la ayuda de su directora de producción Judith (Blanca Portillo), sigue escribiendo guiones y recordando desde la oscuridad el pasado luminoso en que filmó su última película.

Esa cinta, que dejó filmada pero no editada, se llama Chicas y maletas y es un claro homenaje a Mujeres al borde de un ataque de nervios, la notable comedia que estrenó Almodóvar en 1988. Aquí reaparecen elementos reconocibles de ese clásico, como el gazpacho, la cama incendiada y la dominación de colores cálidos como el rojo, naranja y amarillo. Todo un regalo para los fans que conocemos su filmografía como si fuera nuestra vida misma.

Los Abrazos Rotos es también un homenaje a la pasión. Por un lado, los amantes se funden en abrazos que detienen el tiempo, pero que son interrumpidos por una presencia maligna. Por otro lado, puede sentirse la pasión de Almodóvar por el cine y la amalgama de géneros de la que nutre su film: el melodrama clásico, la comedia disparatada, el romance y el suspenso angustiante.

La cinefilia de Pedro se siente como una presencia vibrante en cada encuadre. Con absoluta meticulosidad, cada elemento le da forma a un todo del que es imposible despegar la mirada. Entre las numerosas imágenes de antología destacan la de una lágrima bañando un tomate sobre una tabla de picar y unas manos ansiosas que tocan la pantalla de un televisor queriendo palpar un beso que los ojos no le permiten ver.

Penélope Cruz cumple con el reto de interpretar un personaje rico en capas, de las que se va despojando hasta quedar expuesta, vulnerable y frágil. Lluís Homar está convincente en su tormento y nostalgia. La gran Blanca Portillo, quien ya había destacado en Volver, ahora brilla con un monólogo en el que destapa confesiones y conecta cabos sueltos.

A pesar de sus numerosos aciertos, Los Abrazos Rotos no llega a rozar la perfección de las obras maestras de su director, en especial porque el complejo guión no es parejo en todas sus interconexiones. Sin embargo, Almodóvar le ha declarado nuevamente su amor al cine y en ese romance, los espectadores ocupamos felices la tercera esquina del triángulo amoroso.

Título original: Los Abrazos Rotos
País y año: España 2009
Director: Pedro Almodóvar
Actores: Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez, Tomar Novas, Rubén Ochandiano, Chus Lampreave, Lola Dueñas, entre otros.
Calificación: ****

11 mar. 2010

El secreto de sus votos II

Como era de esperarse, Zona de Miedo (The Hurt Locker) arrasó en la ceremonia del Oscar al llevarse 6 premios, incluyendo mejor película, directora y guión original. Hubiera preferido que gane Bastardos sin Gloria, de lejos la mejor de las 10 nominadas, pero Zona de Miedo sería mi segunda opción, así que no me pareció un premio tan injusto.


Pocas películas bélicas han logrado mantenerme al filo de mi asiento con la respiración contenida y los párpados inmóviles tanto como Zona de Miedo. La directora Kathryn Bigelow consigue que cada secuencia de desactivación de bombas sea un brillante ejercicio de suspenso, tensión y emociones extremas. El retrato del protagonista adicto a la adrenalina del campo de batalla y su fuerte conflicto interior por no comprometerse emocionalmente con una potencial víctima son grandes aciertos de una cinta con una mirada crítica sobre la paranoia que se respira en Irak.

En el resto de categorías, mis emociones viajaron del aplauso de pie al abucheo indignado.

El triunfo más merecido. Celebré entre aplausos los Oscar de Christoph Waltz (mejor actor de reparto por Bastardos sin Gloria y autor de la inolvidable frase: "Oscar and Penelope, that's an uber-Bingo"), Mo Nique (mejor actriz de reparto por Precious) y Up (mejor película animada y mejor partitura original).

El triunfo menos merecido. Sandra Bullock ganó el Oscar a mejor actriz por The Blind Side (que se estrenará acá como Un sueño posible), no porque sea una gran actuación, de hecho cumple con eficiencia y carisma, pero ahí nomás. Ganó porque es un imán de la taquilla y una intérprete muy popular en la industria, tal y como lo fueron antes Julia Roberts y Reese Whiterspoon, provenientes de la comedia romántica al igual que Bullock. Es una pena que hayan decidido entregar este premio basándose más en la popularidad que en el talento, cuando las otras candidatas (Meryl Streep, Carey Mulligan y Gabby Sidibe) estaban en un nivel superior.

Lo mejor de la ceremonia. Fue un gran acierto mostrar a los diez intérpretes nominados a mejor actor y mejor actriz al inicio de la ceremonia parados sobre el escenario recibiendo juntos el aplauso del auditorio. Los bailarines que representaban las cinco partituras nominadas le dieron brillo al espectáculo. Los maestros de ceremonias Steve Martin y Alec Baldwin tuvieron altibajos y no todas sus bromas funcionaron, pero me quedo con un momento memorable: cuando le dijeron a Christoph Waltz que, siendo cazador de judíos, había encontrado un gran tesoro en el Teatro Kodak y a continuación la cámara poncha a los hermanos Coen (visibles representantes de la comunidad judía en Hollywood).

Lo peor de la ceremonia. Podría elegir a la insolente pelirroja que le arrebató el micrófono al director ganador del Oscar a mejor cortometraje documental, o el insípido número musical a cargo de Neil Patrick Harris o la presencia de los “actores” de Crepúsculo que creían que esto era una premiación de MTV. Pero no. Lo más lamentable de la noche fue ver a la leyenda viviente Meryl Streep perder por enésima… digo, decimocuarta vez. Es la actriz más nominada de la historia y la más derrotada también. Este año su brillante actuación en Julie & Julia era el motivo ideal para reconocerla después de 27 años, pero al parecer premiar a Miss Simpatía en su primera nominación les pareció una mayor prioridad.

10 mar. 2010

El secreto de sus votos I

La entrega de premios Nº 82 de la Academia de Hollywood no se caracterizó precisamente por las sorpresas. Por el contrario, se dedicaron a repetir los mismos ganadores que habíamos visto en las premiaciones anteriores. ¡Qué tal reto para los actores preparar 5 discursos o más para las distintas ceremonias y poner cara de sorpresa cuando ganan por sexta vez en menos de dos meses!

Sin embargo, para los peruanos fue una emoción más intensa que de costumbre seguir la ceremonia del Oscar porque por primera vez una representante nuestra competía en el rubro de mejor película extranjera.

La Teta Asustada fue derrotada por la candidata argentina El Secreto de sus Ojos, una película con buenas actuaciones de Ricardo Darín y Guillermo Francella, una fotografía impecable (la memorable escena del estadio tiene un impresionante manejo de cámaras) y un interesante giro al final. Se trata de un film muy bueno y accesible para el público menos exigente, a diferencia de las candidatas de Perú, Alemania (La Cinta Blanca) y Francia (Un Profeta). Estas tres cintas resultan menos convencionales y más aptas para impresionar al riguroso jurado de un festival de cine europeo que a los conservadores votantes de Hollywood.



Quentin Tarantino y Pedro Almodóvar le entregaron el Oscar a Juan José Campanella, director de El Secreto de sus Ojos

En esta categoría, a diferencia de las demás, la Academia exige a los votantes que certifiquen que han visto todas las cinco películas nominadas antes de emitir su voto. Como consecuencia, quienes participan en la elección son por lo general personas mayores y en retiro, quienes tienen más tiempo libre de ver las cintas extranjeras. Por eso, este grupo usualmente conservador responde mejor a películas cálidas y sentimentales, con estándares más clásicos. El Secreto de sus ojos encaja bien en ese grupo, junto con ganadoras anteriores como La Vida es Bella (Italia), La vida de los otros (Alemania) o Los Estafadores (Austria).

Magaly Solier, Claudia Llosa y el Oso de Oro en Berlín

De todos modos, La Teta Asustada llegó donde ninguna película peruana había llegado jamás y no me refiero sólo a la nominación al Oscar, sino a conseguir el Oso de Oro en Berlín y a los numerosos premios que consiguió en festivales de cine alrededor del mundo. Este año el cine peruano ha seguido cosechando galardones gracias a Contracorriente (premio del público en los festivales de Sundance y Cartagena), con lo cual se sigue consolidando nuestra cinematografía en el exterior. ¿Volveremos algún día / pronto / el próximo año a la alfombra roja más famosa del mundo?

22 feb. 2010

Próxima parada: Incertidumbre

En épocas de caos, uno tiene que ser creativo y convincente para encontrar soluciones prácticas con pocos recursos. Dos cintas recientemente nominadas al Oscar muestran mundos fracturados, sociedades resentidas y rutas de escape inesperadas.

El carisma en tiempos de crisis

Amor sin escalas (inadecuado título en español para Up in the air) le toma el pulso a la sociedad americana de hoy, golpeada por la crisis económica, pero también por otras crisis igualmente deprimentes: la de la mediana edad y las afectivas. Todas estas situaciones inciertas son paraderos obligados en un mundo individualista en el que todo ocurre demasiado rápido y no hay tiempo de reponerse antes de que llegue la siguiente turbulencia.

Ryan Bingham (George Clooney) se gana la vida como consultor de una compañía que lo manda por todos los Estados Unidos despidiendo gente, pero ofreciéndoles un paquete de beneficios para que la experiencia sea menos traumática. Natalie Keener (Anna Kendrick) es una sabelotodo ambiciosa recién egresada de la universidad que idea una estrategia para ahorrar tiempo y dinero a la compañía: despedir a los trabajadores por videoconferencia. El jefe de ambos los manda juntos de viaje para que Bingham sea su mentor y le enseñe cómo funciona el negocio.

Bingham tiene muchos parecidos con el personaje público que George Clooney expone en entrevistas y alfombras rojas: es un soltero empedernido que le huye al compromiso y que se vale de su carisma para vender discursos irrefutables. Pero la gran actuación de Clooney es mucho más que un reflejo de sí mismo: la aparente desconexión de relaciones humanas duraderas y significativas de Ryan esconde un miedo a encariñarse demasiado con alguien que lo traicione. Sus compañeras de reparto también están excelentes: Kendrick se luce como la niña inexperta que cree tenerlo todo planeado y Vera Farmiga seduce en el papel de Alex, una amante ocasional de Ryan.

Amor sin escalas tiene 6 nominaciones al Oscar: mejor película, director, actor (Clooney), actriz de reparto (Anna Kendrick y Vera Farmiga) y guión adaptado. Se trata de la película más lograda del director Jason Reitman (Gracias por fumar y Juno), porque captura con humor negro, nostalgia y cotidianeidad el abandono en que quedan los seres humanos al ser despedidos por su empresa o su pareja, pero también nos invita a cuestionar qué ideales, personas y sentimientos queremos llevar en la maleta cuando nos animamos a viajar a un destino lejano.

Título original: Up in the air
País y año: Estados Unidos 2009
Director: Jason Reitman
Actores: George Clooney, Anna Kendrick, Vera Farmiga, Jason Bateman, Amy Morton, Melanie Lynskey, J. K. Simmons, entre otros.
Calificación: ****

El juego y la política

Invictus es una crónica del período en que Nelson Mandela toma la presidencia de Sudáfrica y encuentra un país profundamente dividido, herido por una profunda desconfianza entre blancos y negros, producto del apartheid. Su estrategia para unir a la nación incluye, entre otras armas creativas, encargarle a la selección de rugby que gane el campeonato mundial.

Morgan Freeman interpreta a Mandela con serenidad, liderazgo y un dominio total del lenguaje corporal y del entorno. Su notable actuación, merecidamente nominada al Oscar, le hace justicia a un personaje tan emblemático a partir de gestos de humildad, de complicidad con sus colaboradores y del marcado contraste entre su amor a los sudafricanos y sus propios problemas familiares.

Matt Damon es Francois Pienaar, el capitán de la selección nacional de rugby, quien lleva sobre los hombres el enorme desafío de remontar la actuación inicialmente mediocre de su equipo. Damon cumple su papel de manera eficiente, con la concentración justa y necesaria, pero su nominación al Oscar como mejor actor de reparto resulta un poco exagerada.

Clint Eastwood ha dirigido muchas obras notables en la década pasada, desde Río Místico hasta Gran Torino. La mayoría de sus películas suelen tener un ambiente sombrío y tenso, sus personajes se enfrentan a pesadas derrotas o inexplicables tragedias. Esta vez ha cambiado el tono para confeccionar una cinta optimista, cálida e inspiradora, de esas que hacen sentir bien al espectador. El resultado, emocionante a pesar de que sigue una trayectoria predecible, resulta mejor que el promedio de cintas inspiracionales hechas para el consumo masivo, pero tampoco se coloca en la galería de clásicos del gran Clint.

Título original: Invictus
País y año: Estados Unidos 2009
Director: Clint Eastwood
Actores: Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge, Adjoa Andoh, Patrick Lyster, entre otros.
Calificación: *** 1/2

9 feb. 2010

La dicha láctea

Las foráneas

Las profecías se cumplieron: La Teta Asustada se ha convertido en la primera película peruana nominada al Oscar a mejor film en idioma extranjero. Su triunfo en el Festival de Berlín, hace exactamente un año, nos hizo soñar con esa posibilidad de llegar a la premiación más famosa del mundo del cine y ahora es un hecho palpable.

La Cinta Blanca
Como adelanté en un post de octubre, sus principales competidoras son la alemana La Cinta Blanca y la francesa Un Profeta, ambas ganadoras en el último Festival de Cannes. Por lo general, el cine europeo es el que suele ganar en esta categoría, pero cada año vemos cómo los supuestos favoritos son derrotados por filmes más pequeños. Recordemos el año pasado cómo la japonesa Okuribito (Departures) derrotó a las más prestigiosas Entre les murs (Francia) y Waltz with Bashir (Israel).

El Secreto de sus Ojos

Es la primera vez que dos películas latinoamericanas compiten en esta categoría. Nos acompaña en la terna Argentina con El Secreto de sus Ojos, cinta que viene precedida de muy buenas críticas y cuyo estilo clásico la hace amigable a la Academia. Su director también consiguió hace 9 años la nominación con la comedia El Hijo de la Novia.

La israelí Ajami también cuenta con posibilidades: ganó la Cámara de Oro en el Festival de Cannes por ser la mejor ópera prima, tiene una estructura narrativa con historias paralelas que muestra las relaciones entre árabes y judíos, y además, le favorece el hecho de que la Academia de Hollywood está compuesta por un importante bloque de votantes judíos.

A estas alturas, cualquiera de las 5 candidatas puede ganar. Eso, a diferencia de otras categorías tan predecibles, hace de ésta una carrera más emocionante.

Las diez elegidas

En un afán de subir los niveles de rating de su entrega de premios televisada, la Academia decidió ampliar este año las nominadas a mejor película de 5 a 10. La discutible medida ha hecho que tengamos un grupo variado con opciones más populistas: Amor sin escalas, Avatar, Bastardos sin Gloria, The Blind Side, An Education, The Hurt Locker, Precious, Sector 9, A Serious Man y Up.

Las dos favoritas para ganar el premio a mejor película son Avatar y The Hurt Locker. Ambas parten con nueve nominaciones en total y son cintas marcadas por fuertes dosis de acción, una en un mundo de fantasía poblado por seres azules y la otra en un escuadrón de desactivación de explosivos en Iraq.

James Cameron y Kathryn Bigelow

En la categoría de mejor director los principales competidores son los ex esposos James Cameron (Avatar) y Kathryn Bigelow (The Hurt Locker), quienes se han deseado públicamente mucha suerte el uno al otro (¡sí, como no!). Bigelow ha ganado más galardones hasta el momento (incluyendo el premio del Sindicato de Directores) y muchos vaticinan que será la primera mujer en ganar el Oscar a mejor director. Sin embargo, su película no ha recaudado los mismos trillones de dólares que Avatar, lo cual lamentablemente juega en su contra ya que muchos votantes suelen inclinarse por la más taquillera.

Los actores

Jeff Bridges en Crazy Heart


No hubo mayores sopresas en la lista de actores y actrices nominados. El favorito para ganar el Oscar a mejor actor es Jeff Bridges por su papel de cantante de country en decadencia en Crazy Heart y si acaso tiene alguna competencia podría ser George Clooney por Amor sin escalas (Up in the air). Morgan Freeman (Invictus), Colin Firth (A Single Man) y Jeremy Renner (The Hurt Locker) tienen menos posibilidades.

Meryl Streep en Julie & Julia

En la categoría de mejor actriz, hay una competencia feroz entre dos populares reinas de la taquilla. Meryl Streep ha conseguido su decimosexta nominación (un record histórico) gracias a Julie & Julia y podría ganar su tercer Oscar después de 27 años de haber obtenido el último. Sin embargo, podría ser derrotada por la mismísima Miss Simpatía: Sandra Bullock, quien con la cinta de corte inspiracional The Blind Side se ha llevado el Critics Choice Award, Golden Globe y SAG Award a mejor actriz. Las otras nominadas son Helen Mirren (The Last Station) y las revelaciones Carey Mulligan (An Education) y Gabourey Sidibe (Precious).

Queda menos de un mes para la ceremonia del 7 de marzo y decenas de películas por ver. Que las distribuidoras se apiaden de nosotros y la buena leche acompañe a nuestra candidata peruana.

24 ene. 2010

Nueve maneras de calificar mi nueva obsesión

Podría definir Nine de nueve maneras distintas. Es un musical basado en una obra de teatro que a su vez adaptó una famosa película de Federico Fellini, 8 ½. Es una cinta extravagante sobre el bloqueo creativo de un director de cine. Es una mirada voyerista sobre las relaciones de este cineasta con las mujeres que han marcado su vida. Es un homenaje al cine italiano de los años 60, cuando el neorrealismo estaba en su mayor apogeo.

Es un espectáculo vibrante, enmarcado con telones de sensualidad y elegancia. Es un desfile de glamorosas estrellas de cine que se encuentran en distintos procesos de convertirse en leyendas. Es una reunión de varios ganadores del Oscar que además de brillar juntos en escena, interpretan sus canciones con apasionada entrega. Es un mundo de fantasía en el que las ilusiones deambulan entre camerinos y estudios de grabación jugando a ser ciertas. Es, por todo ello, una película que reunía grandes condiciones para ser una obra maestra del género musical, si no fuera porque su director (Rob Marshall) pareció contagiarse un poco de la desorientación de su protagonista.

Marshall dirigió Chicago, el fantástico musical que ganó el Oscar a la mejor película en el 2002. En Nine, demuestra nuevamente algunas brillantes ideas para la puesta en escena de los números musicales, cada uno tiene grandes valores de producción en cuanto a la edición, fotografía, dirección artística, vestuario y coreografía.

Sin embargo, donde decaen la dirección y el guión es en las escenas habladas, en las que la trama no fluye con la misma naturalidad que en las escenas musicales. Felizmente, la gran presencia escénica de Daniel Day-Lewis y su interacción con el elenco femenino crean una irresistible seducción.

Day-Lewis interpreta a Guido Contini, un afamado cineasta italiano que está a punto de filmar uno de sus más ambiciosos proyectos, la cinta Italia. La expectativa es grande, sobre todo porque sus últimas películas fueron fracasos, pero aún así cuenta con el respaldo de todo el equipo de producción. El problema es que, estando ya todos listos para filmar, Guido ni siquiera tiene el guión escrito porque no encuentra la inspiración. El gran Day-Lewis se comporta como un camaleón y se adapta a cada una de sus compañeras de reparto para encontrar una conexión distinta con cada una. Lamentablemente, le toca interpretar canciones poco memorables, pero cumple con el encargo sin salir magullado.


Marion Cotillard es Luisa, la sacrificada esposa de Guido que renunció a su sueño de ser actriz. Luisa es el personaje femenino mejor desarrollado y Cotillard está notable cuando canta con una excelente voz y un dominio total del escenario sus dos temas, la melancólica “My husband makes movies” y la despechada “Take it all”.

Penélope Cruz es Carla, la amante de Guido. La española no tiene la mejor voz, pero igual se divierte desbordando sensualidad y tiene diálogos que aportan una dosis justa de comedia.

Nicole Kidman es Claudia, la musa de Guido. Representa la imagen ambigua de una glamorosa estrella de cine, inalcanzable en apariencia, adorada por las cámaras, pero frágil a fin de cuentas. Kidman hace maravillas con un papel diminuto y le imprime clase a la mejor canción del musical, “Unusual way”.

Judi Dench es Lilli, la diseñadora de vestuario y confidente de Guido. Se luce con diálogos precisos y sarcásticos que la convierten en una presencia dinámica, pero su número musical se siente algo desencajado o poco inspirado.

Kate Hudson es Stephanie, una reportera americana de la revista Vogue que quiere a toda costa seducir a Guido y que está fascinada con el estilizado imaginario de sus filmes. Su interpretación del tema “Cinema italiano” es energía pura, un adictivo tema pop que, sin embargo, no aporta mucho al argumento.

Fergie es Saraghina, una prostituta que Guido conoció en su niñez. La cantante pop no dice una sola palabra, pero cuando empieza a cantar el tema “Be Italian” demanda atención absoluta y la consigue. Es el número más vistoso y destinado a convertirse en el más icónico de la cinta.

Sophia Loren interpreta a la madre de Guido. Es la única actriz italiana del reparto principal y a pesar de que es una leyenda viviente, luce completamente desganada y distanciada de cualquier emoción.

Podría definir Nine de una manera más: es un evento cinematográfico que, siendo imperfecto y sensacional al mismo tiempo, es un sofisticado placer culposo que acaricia la retina de los seguidores de estas espectaculares diosas de la pantalla.

Título original: Nine
País y año: Estados Unidos 2009
Director: Rob Marshall
Actores: Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Nicole Kidman, Judi Dench, Kate Hudson, Sophia Loren y Fergie.
Calificación: ****

9 ene. 2010

Balance 2009: El curioso año de la teta

Lo más complicado de hacer una lista con los mejores títulos del año no es encontrar obras maestras en medio de la monótona oferta de las distribuidoras, sino elegir el puesto que determine que una película es mejor que otra. Hoy mi estado de ánimo, mi memoria y mi intuición me dictan 10 títulos que según mi punto de vista son lo mejor que se estrenó en la cartelera limeña entre enero y diciembre.


1. La Teta Asustada. Claudia Llosa filma la liberación del alma de Fausta (impecable Magaly Solier) con una gran riqueza de imágenes poéticas y un logrado equilibrio entre el retrato íntimo de una persona aterrorizada y el cuadro de personajes pintorescos que componen su entorno.


2. El curioso caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button). Esta elegante fantasía reflexiona sobre el inevitable paso del tiempo y la presencia efímera de la gente que transforma nuestro destino.


3. El llanto de la mariposa (Le scaphandre et le papillon). Esta cinta francesa sobre un hombre que queda paralítico y se comunica sólo a través del movimiento de un ojo es asombrosamente hermosa y poderosamente estremecedora.


4. Bastardos sin gloria (Inglorious Basterds). La mente delirante de Tarantino nos hace ingresar por la puerta falsa a los sangrientos escenarios de la Segunda Guerra Mundial, con personajes de antología que en medio de sofisticados planes de venganza tienen tiempo para distraer al enemigo con sus encantos.


5. La felicidad trae suerte (Happy-Go-Lucky). Esta comedia salpicada de optimismo desbordante es irresistible gracias a su frescura y a su inmunidad frente al egoísmo e indiferencia de la sociedad individualista.


6. Milk. Los ideales de un político carismático y comprometido con la defensa de los derechos civiles son la materia prima de este film enérgico y apasionado.


7. Up. La gran aventura de un anciano gruñón y un niño explorador a bordo de una casa atada a globos de helio nos transporta por los elevados confines del asombro, la ternura y el entretenimiento familiar con neuronas.


8. La duda (Doubt). El afilado duelo verbal entre una monja estricta y conservadora y un sacerdote más liberal acusado de pedofilia plantea cuestiones morales muy relevantes y pone en evidencia la pesada maquinaria de los rumores y las culpas. El mejor elenco del año, sin duda.


9. El lector (The Reader). Stephen Daldry dirige este drama que revela secretos, expone vergüenzas y desata pasiones en medio de un doble aprendizaje entre una mujer madura y un joven mucho menor.


10. El sustituto (Changeling). Filmada con elementos de terror, suspenso y melodrama, esta cinta de Eastwood es una muestra de la descomposición a la que llegan tanto las instituciones corruptas como las mentes trastornadas.

Otras cintas y géneros

Otros dramas destacados este año fueron Gran Torino, Una visita inesperada (The Visitor) y El luchador (The Wrestler). Las comedias más hilarantes fueron Unas vacaciones diferentes (In Bruges), ¿Qué pasó ayer? (The Hangover) y Muerte en un funeral (Death at a funeral). En ciencia ficción, Avatar se coronó como un nuevo hito del género. En el terror, la española Rec fue la fuente de los mayores sustos. Y en el cine de animación, además de Up, destacó el retorcido mundo paralelo de Coraline.

Los mejores actores

Los 10 actores más inolvidables de este año que pasó y sus respectivas huellas indelebles son:

1. Meryl Streep, La duda y Julie & Julia
2. Sean Penn, Milk
3. Mickey Rourke, El luchador
4. Sally Hawkins, La felicidad trae suerte
5. Christoph Waltz, Bastardos sin gloria
6. Kate Winslet, El lector
7. Philip Seymour Hoffman, La duda
8. Penélope Cruz, Vicky Cristina Barcelona
9. Colin Farrell, Unas vacaciones diferentes
10. Magaly Solier, La teta asustada

Lo peor

Mis peores experiencias en el cine fueron el nefasto remake de Viernes 13 (Friday the 13th), el anémico romance emo de Crepúsculo (Twilight), la insípida Los fantasmas de mi ex (Ghosts of Girlfriends Past) y la desastrosa 2012.