27 dic. 2011

La captura de la aventura

A Steven Spielberg le encanta zambullir a los personajes de sus películas en una aventura épica, como lo demuestran las sagas de Indiana Jones y Jurassic Park. Después de un receso de 3 años, Spielberg vuelve a sentarse en la silla de director, trayendo consigo ese mismo afán de destilar adrenalina, en la cinta animada Las Aventuras de Tintín.

El film narra el encuentro de Tintín, un acucioso reportero al que le encanta resolver misterios, con el avezado capitán Haddock, quien siempre necesita una botella de whisky a su lado. Ambos buscan las pistas que les ayuden a encontrar un tesoro sumergido en las profundidades del mar, pero el villano Sr. Sakharine hará lo imposible por encontrarlo antes que ellos.

Spielberg se asoció con el productor Peter Jackson (responsable de la trilogía de El señor de los anillos) para adaptar esta historia, procedente del cómic, a la gran pantalla. La técnica que han utilizado para la animación es la captura de movimiento (motion capture), la cual permite captar, a través de sensores, cada gesto de los actores de carne y hueso para después digitalizarlos. El resultado de esta innovadora técnica es impresionante, porque la animación luce muy realista.

Quien le presta su voz y movimientos a Tintín es el actor Jamie Bell, el recordado niño bailarín de ballet de Billy Elliot. Y en el papel del capitán Haddock destaca el genial Andy Serkis, todo un veterano en la técnica de la captura de movimiento, ya que interpretó antes a Gollum en El Señor de los Anillos, a King Kong en la película del mismo nombre y al rebelde simio César en El planeta de los simios: (R)Evolución.

En un año opaco y poco estimulante para el cine de animación, Las Aventuras de Tintín se convierte en una de las cintas más rescatables del género, junto con Rango y Operación: Regalo. Estas tres cintas compiten por el Globo de Oro a mejor película animada, además de las decepcionantes Cars 2 y Gato con Botas.

Aunque el argumento de Las Aventuras de Tintín está encadenado por giros y complicaciones que aportan emoción y suspenso, el guión se vale de algunos artificios forzados o ridículos, como la inexplicable escena en la que el Capitán Haddock usa su aliento cargado de alcohol como combustible de avioneta (¡!).

Al tener a dos pesos pesados como Spielberg y Jackson compartiendo el timón, las expectativas son muy altas. Gracias a su vasta experiencia, ambos logran capturar el auténtico sentido de las clásicas cintas de aventuras, logrando involucrar al espectador en la búsqueda del tesoro. El resultado es un entretenimiento ligero y de gran calidad técnica.

Título original: The Adventures of Tintin
País y año: Estados Unidos 2011
Director: Steven Spielberg
Con las voces de: Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Nick Frost, Simon Pegg, Daniel Mays, entre otros.
Calificación: *** 1/2

20 dic. 2011

El ansia por beber sangre

Un estreno casi clandestino, pero justo y necesario, para contrarrestar las sosas películas de la temporada navideña, ha sido el de Rito Diabólico (también conocida como Thirst en inglés o Bakjwi en coreano). Se trata de una audaz cinta procedente de Corea del Sur, que devuelve a los vampiros a su pedestal de seres atormentados y amenazantes, a diferencia de la cándida versión para dummies que ofrece la saga de Crepúsculo.

El sacerdote Sang-hyeon (Kang-ho Song) se ofrece como voluntario para probar una nueva vacuna destinada a erradicar un virus mortal. Casi muere en el intento, pero se recupera inesperadamente gracias a la transfusión de sangre de un vampiro. Su vida no vuelve a ser la misma ahora que se enfrenta a la súbita necesidad por experimentar los placeres mundanos.

Gracias a su milagrosa recuperación, Sang-yeon es asediado por enfermos que desean ser tocados por él para sanarse. Uno de ellos es un viejo amigo que vive sobreprotegido por su madre dominante. Su esposa, Tae-ju, se convierte en el objeto de deseo de Sang-yeon.

Rito diabólico es una cinta bizarra e impactante. Su poder de conmoción no se agota en la audacia de mostrar a un sacerdote lujurioso y criminal. Lejos de glorificar sus actos, la película muestra a un personaje con un enorme conflicto interior, trastornado por su nueva naturaleza, angustiado por sus deseos, culposo de experimentar sensaciones que no debería.

El director Chan-wook Park es conocido por su “trilogía de la venganza”: Sympathy for Mr. Vengeance, Oldboy y Sympathy for Lady Vengeance. En su filmografía suele concentrarse en el miedo y el dolor, asociados a la violencia. Y como los mejores representantes del cine asiático, tiene un estilo visual impresionante. Por ejemplo, la cámara acompaña el vuelo del sacerdote por la ciudad y se arrastra por el suelo persiguiendo a una víctima que busca escapar.

A pesar de que tiene varios momentos de humor absurdo y hasta cruel, Rito diabólico termina siendo una tragedia romántica. El conmovedor desenlace es una consecuencia inevitable del destino de los seres condenados a esconderse: de sus necesidades y de sus culpas, así como de la luz amenazante.

Título original: Bakjwi
País y año: Corea del Sur, 2009
Director: Chan-wook Park
Actores: Kang-ho Song, Ok-bin Kim, Hae-sook Kim, Ha-kyun Shin, In-hwan Park, Mercedes Cabral, entre otros.
Calificación: ****

23 nov. 2011

Los intrusos

Una comedia argentina y una francesa han aterrizado en nuestra cartelera. Mientras una cae del cielo para conmovernos, la otra se disfraza para seducirnos. Ambas tienen en común la llegada inesperada de un personaje que transforma su entorno.

La vaca voladora

Ricardo Darín protagoniza Un cuento chino, cinta en la que interpreta a Roberto, un hombre huraño y renegón que acoge en su casa a Jun (Ignacio Huang), un chino que vino a Buenos Aires huyendo de una tragedia personal. Jun desea encontrar a su tío, pero como no habla nada de español, está perdido en una ciudad desconocida.

Roberto es el dueño de una modesta ferretería y de una personalidad explosiva. Intenta ayudar a Jun, pero como no lo entiende se desespera. La imposibilidad de comunicarse a través de las palabras genera muchas situaciones de humor negro. Esta comedia comprueba que el lenguaje corporal también sirve para gritar, callar o manifestar las más variadas emociones.

La escena inicial es desconcertante: una vaca cae del cielo y mata a una mujer. En el transcurso de la película, se explica cómo ocurrió este incidente y cómo ambos personajes, Roberto y Jun, aparecieron en los periódicos como protagonistas de alguna noticia. Ciertamente, algunos eventos mostrados en el film pueden parecer un poco forzados, pero el carisma de ambos actores los hace creíbles.

Un cuento chino es la historia de una amistad improbable y de cómo los hechos aparentemente fortuitos logran sacarnos de la rutina y vencer nuestras resistencias, para apostar por un destino diferente. Las vacas no vuelan, pero las oportunidades de enmendar el rumbo sí llueven de vez en cuando.

Título original: Un cuento chino
País y año: Argentina 2011
Director: Sebastián Borensztein
Actores: Ricardo Darín, Ignacio Huang, Muriel Santa Ana, entre otros.
Calificación: *** 1/2

Las vanas ilusiones

En El Rompecorazones (L'arnacoeur), Alex Lippi (Romain Duris) es especialista en separar parejas. Un millonario lo contrata para que seduzca a su hija Juliette (Vanessa Paradis) e impida su matrimonio con un inglés inofensivo. Alex se hace pasar por guardaespaldas de Juliette y su misión parece complicada, porque ella ama a su prometido y detesta a Alex… hasta que él despliega su arsenal de seducción.

La actriz Vanessa Paradis, más conocida por ser la esposa de Johnny Depp, luce desganada en muchas escenas, como si su mente estuviera ausente. Su co-protagonista Romain Duris no logra convencernos de que hay química entre ellos, pero sí destaca en el divertido montaje que muestra cómo seduce a mujeres de distintas culturas y procedencias, utilizando un personaje distinto para cada una.

Las calles de Mónaco le prestan elegancia a la puesta en escena, convirtiéndose en uno de los principales atractivos de la cinta. También vale la pena resaltar a dos personajes secundarios, la hermana y el cuñado de Alex, quienes en su papel de cómplices del negocio familiar, se valen de disfraces y artimañas para ayudarle a obtener información.

Si no fuera porque los actores hablan en francés, cualquier espectador despistado podría pensar que esta película es una producción hecha en Hollywood, porque sigue al pie de la letra todos los procedimientos del manual de la comedia romántica. Si bien resulta entretenida en ciertos tramos, la historia no deja de ser gastada y repetitiva.

Título original: L'arnacoeur
País y año: Francia 2010
Director: Pascal Chaumeil
Actores: Romain Duris, Vanessa Paradis, Julie Ferrier, Andrew Lincoln, François Damiens, entre otros.
Calificación: **

22 oct. 2011

Desacuerdos prenupciales

Las películas que muestran los preparativos para un matrimonio se han vuelto prácticamente un subgénero dentro de la comedia en Hollywood. Títulos como La boda de mi mejor amigo, Experta en bodas, Los rompebodas (Wedding Crashers) o Guerra de novias representan distintas variantes de esta tendencia casamentera. Un nuevo referente del género es la divertida y osada Damas en guerra (Bridesmaids).

Lillian (Maya Rudolph) se va a casar y le encarga a Annie (Kristen Wiig), su mejor amiga desde la infancia, que sea su dama de honor. Las tareas, que implican organizar una serie de eventos y rituales engorrosos, son compartidas con las demás damas de honor, entre las que destaca Helen (Rose Byrne), quien está decidida a organizarlo todo a su manera. Su rivalidad con Annie desata una guerra de poderes que amenaza con convertirse en una lluvia de puñales.

Mientras Annie es una mujer que ha fracasado en los negocios y en el amor, Helen es la sofisticada esposa de un gran ejecutivo y siempre parece (o se muere por) tenerlo todo bajo estricto control. Sus discrepancias comienzan en la fiesta de compromiso de Lillian, en las que ambas literalmente se quitan el micrófono de las manos para poder decir el discurso más emotivo o contar la anécdota más divertida, que demuestre su estrecha amistad con la novia.

Al igual que las comedias matrimoniales que la han precedido, Damas en guerra tiene una predecible cuota de romance. Sin embargo, a diferencia de ellas, pone mayor énfasis en las relaciones interpersonales que se dan en un grupo de mujeres, donde la competitividad es un velo que esconde una profunda inconformidad consigo mismas. Además, se atreve a mostrar un paralelo entre dos esposas que encarnan extremos opuestos: la recién casada que idealiza el matrimonio y la cuarentona asqueada de su marido y sus hijos adolescentes.

Incluso la crisis económica que afecta a Estados Unidos juega un papel importante, al mostrar la depresión de la protagonista por haber tenido que cerrar su negocio. Por otro lado, los excesivos lujos de los preparativos matrimoniales (como el ridículo “shower” temático inspirado en Francia) se van multiplicando hasta volverse impagables para la familia de la novia.

Kristen Wiig, proveniente de las filas del programa cómico Saturday Night Live, cumple con éxito el doble rol de guionista y protagonista del film. Esta cinta representa su consagración y es muy probable que reciba una nominación al Globo de Oro como mejor actriz de comedia. También merece ser aplaudida Melissa McCarthy, quien interpreta a Megan, una mujer robusta y libidinosa, de modales vulgares y una sinceridad abrumadora.

Algunos han etiquetado a Damas en guerra como una versión femenina de ¿Qué pasó ayer? (The Hangover). Ambas son comedias atrevidas que mezclan el humor escatológico con valores universales como la amistad incondicional. Sin embargo, este retrato de mujeres desenfrenadas no copia las líneas argumentales de su antecesora, sino que tiene una identidad propia. Estas chicas conforman un ramo algo amorfo, con flores delicadas y otras toscas, unas brillantes y otras opacas, pero todas listas para pelear por su supervivencia en la jungla salvaje.

Título original: Bridesmaids
País y año: Estados Unidos 2011
Director: Paul Feig
Actores: Kristen Wiig, Maya Rudolph, Rose Byrne, Melissa McCarthy, Wendi McLendon-Covey, Ellie Kemper, Jon Hamm, Chris O'Dowd, entre otros.
Calificación: *** 1/2

12 oct. 2011

Avance de temporada 2011/2012

Como todos los años, presento una selección de mis cinco películas más anticipadas, las mismas que podrían convertirse en clásicos. Su fecha de estreno en Perú es incierta, pero es probable que la mayoría aterrice en nuestra cartelera en plena temporada de premios (de enero a febrero de 2012).

La piel que habito

Director: Pedro Almodóvar (Trabajos anteriores: Hable con ella, Volver, Los Abrazos Rotos)
Actores: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Blanca Suárez, Jan Cornet, entre otros.
País: España
Sinopsis: Robert Ledgard ( Banderas) es un eminente cirujano plástico que se obsesiona con la creación de un tipo de piel que cultiva en su laboratorio. Para lograr ese fin, utiliza como “conejilla de indias” a una mujer que mantiene prisionera.
Por qué promete: Pedro Almodóvar abandona sus géneros habituales, el melodrama y la comedia, para incursionar en un “thriller” con toques de terror. Tomando como base la novela “Tarántula” de Thierry Jonquet, el director manchego confecciona una historia de venganza que recibió excelentes comentarios cuando se estrenó en el Festival de Cannes… como ya es usual cada vez que Almodóvar estrena sus filmes en este encuentro de cine. En esta ocasión, vuelve a trabajar después de décadas con dos actores que suelen brillar cuando están bajo sus órdenes: Antonio Banderas (Átame, Mujeres al borde de un ataque de nervios) y la gran Marisa Paredes (Tacones lejanos, Todo sobre mi madre). Vale la pena dejar que se erice nuestra piel por este esperado reencuentro.



The Artist
Director:
Michel Hazanavicius (Trabajo anterior: OSS 117: El Cairo, nido de espías)
Actores: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, James Cromwell, entre otros.
País: Francia
Sinopsis: George Valentin es una estrella del cine mudo de Hollywood que, en 1927, vive el repentino ocaso de su carrera tras la llegada del cine sonoro. Su destino se cruza con el de la bailarina Peppy Miller, quien empieza a ascender rápidamente en la industria cinematográfica.
Por qué promete: Esta película francesa, filmada en blanco y negro, aparenta ser un homenaje al cine mudo, en el cual la expresividad de los artistas resultaba fundamental para captar el interés del público, a falta de diálogos, música o cualquier tipo de sonido. El conflicto de un actor que ve llegar su temprana decadencia a causa del cine sonoro, podría originar una interesante reflexión sobre la esencia y evolución del arte. Muchos analistas de cine consideran que esta película será una sensación en la próxima temporada de premios en Hollywood, tal como ocurrió en el Festival de Cannes, donde el protagonista Jean Dujardin recibió el premio al mejor actor.



Extremely Loud and Incredibly Close
Director:
Stephen Daldry (Trabajos anteriores: Billy Elliot, The Hours, The Reader)
Actores: Tom Hanks, Sandra Bullock, Max von Sydow, Thomas Horn, John Goodman, entre otros.
País: Estados Unidos
Sinopsis: Oskar Schell es un niño de 9 años con una gran curiosidad científica. Cuando descubre una llave que pertenecía a su padre, fallecido en los atentados del 11 de setiembre, recorre todo Nueva York buscando la cerradura que abre esa llave.
Por qué promete: Stephen Daldry es un director que mantiene el curioso récord de haber sido nominado al Oscar por los tres largometrajes que ha dirigido en su vida. Esos tres títulos, Billy Elliot, The Hours y The Reader, se caracterizan por mostrar situaciones profundamente emotivas con una gran sensibilidad, por lo que Daldry parece ser una excelente opción para llevar a la pantalla grande el best seller sobre un niño que busca conectarse con el pasado de su padre ausente. El elenco está comandado por grandes estrellas como Tom Hanks y Sandra Bullock, pero se especula que quien podría robarse la atención es el legendario actor Max von Sydow, recordado por su papel del Padre Merrin en El Exorcista y por títulos más recientes como Minority Report, El llanto de la mariposa o Shutter Island.



A Dangerous Method
Director:
David Cronenberg (Trabajos anteriores: La mosca, Una historia violenta, Promesas peligrosas)
Actores: Michael Fassbender, Viggo Mortensen, Keira Knightley, Vincent Cassel, entre otros.
País: Canadá / Alemania
Sinopsis: La cinta narra las tensas relaciones entre el psiquiatra Carl Jung (Fassbender) y su mentor Sigmund Freud (Mortesen). Además de sus perspectivas científicas, los separa una inquieta paciente llamada Sabina Spielrein (Knightley).
Por qué promete: Esta película se propone describir el convulsionado momento en que surgió el psicoanálisis. El canadiense David Cronenberg ha dirigido varias películas sumamente interesantes en las que ha abordado desde distintos ángulos la complejidad del comportamiento humano (eXistenZ, Una historia violenta, Promesas Peligrosas, etc.), así que este material parece ser ideal para él. En los dos papeles principales, se espera excelentes resultados de Viggo Mortensen (quien también protagonizó las dos últimas películas de Cronenberg) y de Michael Fassbender, cuya carrera ha despegado este año. Primero destacó como Magneto en X-Men: Primera Generación y luego se llevó el premio a mejor actor en el Festival de Venecia por su papel de adicto al sexo en la cinta Shame.



J. Edgar
Director: Clint Eastwood (Trabajos anteriores: Los imperdonables, Cartas desde Iwo Jima, Invictus)
Actores: Leonardo DiCaprio, Armie Hammer, Judi Dench, Naomi Watts, Dermot Mulroney, entre otros.
País: Estados Unidos
Sinopsis: J. Edgar Hoover (DiCaprio) es el admirado y a la vez temido fundador del FBI (Oficina Federal de Investigación), organismo que dirige durante casi 50 años. Sin embargo, tras puertas cerradas, esconde secretos que amenazan con destruir su carrera y su imagen pública.
Por qué promete: Clint Eastwood es un maestro y cada película suya es un acontecimiento. En esta ocasión, se inserta en un campo minado al examinar la vida del hombre que cambió para siempre la lucha contra el crimen organizado. Aún antes de su estreno, la película ha generado mucha polémica y una airada reacción del FBI, quienes rechazan la hipótesis (supuestamente mostrada en el film) que Hoover tenía una relación sentimental con su socio Clyde Tolson. Eastwood suele dirigir muy bien a sus actores, así que será interesante ver qué resultados logra Leonardo DiCaprio con un papel tan prometedor.

27 sept. 2011

Coro de desadaptados

Desde su estreno en mayo de 2009, la serie televisiva Glee se convirtió en un fenómeno de masas alrededor del mundo. La historia de un grupo de perdedores que forman un coro en su colegio revivió el género musical en la televisión y se llevó durante dos años consecutivos el Globo de Oro a mejor serie de comedia o musical. Ahora llega al cine en la forma de un documental titulado Glee 3D: La película (Glee: The 3D Concert Movie).

Existen tres dimensiones paralelas que se van mostrando durante el espectáculo. La primera muestra varios números musicales grabados durante los conciertos que el elenco de la serie ofreció en New Jersey. Las canciones, que han sido previamente interpretadas en la primera y segunda temporada del programa, son nuevas versiones de temas clásicos (como “Somebody to love” de Queen y “I want to hold your hand” de The Beatles) o de artistas pop que dominan actualmente las emisoras radiales (como Katy Perry y Lady Gaga). Además incluyen un tema original, “Loser like me”, cuyas letras resumen a la perfección la actitud de la serie, entre desenfadada y optimista.

La segunda dimensión nos lleva tras bastidores para entrevistar a los personajes de la serie, quienes fingen rivalidades, exhiben su egolatría y le agradecen a sus admiradores por tanta devoción. Lamentablemente, este es el tercio menos interesante de la cinta, pues desaprovechan la oportunidad de mostrar facetas desconocidas del elenco o propiciar una mayor interacción entre ellos.

La tercera y última dimensión presenta el efecto que ha creado Glee en la vida de sus fanáticos. El documental se concentra en tres de ellos, quienes revelan cómo sus propias experiencias se relacionan con los temas de la serie. De las tres historias, la más relevante es la de una adolescente con el Síndrome de Asperger, quien gracias a Glee tuvo el valor de vencer muchos de sus temores y convertirse en una persona más sociable.

Si bien la tecnología 3D permite potenciar el espectáculo visual de ciertos números musicales, su aporte no es fundamental para disfrutar la experiencia del concierto. Por ejemplo, los saltos y acrobacias de las coreografías lucen impactantes, pero los efectos más emocionantes son los que causan las voces privilegiadas de Lea Michele, Amber Riley o Naya Rivera.

Aunque Gwyneth Paltrow canta “Forget you” con irreverencia, para el público es imposible olvidarla. Su breve presencia es uno de los puntos más altos del concierto, tal y como ocurrió cuando apareció en algunos capítulos de la segunda temporada de la serie.

Para aquellos que no están familiarizados con el programa de TV, la experiencia de Glee 3D: La película puede resultar insignificante, porque es un film diseñado para complacer a los seguidores de la serie, entre quienes me incluyo. Las escenas del concierto causan una incontenible necesidad de mover los pies y cantar en voz alta los mejores temas. Al final, deja una sensación de alegría que puede resultar peligrosamente contagiosa.

Título original: Glee: The 3D Concert Movie
País y Año: Estados Unidos 2011
Director: Kevin Tancharoen
Actores: Lea Michele, Darren Criss, Chris Colfer, Heather Morris, Cory Monteith, Naya Rivera, Amber Riley, Gwyneth Paltrow, entre otros.
Calificación: *** 1/2

14 sept. 2011

Amores burros

Algunas veces, una ilusión amorosa puede embrutecer a las víctimas que caen bajo su efecto hipnótico. Precisamente, eso les ocurre a varios personajes de la comedia Loco y estúpido amor (Crazy, Stupid, Love.), la cual entrecruza algunas historias paralelas de romances imposibles, separaciones y desencuentros.

Ese esquema argumental me recordó mucho a la divertida película británica Realmente Amor (Love Actually), pero esta última es ciertamente superior. Ambas comedias muestran gente de distintas edades sucumbiendo al amor o sufriendo porque no son correspondidos. Si bien las dos películas tienen algunos clichés y resoluciones esquemáticas, también dejan espacio para la sorpresa.

En Loco y estúpido amor, Emily (Julianne Moore) le pide el divorcio a su esposo Cal (Steve Carell) y le confiesa que le ha sido infiel. Cal debe enfrentar su inesperada soltería, para lo cual recibe la ayuda de Jacob (Ryan Gosling), quien siente tanta pena por él cuando lo conoce en un bar, que se ofrece a enseñarle a conquistar a mujeres anónimas… como entrenamiento para luego reconquistar a su esposa.

Jacob puede tener a las chicas que desee, pues siempre caen rendidas ante sus calculados trucos de seducción. O mejor dicho, casi siempre, porque su metodología no funciona cuando conoce a Hannah (Emma Stone), una abogada muy concentrada en su carrera. Por otro lado, el hijo de trece años de Cal y Emily está obsesionado con su niñera de diecisiete años, quien a su vez se ilusiona con Cal, sin importarle la diferencia de edad.

Como decía al inicio, la película sigue algunas rutas predecibles, como la transformación del hombre común y corriente en un irresistible seductor (incluyendo el clásico y tantas veces visto cambio de look logrado gracias a una rápida incursión por la peluquería y las tiendas de ropa de diseñador). Sin embargo, el guión también se reserva más de un giro inesperado, algunos diálogos mordaces y varias situaciones realmente hilarantes.

El reparto está compuesto por varios actores con indiscutible talento para la comedia. Steve Carell logra hacernos reír como en las comedias Virgen a los 40 años, El Super Agente 86 o la genial Little Miss Sunshine. Julianne Moore está espléndida como siempre, aunque su papel no le permite explotar su enorme potencial cómico y dramático como en The Kids Are All Right, por citar otra película en la que ella interpretaba a una mujer en plena crisis matrimonial.

No obstante, la verdadera sorpresa del elenco es el canadiense Ryan Gosling, quien se hizo famoso gracias a dramas como The Notebook o Half Nelson (la cual le valió una nominación al Oscar). En Loco y estúpido amor, Gosling demuestra un buen ritmo para la comedia, una actitud desenfadada y dominio de escena.

Sin llegar a ser una comedia infalible, esta película nos recuerda que así como el amor puede afectar nuestro coeficiente intelectual, también tiene el poder de motivarnos a ser mejores individuos. Y eso no es ni loco ni estúpido.

Título original: Crazy, Stupid, Love.
País y año: Estados Unidos 2011
Directores: Glenn Ficarra y John Requa
Actores: Steve Carell, Julianne Moore, Ryan Gosling, Emma Stone, Kevin Bacon, Marisa Tomei, Analeigh Tipton, Jonah Bobo, entre otros.
Calificación: ***

4 sept. 2011

La asimilación del dolor

Cuando alguien cercano muere, a menudo nos hundimos en un agujero del cual no todos podemos salir a la misma velocidad. Al otro lado del corazón (Rabbit Hole) muestra cómo una pareja de esposos afronta la muerte prematura de su pequeño hijo e intenta sobrevivir al dolor.

Becca (Nicole Kidman) quiere desaparecer las huellas de su existencia: juguetes, ropa, dibujos. Howie (Aaron Eckhart) intenta aferrarse a esos recuerdos y sentir que su hijo revive a través de los videos que él grabó con la cámara de su celular. Además, Howie intenta encontrar consuelo en un grupo de terapia para padres que han pasado por la misma experiencia que ellos, pero Becca se resiste a recibir sermones religiosos o respuestas complacientes. Ella sabe bien que ninguna palabra de aliento podrá devolverle la vida a su hijo.

El dolor de ambos es tan grande que ninguno sabe bien cómo ayudar al otro, porque no pueden cicatrizar primero sus propias heridas. Las alternativas que cada uno encuentra de hacer catarsis, a escondidas del otro, ponen en riesgo su matrimonio pero los hace soñar con la posibilidad de sentir alivio.

A pesar de que la tristeza sobrevuela el firmamento de esta historia, el director John Cameron Mitchell no se queda sólo en el plano deprimente y le añade a las situaciones más tensas y ásperas un humor irreverente y un fuerte ánimo de lucha, como rutas de escape frente al conformismo.

Nicole Kidman ya ha demostrado que es una de las mejores actrices de su generación, en papeles que le han demandado una gran inmersión emocional (Los otros, Las Horas, Dogville, Birth y un largo etcétera). En Al otro lado del corazón, está impecable como una mujer vulnerable que no sabe cómo escapar del laberinto del sufrimiento. El correcto balance entre intensidad y sutileza que logra en su brillante actuación se evidencia, por ejemplo, cuando intenta fingir ante su familia que no le afecta el embarazo de su hermana.

En el reparto también destacan Aaron Eckhart y Dianne Wiest, quien interpreta a la madre de Becca. Wiest está extraordinaria cuando pronuncia un hermoso monólogo sobre la asimilación del dolor por la muerte de un ser querido.

Al otro lado del corazón toca temas muy sensibles y que podrían caer en el denso campo minado del sentimentalismo, pero felizmente son manejados con tacto, audacia y sobre todo, mucha autenticidad. Sin llegar a ser fatalista, invita a comprender que la vida continúa y que a pesar de que el dolor no desaparece, uno aprende a convivir con él para salir del agujero de la depresión.

Título original: Rabbit Hole
País y Año: Estados Unidos 2010
Director: John Cameron Mitchell
Actores: Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Dianne Wiest, Milles Teller, Tammy Blanchard, Sandra Oh, entre otros.
Calificación: **** 1/2

21 ago. 2011

La cinefilia útil III

Como parte de las muestras paralelas del XV Festival de Cine de Lima, pude ver algunas películas provenientes de Estados Unidos, México, España y Dinamarca.

Estados Unidos

Medianoche en París (Midnight in Paris)
es la más reciente cinta del prolífico director y guionista Woody Allen. Gil (Owen Wilson) es un escritor que viaja a la capital francesa junto a su novia Inez (Rachel McAdams). De día, Inez y sus padres atosigan a Gil con los preparativos de la boda. Pero cuando llega la medianoche, Gil encuentra un atajo hacia la mágica década de 1920 y encuentra en ella nuevas fuentes de inspiración.

Esta comedia romántica es un nuevo triunfo en la gira europea de Woody Allen (después de Match Point y Vicky Cristina Barcelona). Representa una declaración de amor a París, al arte y a la pasión que hace funcionar el motor creador de los artistas. Asimismo, es una hermosa reflexión sobre cómo el vivir añorando e idealizando un pasado mejor, nos impide ver que el presente también puede ser maravilloso y productivo. En el numeroso reparto, que incluye a Kathy Bates, Carla Bruni, Michael Sheen y Adrien Brody, destaca la francesa Marion Cotillard, irresistible en el papel de musa. Calificación: **** 1/2.

México

La otra familia es la historia de Hendrix, un niño de 7 años que es abandonado por su madre drogadicta y rescatado por Ivana, quien lo deja temporalmente en casa de una pareja gay, Jean Paul y Chema. Sin embargo, el novio de la madre de Hendrix pretende vender el niño a un matrimonio que no puede concebir hijos.

Este drama está concebido con buenas intenciones: promover la tolerancia, denunciar el tráfico de menores, mostrar las dificultades que tienen las parejas de gays y lesbianas cuando desean tener hijos. Sin embargo, el director Gustavo Loza se vale de ciertos clichés (como la infaltable súplica a la Virgen de Guadalupe para que solucione todos los problemas) y de un reparto sacado de los foros de Televisa, lo cual le resta credibilidad a su propuesta. Calificación: ** ½.

España

Amador
es un anciano (Celso Bugallo) que queda al cuidado de una inmigrante peruana, Marcela (Magaly Solier). Cuando él muere repentinamente, ella teme quedarse desempleada, así que decide ocultar la noticia de su fallecimiento a la familia de Amador.

Si bien Magaly Solier sigue evolucionando como actriz y resulta efectiva al transmitir la desesperación e ingenuidad de su personaje, sería mejor para ella probar otros papeles más desafiantes. El director español Fernando León de Aranoa, siempre fascinado por los personajes marginales y luchadores, retrata con calidez la interacción entre Marcela y Amador. Asimismo, la aparición de la prostituta Puri alivia la tensión y genera momentos de mucho humor. Sin embargo, la relación de Marcela y su novio Nelson (Pietro Sibille) es un elemento que se siente incompleto y poco trabajado. Calificación: ***.

Dinamarca
En un mundo mejor (Hævnen) cruza los destinos de dos familias fragmentadas. Christian acaba de perder a su madre y este suceso genera en él mucha rabia e impotencia. En el colegio donde es transferido, se hace amigo de Elias, un niño víctima del bullying, cuyo padre es un doctor que trabaja en un campo de refugiados en África.

Esta producción danesa, ganadora del Oscar a la mejor película extranjera en la ceremonia de este año, muestra un paralelo entre la moral de los adultos y sus efectos en el aprendizaje de los niños. También compara los conflictos sociales de Europa y África, cuya resolución no es muy diferente: si te golpean, pega más fuerte. Esta intensa parábola sobre el efecto multiplicador de la violencia y las reacciones destructivas que genera a su paso, es cautivante de principio a fin, aunque en el desenlace se excede un poco en su afán didáctico. Calificación: *** ½.

20 ago. 2011

La cinefilia útil II

Siguiendo con el XV Festival de Cine de Lima, estas son las películas que vi de Uruguay, Argentina, Brasil y Chile.
Uruguay

La vida útil
de Federico Veiroj es la historia de Jorge, quien trabaja desde hace 25 años en la Cinemateca de Montevideo. Por problemas financieros, la institución se ve obligada a cerrar y Jorge tiene que adaptarse al mundo real.

El protagonista es el crítico de cine Jorge Jellinek, quien se luce sobre todo en una escena de antología, en la que da un monólogo sobre la mentira. La vida útil, filmada en blanco y negro, es un homenaje a la pasión que genera el sétimo arte en los cinéfilos y una reflexión sobre la influencia que generan las películas en nuestra vida, cuando se acaba la función y salimos a caminar por el mundo. Calificación: *** ½.

Argentina

Por tu culpa es una película inquietante. Julieta está recién separada de su esposo. Un domingo por la noche ella intenta trabajar en la computadora, mientras sus dos hijos juegan sobre la cama. De pronto, el más pequeño cae al piso y se golpea el brazo. En la clínica, el doctor descubre otros golpes en el cuerpo del niño y sospecha que es maltratado por su madre.

El jurado decidió premiar a Anahí Berneri con el trofeo a la mejor directora del festival, por su destacada dirección de actores y precisa creación de atmósferas tensas. Durante toda la cinta, Berneri mantiene una constante sensación de peligro, como si algún evento terrible estuviera a punto de ocurrir. La protagonista Erica Rivas construye un personaje desconcertado, temeroso y necesitado de afecto. Finalmente, el brazo fracturado del niño es una representación de otras grietas que mantienen a esta familia separada. Calificación: *** ½.

Brasil

Trabajar cansa
muestra a una pareja de esposos afectados por la crisis económica. Otávio (Marat Descartes) es despedido repentinamente y tiene que buscar trabajo. Helena (Helena Albergaria, premiada por el jurado como la mejor actriz) abre un minimarket, pero le cuesta captar clientes y una repentina mancha en la pared se convierte en su obsesión.

La película, dirigida por Marco Dutra y Juliana Rojas, cambia de tono constantemente: de la comedia al terror y del drama al suspenso. Resulta mucho más efectiva cuando retrata con humor una ridícula dinámica grupal o un seminario sobre cómo postular con éxito a un empleo. Sin embargo, la cinta cae en un exceso decepcionante cuando se revela lo que se esconde detrás de la pared del minimarket. Ambas historias pretenden concluir que los hombres seguimos siendo seres primitivos. Calificación: ***.

Chile
La vida de los peces transcurre en una fiesta de cumpleaños. Andrés (Santiago Cabrera) vive en Berlín desde hace 10 años y está de paso por Santiago. Durante la reunión, se reencuentra con viejos amigos y con Beatriz (Blanca Lewin), su ex pareja con la que todavía tiene algunas heridas por cerrar.

El guión (co-escrito por el director Matías Bize) sigue un esquema un tanto repetitivo: Andrés conversa con otro personaje, se despide, intenta irse de la reunión y se vuelve a encontrar con alguien con quien se queda conversando. Sin embargo, donde sí triunfa el guión es en la construcción de diálogos que generan una inmediata identificación con el espectador, primero al recrear el reencuentro de Andrés con sus amigos de toda la vida y luego, al invitarnos a cuestionar aquellas decisiones que giran nuestra vida hacia otra dirección. La fotografía logra transmitir la calidez de una reunión que nos acoge y al mismo tiempo nos causa nostalgia. Calificación: *** ½.

En el próximo post: las películas de las muestras paralelas (Estados Unidos, México, España y Dinamarca).

16 ago. 2011

La cinefilia útil I

En el XV Festival de Cine de Lima, los más pequeños fueron los grandes protagonistas. Muchas de las películas proyectadas se enfocaron en la niñez y los peligros que la acechan: violencia, indiferencia paterna, abandono, etc. Cintas provenientes de Latinoamérica y Europa nos abrieron la puerta a universos paralelos en los que la edad de la inocencia se ve contaminada por un entorno cada vez más hostil.

El jurado de la sección oficial de competencia (ficción) tuvo una presidenta de lujo: la carismática Geraldine Chaplin, digna heredera del legendario Charles Chaplin. Junto con ella, los demás espectadores pudimos apreciar decenas de cintas peculiares e impactantes, que reafirmaron la utilidad de nuestra cinefilia.

Perú

Las malas intenciones está ambientada a inicios de los años 80, cuando el terrorismo comenzaba a carcomer el Perú. Cayetana (Fátima Buntinx) es una niña de 8 años que está celosa del bebé que está esperando su mamá. Ella cree que el día que él nazca, ella morirá.

La directora y guionista Rosario García-Montero recrea con acierto la crisis de una niña que se siente olvidada y nos invita a fantasear con sus históricos amigos imaginarios: los héroes nacionales Olaya, Grau y Bolognesi. La cinta recuerda a la novela de Bryce Echenique Un mundo para Julius por la mirada infantil de un mundo privilegiado, pero frágil y etéreo. Sin dudas, fue la mejor película de la sección oficial de competencia (ficción). Calificación: ****.

Coliseo, de Alejandro Rossi, es la historia de Marcial y Esperanza, dos jóvenes que participan en un concurso de huaylarsh para salvar la carpa de música folklórica en la cual practican sus danzas y que pertenece a los abuelos de Marcial, quienes, a su vez, acogieron a Esperanza cuando era niña.

Lo mejor de esta fallida película son las escenas de danza, en las que el huaylarsh se luce majestuoso. Lamentablemente, los protagonistas Luis Enrique Gastelu y Noelia Ramírez evidencian su inexperiencia actoral y demuestran que su mayor talento es sólo la danza. Incluso actores de respetada trayectoria como Delfina Paredes y Aristótoles Picho se ven obligados a recitar diálogos esquemáticos y forzados en este cuento de hadas de migrantes soñadores. Calificación: **.

Colombia

Los colores de la montaña sigue de cerca a tres niños del campo colombiano: Manuel, Julián y “Poca Luz” (quien recibe este apodo por ser albino y cegatón). El balón de fútbol que a Manuel le regalaron por su cumpleaños, cae accidentalmente en un campo minado y los tres amigos se lanzan a la aventura de rescatarlo.

Mientras que los niños están rodeados de minas antipersonales, sus padres deben lidiar con las guerrillas y los paramilitares. A pesar de que podría haber sido un drama más intenso, el director Carlos César Arbeláez prefiere darle un tono más ligero a esta propuesta pacifista, enfatizando el poder del deporte y el arte (la pintura) como alternativas frente a la violencia. El mayor acierto está en la elección del reparto infantil. Calificación: ***.

En el próximo post: las películas de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay.

16 jul. 2011

Las estaciones de la depresión

Normalmente sólo comento películas que están en la cartelera, pero como en las últimas semanas ésta no ofrece nada interesante, voy a escribir sobre una pequeña joya que vi en DVD y que es una de las mejores cintas que NO se han estrenado este año en nuestras salas de cine.

Another year es la crónica de un año entero en la vida de una pareja de esposos sexagenarios, Tom (Jim Broadbent) y Gerri (Ruth Sheen). A lo largo de las cuatro estaciones del año, este matrimonio feliz recibe la visita de familiares, amigos y compañeros de trabajo que sufren de depresión, tristeza o infelicidad.

El único hijo de la pareja es Joe, un hombre de treinta y pocos años que ve con envidia y melancolía cómo la mayoría de sus amigos ya se han casado, mientras él sigue soltero. Gerri trabaja como terapeuta y una de sus pacientes tiene una severa depresión, pero no quiere afrontar la situación. El hermano de Tom acaba de enviudar y su silencio evidencia un fuerte impacto emocional.

Sin embargo, el personaje más destacado es Mary (Lesley Manville), una compañera de Gerri que está divorciada y se siente sola, por lo que busca afecto desesperadamente, así sea en las personas equivocadas. Los cambios de ánimo de Mary funcionan como una metáfora de las estaciones del año: muta del cálido entusiasmo del verano a la fría depresión del invierno, pasando por los vientos de la melancolía en el otoño.

La actuación de Lesley Manville es sencillamente extraordinaria. A pesar de que su personaje comienza siendo irritante, luego compartimos su terrible sensación de soledad y carencia. La escena final, con la cámara pendiente de ella en todo momento, resulta devastadora.

El director y guionista británico Mike Leigh es especialista en retratar las relaciones humanas de manera aparentemente sencilla, pero con un fuerte trasfondo emocional. Sus diálogos cotidianos y sembrados de inesperado humor negro, así como la descripción de situaciones incómodas parecen extraídos de algún episodio de nuestras propias vidas. De hecho, sus guiones han sido nominados al Oscar en cinco oportunidades, incluyendo Another year.

En su maravillosa cinta previa, La felicidad trae suerte (Happy-Go-Lucky), Leigh mostró el optimismo desbordante de una mujer en un entorno de gente egoísta y hostil. En Another year, en cambio, expone todo lo contrario: el pesimismo de algunos personajes que se sienten estancados en una vida gris y el contraste con la felicidad inalcanzable que los rodea.

Otro tema que aborda Leigh en esta película es el inexorable paso del tiempo y cómo la llegada de nuevas etapas nos produce desconcierto y ganas de aferrarnos al pasado. Pero como demuestra el matrimonio de Gerri y Tom que viven sus años otoñales, cada estación de nuestra existencia merece ser disfrutada y compartida, más aún cuando llega el invierno y congela los ánimos.

Título original: Another year
País y año: Reino Unido 2010
Director: Mike Leigh
Actores: Jim Broadbent, Ruth Sheen, Lesley Manville, Imelda Staunton, Oliver Maltman, Karina Fernández, David Bradley, entre otros.
Calificación: **** 1/2

7 jul. 2011

Terror surreal

La casa muda es una película uruguaya que se promociona como “terror real en tiempo real”, porque según sus realizadores ha sido filmada en una sola toma, sin cortes de edición. Más allá de la discutible veracidad de esa afirmación, la cinta genera interés por otros motivos.

Laura (Florencia Colucci) y su padre Wilson (Gustavo Alonso) son contratados para refaccionar una vieja casa de campo, cuyo dueño (Abel Tripaldi) planea poner a la venta. La indicación es que pasen la noche en el primer piso de la vivienda y que comiencen los trabajos a la mañana siguiente. Al oír unos ruidos extraños que provienen de arriba, Laura se angustia y despierta a su padre, quien sube a ver qué ocurre.

A partir de entonces, comenzamos a aceptar las convenciones del género de terror. Una mujer se queda sola, atrapada y desesperada en una casa que no tiene luz eléctrica y que representa una amenaza mortal. Se multiplican las señales que nos advierten sobre la presencia de un ente maligno. ¿Se tratará un asesino en serie? ¿Serán zombies, fantasmas o aliens? La duda nos persigue mientras la heroína intenta escapar con vida de la casa maldita.

El director Gustavo Hernández sabe cómo construir el suspenso y mantenerlo latente por lo menos en los dos primeros tercios de la película. La oscuridad de la casa acrecienta nuestra ansiedad y el trabajo de cámara resulta meritorio, pues con muy poca luz tienen que mostrarnos, en los momentos precisos, los elementos que van armando el rompecabezas.

Sin embargo, en el tercio final de la película un giro inesperado nos obliga a replantear todas las escenas que hemos visto hasta entonces. El cambio de timón nos sacude y confunde, hasta que intentamos interpretar las motivaciones detrás de los hechos y descubrimos que, bajo el nuevo escenario, muchos de los sucesos iniciales carecen de lógica.

Durante los créditos finales y en una escena posterior a estos, aparecen otras evidencias que guían a los espectadores con vocación de investigador o detective hacia nuevas hipótesis. Para aquellos que disfrutan del género de terror, La casa muda es una experiencia casi surreal que destaca más por su osadía y buen uso de pocos recursos, que por la (in)consistencia del guión.

Título original: La casa muda
País y año: Uruguay 2010
Director: Gustavo Hernández
Actores: Florencia Colucci, Abel Tripaldi, Gustavo Alonso y María Salazar.
Calificación: ***

25 jun. 2011

La belleza de la complejidad humana

En la producción hispano-mexicana Biutiful, Javier Bardem interpreta a Uxbal, un hombre que enfrenta la inminencia de la muerte al saber que padece una enfermedad en fase terminal. Mientras intenta aceptar su final, tiene que resolver el futuro de sus negocios ilegales y el destino de sus dos pequeños hijos.

La vida de Uxbal está sujetada por varias cuerdas tensas. Su esposa Marambra (Maricel Alvarez) padece de trastorno bipolar y, lejos de ayudarle en la crianza de sus hijos, se vuelve una hija más. Por otro lado, los inmigrantes chinos y senegaleses con los que hace negocios viven en condiciones extremas y su supervivencia depende en buena medida de las maniobras que pueda hacer Uxbal.


El director mexicano Alejandro González Iñárritu suele exponer de manera descarnada el sufrimiento humano (21 gramos, Babel). Biutiful es una nueva demostración de dolor extremo, pero también del amor paternal que motiva a Uxbal a aferrarse a la vida. Las escenas en las que cena y conversa con sus hijos nos llevan de la liviana ternura al peso de la resignación.

Quizás como Iñárritu está acostumbrado a contar múltiples historias paralelas (característica que inició con su ópera prima Amores Perros), aquí también intenta abarcar muchos temas y eso termina afectando el conjunto. Las historias de los migrantes, por ejemplo, ocupan más metraje del necesario y su impacto es reducido.

Por otro lado, la cinta también decae cuando se interna en el fantasioso terreno de lo sobrenatural. Uxbal puede hablar con los muertos e incluso imagina que estos están colgados del techo, lo que desentona con el resto de la cinta.

Sin duda, el mayor atractivo de Biutiful es la magistral actuación de Javier Bardem, uno de los intérpretes más notables y versátiles que le ha dado España al mundo. Esta película le hizo ganar el premio al mejor actor en el Festival de Cannes 2010 y le valió una nominación al Oscar 2011 (perdió frente a Colin Firth). Su compenetración con el personaje nos transmite al mismo tiempo la desesperación de morir y el instinto de protección de nuestros seres queridos. Resume la belleza de saber que los seres humanos somos complejos, pero finalmente pasajeros en tránsito.

Título original: Biutiful
País y año: México y España 2010
Director: Alejandro González Iñárritu
Actores: Javier Bardem, Maricel Alvarez, Guillermo Estrella, Hanaa Bouchaib, Eduard Fernández, entre otros.
Calificación: ***

12 jun. 2011

El orgullo mutante

Después de una fallida tercera parte y una olvidable película dedicada exclusivamente a Wolverine, la saga X-Men regresa con el ADN rejuvenecido para mostrarnos los orígenes de sus principales líderes: el profesor X y Magneto, antes de que se conviertan en rivales.

X-Men: Primera Generación (X-Men: First Class) nos transporta a los campos de concentración del Holocausto, donde el niño Erik Lehnsherr es manipulado por su capacidad para atraer y retorcer metales. Años más tarde, Erik busca vengarse de los asesinos de sus padres y, en su camino, se encuentra con Charles Xavier, un experto en telepatía recién graduado de la Universidad de Oxford, quien está publicando su tesis sobre la mutación.

Erik y Charles se convierten en aliados de la CIA, ya que tienen un poderoso enemigo en común: Sebastian Shaw (Kevin Bacon), otro mutante que posee la capacidad de absorber energía. En ese proceso, los dos bandos reclutan a varios mutantes jóvenes para unirse en un enfrentamiento que ocurre en paralelo con la Guerra Fría.

Esta película sigue una estrategia similar a la de Batman inicia y Casino Royale: contar el origen de sus protagonistas, ahondando en su perfil psicológico y en los momentos de quiebre que los estimulan a convertirse en héroes o vengadores. En este caso, los traumas de Erik son el combustible que lo anima a saciar su sed de venganza, mientras que Charles utiliza su liderazgo y poder de convencimiento para formar a las generaciones más jóvenes de mutantes.

El casting no podría ser más acertado. El actor alemán Michael Fassbender (300, Bastardos sin Gloria) le inyecta a Magneto una profunda carga dramática y una vehemencia inoxidable. James McAvoy (El último rey de Escocia, Expiación) le imprime carisma y empatía a la versión juvenil del Profesor X. Jennifer Lawrence (nominada al Oscar este año por Lazos de Sangre) muta de la inseguridad al orgullo en la piel de la camaleónica Mystique.

Justamente, X-Men: Primera Generación retoma y potencia algunos temas que ya habían aparecido en películas anteriores de la saga: la aceptación de las minorías y el orgullo de saberse diferente y único. Ese mensaje de tolerancia funciona mejor que el subtexto político de la Guerra Fría y los gastados mensajes televisados de John F. Kennedy.

11 años después del estreno de la película X-Men, esta precuela revitaliza la saga gracias a espectaculares efectos visuales, sólidas actuaciones y un guión que sabe cómo generar tensión a partir de diálogos precisos y sutiles.

Título original: X-Men: First Class
País y año: Estados Unidos 2011
Director: Matthew Vaughn
Actores: James McAvoy, Michael Fassbender, Kevin Bacon, Jennifer Lawrence, January Jones, Rose Byrne, Nicholas Hoult, entre otros.
Calificación: *** 1/2

4 jun. 2011

La resaca de lo vivido

Hace dos años, la comedia ¿Qué pasó ayer? (The Hangover) fue un inesperado éxito de taquilla y de crítica. La ingeniosa crónica de tres amigos que despiertan con una resaca infernal en Las Vegas, sin recordar nada de lo que pasó la noche anterior, fue celebrada por su espíritu festivo, atrevido, mordaz y tóxicamente divertido. Incluso ganó el Globo de Oro a mejor película del año en la categoría comedia/musical.

¿Qué pasó ayer? Parte II reúne al mismo grupo de amigos en una alocada despedida de solteros, que se transforma a la mañana siguiente en la búsqueda de una persona desaparecida. Esta vez, el escenario elegido para la juerga extrema es Bangkok, Tailandia, una ciudad más salvaje y peligrosa que Las Vegas.

Las coincidencias con la primera película son tantas que hasta cierto punto uno se pregunta si esto realmente es una secuela o es más bien un remake de la anterior. El director Todd Phillips juega a lo seguro y no corre riesgos: repite la misma fórmula ganadora de su guión original, recreando escenas y situaciones bastante similares.

Sin embargo, dentro de las pocas novedades, encontramos un par de elementos interesantes. De hecho, quien causa gran parte de las carcajadas es un pequeño mono que fuma compulsivamente y es usado como traficante de drogas. También funciona muy bien la presencia de un monje budista que sabe lo que pasó la noche anterior, pero no les puede decir nada porque hizo un voto de silencio desde niño.

Del trío de protagonistas, el personaje más interesante sigue siendo Alan (Zach Galifianakis), el obeso rebelde que es capaz de todo por proteger a su manada de amigos y que, a pesar de su comportamiento infantil, defiende sus argumentos con una solemnidad de mártir. Es imposible no quererlo, a pesar de sus estupideces.

La secuela de ¿Qué pasó ayer? deja, a su vez, ciertas secuelas en el espectador que podrían parecerse a las de una resaca: los recuerdos se mezclan con las alucinaciones de lo que podría haber pasado si se evitaran los excesos, los mejores momentos nos hacen reír y los peores nos invitan a no caer en la tentación de repetir lo mismo. Dos juergas idénticas ya fueron suficientes.

Título original: The Hangover Part II
País y Año: Estados Unidos 2011
Director: Todd Phillips
Actores: Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Keon Jeong, Justin Bartha, Paul Giamatti, Mike Tyson, entre otros.
Calificación: ** 1/2

19 may. 2011

30 Clásicos de Cannes: 2001 – 2010

Cada año en el mes de mayo, la Costa Azul francesa se convierte en el epicentro del mayor movimiento cinematográfico en el mundo. El Festival de Cannes, el más prestigioso y codiciado, reúne a los mejores autores del cine contemporáneo, descubre a nuevos talentos y marca la pauta de lo que los cinéfilos veremos el resto del año.

De las decenas de películas que se proyectan anualmente en el festival, quisiera rescatar 30 títulos muy recomendables que durante la última década se dieron a conocer primero en Cannes y luego deslumbraron al resto del mundo.

2001: La Palma de Oro (el premio a mejor película otorgado por el jurado) fue para la conmovedora cinta italiana La habitación del hijo (La Stanza del figlio). También se estrenaron dos obras maestras: el fantástico musical Moulin Rouge! de Baz Luhrmann y la hipnótica Mulholland Dr. de David Lynch.

2002: La Palma de Oro fue para El pianista, el drama del Holocausto dirigido por Roman Polanski. También fueron parte de la competencia oficial el impactante documental Bowling for Columbine de Michael Moore y About Schmidt de Alexander Payne, con la genial actuación de Jack Nicholson.

2003: Se estrenó la extraordinaria Dogville, dirigida por el controvertido danés Lars von Trier y protagonizada por Nicole Kidman. Además se proyectaron Río Místico de Clint Eastwood y la brasileña Carandiru de Hector Babenco.

2004: La Palma de Oro fue para el documental Fahrenheit 9/11 de Michael Moore, que desnudó los verdaderos intereses de George W. Bush en Afganistán e Irak. Otros estrenos memorables fueron: Diarios de motocicleta de Walter Salles, que mostraba el recorrido del Che Guevara por Sudamérica; y Shrek 2, la divertida secuela de la saga del ogro verde.

2005: El premio al mejor director fue para Michael Haneke por la perturbadora película Escondido (Caché). Otras cintas notables fueron: Una historia violenta de David Cronenberg y Flores Rotas de Jim Jarmusch.

2006: Fue un año extraordinario para el cine en español. La obra maestra Volver de Pedro Almodóvar se llevó dos premios: mejor guión y mejor actriz (para todo el elenco femenino, desde Penélope Cruz hasta Carmen Maura pasando por Lola Dueñas). Dos mexicanos presentaron fábulas inolvidables: Alejandro González Iñárritu estrenó Babel y Guillermo Del Toro nos llevó de paseo por El laberinto del fauno.

2007: La cautivadora cinta francesa El llanto de la mariposa recibió el premio al mejor director para Julian Schnabel. También estuvieron en competencia dos películas que tienen en común la presencia de asesinos difíciles de atrapar: Sin lugar para los débiles de los hermanos Coen y Zodiaco de David Fincher.

2008: Sudamérica tuvo muy buenos representantes. Argentina presentó dos títulos en competencia: la brillante Leonera de Pablo Trapero (que ese mismo año se llevó el premio a mejor película en el Festival de Cine de Lima) y la inquietante La mujer sin cabeza de Lucrecia Martel. También se estrenó Ceguera del brasileño Fernando Meirelles.

2009: La Palma de Oro fue para La Cinta Blanca de Michael Haneke, un macabro relato que mostraba la crueldad de unos niños alemanes. Ese año dos reconocidos directores añadieron nuevos títulos a su galería de clásicos: Quentin Tarantino reinterpretó la Segunda Guerra Mundial en Bastardos sin Gloria y Pedro Almodóvar le declaró su amor al cine en Los Abrazos Rotos.

2010: De las películas en competencia oficial sólo he visto la argelina Outside the Law (Hors-la-loi), sobre tres hermanos que luchan por la independencia de su país. En la sección paralela Una cierta mirada, destacaron la argentina Carancho de Pablo Trapero y la peruana Octubre de los hermanos Daniel y Diego Vega.

Este año el Festival de Cannes va desde el 11 hasta el 22 de mayo. Entre los títulos más prometedores de la sección oficial están: La piel que habito de Pedro Almodóvar, Habemus Papam de Nanni Moretti, The Tree of Life de Terrence Malick, Melancholia de Lars von Trier y la aclamada We need to talk about Kevin de Lynne Ramsay. ¿Cuáles de ellas se convertirán en clásicos? ¿Cuál conquistará al jurado compuesto por personalidades como Robert De Niro, Uma Thurman, Jude Law y Martina Gusmán? Pronto lo sabremos.

22 abr. 2011

El viaje de los que sobran

Dos comedias recientemente estrenadas nos llevan de paseo por los exóticos confines del relajo y el absurdo. La primera escala es en Rio de Janeiro, Brasil. La segunda, en Hawái, Estados Unidos. Desabróchense los cinturones.

Postales brasileñas

Blu es un guacamayo azul domesticado que viaja junto a su dueña desde la helada Minnesota hacia la cálida Rio de Janeiro para conocer a Perla, la última hembra sobreviviente de su especie. Por ser aves tan exóticas, caen en las garras de una cacatúa inescrupulosa, que forma parte de una banda de traficantes. Su sueño de libertad se complica porque el tímido Blu ni siquiera sabe volar.

Rio es la nueva cinta animada de Blue Sky Studios y Twentieth Century Fox Animation, el mismo equipo que produjo La era de hielo. Al igual que en esa trilogía, Rio alza vuelo entre el humor, la aventura, el romance y el desesperado intento de los animales por sobrevivir a la extinción. Sólo que ahora lo hacen a ritmo de samba.

El gran acierto de Rio está en incorporar coloridos y vistosos números musicales (como la deslumbrante escena inicial), que transmiten la desbordante energía del país carioca. Sin embargo, en el afán de utilizar los más conocidos referentes brasileños, todos los personajes de la cinta aparecen mágicamente en el desfile de carros alegóricos del carnaval, de manera forzada y poco imaginativa. Por supuesto, el espectáculo también incluye un recorrido por las favelas y se muestra la pasión por el fútbol.

Es lamentable que no se haya estrenado la versión subtitulada de esta cinta, porque en el reparto original cuenta con un gran elenco, entre quienes destacan las voces de Jesse Eisenberg (Red social), Anne Hathaway, Rodrigo Santoro, Jaime Foxx, Will.i.am, Jane Lynch, entre otros.

Título original: Rio
País y año: Estados Unidos 2011
Director: Carlos Saldanha
Con las voces de: Jesse Eisenberg, Anne Hathaway, Rodrigo Santoro, Jaime Foxx, entre otros.
Calificación: ***

Miento, luego seduzco

Jennifer Aniston y Adam Sandler son dos rostros bastantes reconocibles de la comedia en Estados Unidos. Ella está encasillada en las comedias románticas, en las que suele repetir el mismo personaje de chica dulce que termina enamorándose en contra de su voluntad (Mi novia Polly, El caza recompensas, Loco por ella). Sandler, en cambio, está especializado en personajes más bien vulgares o con alma de bufón (Un papá genial, Click, No te metas con Zohan).

La comedia que los une se llama Una esposa de mentira (Just go with it). Sandler interpreta a Danny, un cirujano plástico acostumbrado a engañar a las chicas que quiere conquistar, haciéndoles creer que es casado pero infeliz en su matrimonio. La táctica le funciona muy bien hasta que conoce a Palmer (Brooklyn Decker), quien exige conocer a la esposa de la cual supuestamente se está separando. Como ésta no existe, Danny le pide a su asistente Katherine (Aniston), que se haga pasar por su ex. Una mentira lleva a la otra y Danny termina viajando con Palmer y toda la familia de Katherine a Háwai.

Uno ya sabe qué esperar de estas comedias románticas que tienen el mismo esquema de enamoramiento inesperado – desilusión pasajera – reconciliación. Lo que las diferencia son las situaciones diseñadas para entretener y si es posible, reír. En Una esposa de mentira hay muchas situaciones hilarantes que sirven para disimular la ridiculez del guión.

El reparto nos depara dos sorpresas agradables. En un pequeño papel, destaca Nicole Kidman como Devlin, una antigua compañera de Katherine que tiene un complejo de superioridad y una lengua ponzoñosa. También se luce Bailee Madison como la hija de Katherine, una niña que sueña con ser actriz y que habla con acento británico para impresionar. Menos acertados están Aniston y Sandler, quienes repiten su registro habitual, lo que provoca que sus actuaciones se sientan mecánicas y algo desganadas.

Título original: Just go with it
País y año: Estados Unidos 2011
Director: Dennis Dugan
Actores: Adam Sandler, Jennifer Aniston, Brooklyn Decker, Nicole Kidman, Bailee Madison, Griffin Gluck, Dave Matthews, entre otros.
Calificación: ** 1/2

23 mar. 2011

Males necesarios

Round 1. En una esquina, Micky Ward (Mark Wahlberg) lucha por ser el campeón en la categoría de peso mediano, a pesar de que viene perdiendo varias peleas. En la otra esquina, su medio hermano Dickie Eklund (Christian Bale), es un boxeador retirado que ahora es un adicto al crack y también es el entrenador de Micky.

Round 2. A un costado del cuadrilátero, la madre de ambos, Alice (Melissa Leo) maneja la carrera de Micky como antes lo hizo con Dickie. Alice siempre ha mostrado una abierta preferencia por su hijo mayor, lo cual aumenta la inseguridad de Micky. A pesar de que él admira a su hermano, también siente una enorme presión debido a las comparaciones.

El peleador (The Fighter) sigue una ruta similar a la de otras cintas dedicadas al box, como Rocky o Million Dollar Baby. En todos los casos, tenemos un protagonista que desafía su suerte de perdedor mientras combate sus propios problemas personales. En el caso de Micky, la complicada relación con su familia es como un guante que a veces lo defiende del ataque del oponente y otras veces lo golpea a sí mismo.

Al igual que ocurrió con esas dos cintas memorables, la Academia también cayó rendida ante los encantos de El Peleador, aunque no por knock out. Recibió siete nominaciones al Oscar, incluyendo mejor película y director. Pero sólo se alzó con dos trofeos, en las categorías de actores secundarios.

Christian Bale (Oscar al mejor actor de reparto) luce irreconocible como Dickie. Más conocido por su rol de Batman en Batman inicia y El caballero de la noche, Bale logra una soberbia interpretación del decrépito boxeador que cree estar de regreso cuando en realidad está cada vez más consumido en su propia autodestrucción.

Melissa Leo (Oscar a la mejor actriz de reparto) le confiere a Alice una mezcla de gracia y cinismo, matizada con su falta de escrúpulos. Ella es la dominante matriarca de un clan que también incluye a siete hijas buenas-para-nada; de modales vulgares; melenas teñidas y estáticas por la laca; y los puños listos para derribar a todo aquel que les lleve la contra.

Quien también fue nominada en la categoría de mejor actriz de reparto fue Amy Adams, quien abandona su estereotipo de chica ingenua para meterse en la piel de la atrevida Charlene, la novia de Micky quien a veces parece más su traductora: expresa en voz alta lo que a él le cuesta exteriorizar. El punto débil de la película está justamente en el personaje de Micky, a quien le cuesta tomar sus propias decisiones porque los demás se reparten esa responsabilidad.

El peleador pudo ser sólo una película deportiva con mensaje inspirador, pero se atreve a ser más que eso. Sale triunfante gracias a su formidable elenco y al peculiar retrato de una familia compuesta de males necesarios.

Título original: The Fighter
País y año: Estados Unidos 2010
Director: David O. Russell
Actores: Mark Wahlberg, Christian Bale, Melissa Leo, Amy Adams, entre otros.
Calificación: *** 1/2

5 mar. 2011

La radio mató a la estrella de Internet

La temporada de premios comenzó celebrando el poder de Internet y de cómo el origen de Facebook cambió nuestra manera de interactuar. Red Social se llevó 30 premios a mejor película, incluyendo el Globo de Oro y casi todos los reconocimientos de la crítica en Estados Unidos.

Sin embargo, en el Oscar, la Academia prefirió inclinarse por una cinta que celebra el poder de la radio y de cómo las palabras pueden unir a los seres humanos. El discurso del rey se llevó 4 Oscar: mejor película, director (Tom Hooper), actor (Colin Firth) y guión original.

El mejor discurso


De estos cuatro premios, el más merecido sin duda es el de Firth, quien estaba predestinado a dar el mejor discurso de la noche. Lo más memorable fue su mención a “unos movimientos abdominales que amenazan con convertirse en pasos de baile” y su agradecimiento a su esposa por “soportar mis delirios de realeza”.

Los mejores triunfos

Red Social, por su parte, recibió tres Oscar muy merecidos: mejor guión adaptado, edición y partitura original. Sin embargo, me hubiese gustado que se lleve también los premios de mejor película y mejor director (David Fincher).

Otros premios en los que sí estuve totalmente de acuerdo son:


* Mejor actriz: Natalie Portman por El cisne negro. Nicole Kidman (Rabbit Hole) y Annette Bening (The Kids are All Right) estuvieron notables, pero Portman tuvo un papel más demandante física y emocionalmente.

* Mejor película animada: Toy Story 3. Pixar se lleva el premio por cuarto año consecutivo por una sencilla razón: son los mejores.

* Mejores efectos visuales: El Origen (Inception). Es un justo reconocimiento para una estilizada cinta de ciencia ficción que construyó mundos virtuales fascinantes.

El mejor presentador


Cuando Kirk Douglas apareció en el escenario para presentar el Oscar a mejor actriz de reparto, el auditorio Kodak se puso de pie para aplaudir al legendario y nonagenario actor. Tuvo más gracia que los propios anfitriones, jugó con su bastón y supo alargar el suspenso al abrir el sobre con el nombre de la ganadora, cuando con absoluto desparpajo empezaba a contar más de una vez “You know…”. ¡Espartaco, sigues siendo un héroe!

Los maestros sin escuela


En un evidente intento por captar la atención del público adolescente, los productores del show optaron por contratar a una pareja de jóvenes actores como maestros de ceremonias: Anne Hathaway y James Franco. Mientras ella nos intentaba conquistar con su sonrisa de princesa y su entusiasmo desbordante, el pobre James lucía bastante desganado y desorientado, como si siguiera atrapado entre las rocas de su película 127 Horas.

A pesar de que hubo premios muy merecidos, el espectáculo transmitió la sensación de ser un sueño repetido o una película con guión predecible. Como los ganadores fueron los mismos de otras premiaciones, ni siquiera se esmeraron en fingir sorpresa (salvo por la procaz Melissa Leo) y por eso la mayoría de discursos carecieron de la vibrante energía que hemos visto otros años. Así como la radio mató a la estrella de Internet, la falta de emoción (casi) mató a la ceremonia.

27 feb. 2011

Pánico en Palacio

En el colegio, la universidad o la oficina, todos hemos sido testigos de alguien que sufre al hablar en público. Conocemos los síntomas: ataques de pánico, sudor en las manos, bloqueo mental. La situación se agrava cuando además se padece de tartamudez. Si para un simple mortal, la situación puede ser aterradora; entonces la vida debió ser una pesadilla para el Rey George VI de Inglaterra, el protagonista de El discurso del rey (The King's Speech).

Esta cinta británica nos muestra los infructuosos intentos de George VI (Colin Firth) por vencer este problema, hasta que su esposa Elizabeth (Helena Bonham Carter) conoce al especialista Lionel Logue (Geoffrey Rush). Con técnicas poco ortodoxas, Logue busca ayudar a George en momentos decisivos para Inglaterra: la muerte del Rey George V, la coronación de sus dos hijos y el comienzo de la Segunda Guerra Mundial.

El discurso del rey es una cinta de cambio y aprendizaje. George patalea y se desespera, quiere decir muchas cosas, pero las palabras se quedan atracadas en la punta de la lengua. Se siente minimizado ante la presencia de su padre y su hermano, quienes le producen cierta ansiedad. Pero lo quiera o no, tiene que superar esos obstáculos si quiere gobernar.

Lionel es un actor frustrado que sin embargo, utiliza su histrionismo para curar a sus pacientes. A pesar de ser un plebeyo que se toma la confianza de tutear a George y de entrometerse en su vida privada, surge una sólida amistad que supera las barreras sociales y levanta las cejas de los sectores más tradicionales del entorno real.

La mayor fortaleza de El discurso del rey está en la calidez con que retrata la relación entre el rey y su terapeuta. Humaniza a sus personajes hasta que sean palpables. Colin Firth y Geoffrey Rush están excepcionales y saben complementarse para dejar que cada uno brille cuando debe hacerlo. Mientras el primero nos involucra en sus temores y angustias, el segundo nos transmite confianza y seguridad.

La superación de la adversidad es un tema recurrente en el cine. Algunas veces se hace con excesivo sentimentalismo, pero en este caso se recortan los excesos para filtrar una emoción que se siente genuina y contagiosa. El clímax es emotivo, aunque no sea inesperado.

Sus 12 nominaciones al Oscar, más los triunfos en los Sindicatos de Productores, Directores y Actores de Hollywood la coronan como la gran favorita para esta noche. Si bien es una cinta hecha con pulcritud y elegancia, personalmente prefiero Red Social y Toy Story 3 entre las 10 nominadas a mejor película. De todos modos, celebraré cuando Colin Firth gane el premio al mejor actor. Dudo que sufra ataques de pánico al dar su esperado discurso, el primero como soberano indiscutible de la gran pantalla.

Título original: The King's Speech
País y año: Reino Unido 2010
Director: Tom Hooper
Actores: Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, Guy Pearce, Michael Gambon, entre otros.
Calificación: ****

19 feb. 2011

El cercano Oeste

El western es uno de los géneros más clásicos del cine. Pasada la era dorada que tuvo como máximo exponente a John Wayne, empezó su decadencia hasta llegar casi a la agonía. Ahora los hermanos directores Ethan y Joel Coen le practican un electroshock al género con su nueva cinta Temple de acero (True Grit).

En algún lugar del Lejano Oeste, Mattie Ross (Hailee Steinfeld) es una niña de 14 años que busca vengarse del hombre que mató a su padre. Para encontrarlo, cuenta con la ayuda del comisario Rooster Cogburn (Jeff Bridges) y el “Ranger” LaBoeuf (Matt Damon), con quienes se introduce en territorio indio en busca del asesino.

Mattie es una chica adelantada a su tiempo. Sabe negociar de igual a igual con los adultos, no se amilana ante nadie y persigue la terca obsesión de que se haga justicia. En un entorno de hombres armados que siempre la subestiman, ella esquiva las balas y saca a relucir sus agallas en las situaciones más extremas.

La debutante Hailee Steinfeld ha sido nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto por su afilada interpretación de Mattie. Es absurdo incluirla en esa categoría cuando ella es la protagonista, pero la Academia suele nominar a los actores menores de edad en las categorías secundarias (como ocurrió con Haley Joel Osment por El Sexto Sentido). De todos modos, celebro que reconozcan a esta actriz revelación, quien se gana la simpatía de la audiencia desde el inicio y logra imponerse frente a actores más veteranos como Bridges o Damon.

Temple de acero es una película producida, dirigida, escrita y editada por los prolíficos hermanos Coen. Tiene la clásica ironía que caracteriza sus guiones (como en las comedias Quémese después de leerse o Un Hombre Serio). Otro elemento reconocible de su filmografía es la tensa confrontación entre personajes arquetípicos enfrentados a un destino inevitable (como en su obra maestra Sin lugar para los débiles).

Quizás se hubiera esperado una resolución del conflicto menos apresurada, pero igual la película es una aventura memorable. Entre las escenas más valiosas destaca la inolvidable imagen del jinete disfrazado de oso y el viaje final que realizan Cogburn y Mattie a caballo. En esa y en todas las escenas nocturnas, la fotografía nos regala planos de una belleza impresionante. El Lejano Oeste luce ahora más cercano y rejuvenecido.

Título original: True Grit
País y año: Estados Unidos, 2010
Directores: Ethan y Joel Coen
Actores: Hailee Steinfeld, Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper, entre otros.
Calificación: ****

15 feb. 2011

Halago de los cisnes

Nina (Natalie Portman) sólo quiere ser perfecta. Esta frase, repetida a lo largo de El cisne negro (Black Swan), sirve para recordarnos que su perfeccionismo es una obsesión constante y creciente. Pero también peligrosa.

El ballet de Nueva York planea estrenar una nueva versión de la clásica obra El lago de los cisnes. El director francés Thomas (Vincent Cassel) ve en Nina a la bailarina perfecta para representar el papel del cisne blanco: frágil, contenida, virginal. Pero le preocupa si ella también podrá interpretar al cisne negro: seductor, dominante, avasallador.

Todas estas características, que a Nina le cuesta exteriorizar, son parte inherente de la naturaleza de Lily (Mila Kunis), otra bailarina del elenco. Nina se siente amenazada ante la presencia de Lily pero al mismo tiempo no puede escapar a su magnetismo.

El cisne negro es un adictivo juego de seducción. Por un lado Thomas se porta como un depredador con sus bailarinas y ellas coquetean entre sí. Además, Nina se ve obligada a explorar su sexualidad para entender mejor su personaje. Al salir de sus propios límites, Nina lucha por liberarse pero la camisa de fuerza es cada vez más pesada.

Natalie Portman nació para interpretar a Nina. Su valiente actuación le demanda zambullirse en un lago cargado de emociones intensas. Es un trabajo impecable que ya la ha hecho ganadora del Globo de Oro, del premio del Sindicato de Actores y del BAFTA (Academia Británica). El Oscar es el siguiente paso de baile.

Las otras actrices del elenco también son aciertos de casting. Barbara Hershey interpreta a la sobreprotectora y controladora madre de Nina, una ex bailarina que intenta cumplir sus frustrados sueños de juventud a través de su hija. Mila Kunis le imprime a Lily una sensualidad venenosa. Y Winona Ryder es Beth, la bailarina que está a punto de retirarse y se niega a sentirse reemplazada.

Darren Aronofsky es un talentoso director de actores. Lo que logró con Ellen Burstyn en Réquiem por un sueño, Mickey Rourke en El luchador y ahora Natalie Portman en El cisne negro, fue moldear actuaciones extraordinarias que definieron los puntos más altos en la carrera de sus intérpretes.

Sin embargo, Aronofsky también es propenso a los excesos. En El cisne negro crea una atmósfera de suspenso y le añade elementos de terror y fantasía, pero de una manera tan tosca que termina contaminando con petróleo las plumas del cisne. Tampoco ayuda que el final sea exactamente igual al de otra película suya. Mientras algunos creen que ambas obras se complementan, a mí me parece un efecto repetitivo.

El cisne negro es un animal hermoso, pero herido. No es una película perfecta, pero la entrega de Natalie Portman sí lo es.

Título original: Black Swan
País y año: Estados Unidos 2010
Director: Darren Aronofsky
Actores: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Barbara Hershey, Winona Ryder, Benjamin Millepied, entre otros.
Calificación: *** 1/2

5 feb. 2011

Brillo prestado

Cuando las cantantes pop intentan incursionar en la actuación, los resultados pueden ser decepcionantes. Madonna, Jennifer Lopez, Britney Spears y Mariah Carey no lograron repetir en el cine el mismo éxito que tuvieron en la música, haciéndose acreedoras todas ellas del Razzie a la peor actriz. Ahora es el turno de Christina Aguilera, quien protagoniza el musical Noches de encanto (Burlesque).

Ali (Aguilera) deja su monótona vida en Iowa para trasladarse a Los Angeles, en busca de cumplir su sueño de ser cantante. El destino (o mejor dicho, los atajos de un guión trillado) la llevan a conocer el club Burlesque, justo en el preciso instante en que su dueña Tess (Cher) canta “Welcome to Burlesque” rodeada de sensuales bailarinas enfundadas en corsé.

Como todas las heroínas soñadoras y tercas, la vehemente Ali está decidida a subir al escenario para cantar, bailar y de paso, seducir al barman. Cuando finalmente lo consigue, se enfrenta a la egocéntrica Nikki, bailarina principal del elenco.

Este argumento gastado y predecible parecía presagiar que Noches de encanto sería una nueva versión de Showgirls, ese clásico de los 90s que mostraba la rivalidad de unas bailarinas nudistas en Las Vegas y que casi sepultó la carrera de su protagonista Elizabeth Berkley (Salvado por la campana). Sin embargo, Noches de encanto reemplaza las potenciales tensiones eróticas por una imagen mucho más inofensiva e ingenua.

Las escenas musicales tienen un brillo y dinamismo que recuerdan a los videoclips de Aguilera. Por otro lado, una referencia obvia a otros musicales se siente en la canción “Diamonds Are a Girl's Best Friend” (interpretada por primera vez en cine por Marilyn Monroe en Gentlemen Prefer Blondes). Las bailarinas intentan imitar el desenfado de Satine (Moulin Rouge!) en “Sparkling diamonds” y Ali fantasea que ella canta parte de la canción sobre el escenario, al igual que Roxie Hart (Chicago) en “All that jazz”.

Sin embargo, hay otras canciones que tienen una personalidad propia y elevan el nivel de la película. La mejor es la emotiva balada “You Haven't Seen The Last Of Me”, interpretada por Cher como un combativo canto de resistencia y perseverancia. Cher es una de las pocas cantantes que sí logró tener éxito en el cine, llegando a ganar el Oscar por Hechizo de luna (Moonstruck) en 1988. Noches de encanto le ha valido, en cambio, una injusta nominación al Razzie a la peor actriz de reparto. De hecho, lo más rescatable del elenco son ella y Stanley Tucci, quien interpreta al vestuarista del club.

Por su parte, Christina Aguilera no sale mal parada. Su portentosa voz es su principal arma y atributo. En las escenas no musicales, se esfuerza por ser convincente, pero no siempre lo logra. No es su culpa. El guión tiene algunos diálogos lamentables que sólo sirven para desear que comience ya la siguiente canción.

Título original: Burlesque
País y año: Estados Unidos 2010
Director: Steve Antin
Actores: Christina Aguilera, Cher, Cam Gigandet, Stanley Tucci, Eric Dane, Kristen Bell, Julianne Hough, Alan Cumming, entre otros.
Calificación: ** 1/2