25 dic. 2012

El anillo ha perdido brillo

Asistir a una función de El Hobbit: Un viaje inesperado es como reencontrarse con unos viejos amigos que ahora tienen nuevos compañeros: aunque se intente revivir la magia de épocas pasadas, las buenas intenciones de hoy palidecen frente a los buenos recuerdos de ayer.

Esta es la primera parte de una trilogía ambientada 60 años antes de El Señor de los Anillos. Aunque al principio se resiste, el hobbit Bilbo Bolsón, se embarca en una gran aventura junto al mago Gandalf y trece enanos, a quienes debe ayudar a recuperar el reino de Erebor, que fue invadido por el dragón Smaug. Este viaje los lleva a atravesar el país de los elfos y los bosques de los trolls. Durante la travesía, Bilbo encuentra el hipnótico anillo que cambiará su vida.


Es inevitable entusiasmarse con la aparición de personajes emblemáticos de la saga de El Señor de los Anillos, como Gandalf, Gollum, Frodo, Galadriel y Saruman, pues son ellos quienes le dan interés y emoción a la cinta. En contraparte, el protagonista Bilbo (Martin Freeman) es un héroe sin convicción ni carisma, mientras que los enanos que lo acompañan no tienen mayores cualidades que los ayuden a distinguirse entre sí.

En la tercera hora de metraje, la presencia del fascinante Gollum llega a salvar la película, con su personalidad manipuladora, su ambigüedad inquietante y su esquizofrenia desatada. Justamente, la mejor escena del film es el juego de los acertijos, en el que Bilbo y Gollum desafían mutuamente su inteligencia.

El director Peter Jackson se atrevió a hacer con El Hobbit un cambio innovador: en vez de proyectar la película en 24 fotogramas por segundo (como se ha hecho siempre en la historia del cine), ha optado por hacerlo en 48 fotogramas por segundo, un formato que permite darle un aspecto supuestamente más real a la imagen. El problema de ese realismo extremo es que en algunas escenas, el movimiento luce muy acelerado y a la vista le cuesta cierto trabajo adaptarse al inicio.

Un viaje inesperado tiene características comunes con La comunidad del anillo: ambas son la primera parte de una trilogía y, por tanto, su función es presentar a los personajes y adelantar los conflictos que se resolverán recién en las secuelas. Pero en el caso de la primera película de El Hobbit, no se justifican las tres horas de duración, porque hay ciertas escenas intrascendentes que bien pudieron quedarse en la sala de edición. En nombre de las buenas memorias que creó en la anterior trilogía, esperemos que el anillo codiciado recupere
su brillo en las próximas entregas de El Hobbit.

Título original: The Hobbit: An Unexpected Journey
País y año: Estados Unidos y Nueva Zelanda, 2012
Director: Peter Jackson
Actores: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, Andy Serkis, Cate Blanchett, Dean O'Gorman, Aidan Turner, entre otros.
Calificación: ** 1/2.

25 nov. 2012

Resurrecciones múltiples

Los seguidores de Tim Burton empezamos a inquietarnos por su falta de inspiración en Alicia en el país de las maravillas, que continuó luego en Sombras Tenebrosas. Felizmente su característica genialidad resucita con la fantástica cinta animada Frankenweenie. Se trata de una adaptación o, más bien, la versión extendida de un corto que hizo Burton al inicio de su carrera.

Tras la inesperada muerte de su adorado perro Sparky, el pequeño Víctor hace un elaborado experimento científico para traer a su mejor amigo de regreso a la vida. Por más que Víctor intenta mantenerlo oculto, Sparky es descubierto por sus compañeros de colegio, quienes intentan copiar la hazaña para ganar el primer lugar en la Feria de Ciencias.

Lamentablemente, en Perú no se estrenaron copias subtituladas de este film, sólo dobladas, un lastre que se ha hecho común en el cine de animación. Hubiese sido un privilegio escuchar las voces del elenco original, como Catherine O'Hara, Martin Landau y Winona Ryder, quien luego de un largo proceso de hibernación vuelve a trabajar con Burton 21 años después de El joven manos de tijera.

Frankenweenie tiene numerosas referencias de clásicos del terror como Godzilla y, especialmente, Frankenstein, a la que homenajea repetidas veces. Por ejemplo, Sparky lleva tornillos a ambos lados del cuello, la estilizada perrita del jardín vecino lleva el mismo peinado de La novia de Frankenstein y, por si fuera poco, el apellido de Víctor y su familia es… ¡Frankenstein!

El argumento de esta peculiar cinta de animación no se reduce sólo a la invasión zombie de un grupo de mascotas. Es una crítica mordaz a la competitividad infantil inculcada por los adultos y al uso irresponsable de la ciencia, cuando se persiguen intereses egoístas.

Si algo le podríamos reprochar es que el desenlace tiene un nivel más alto de glucosa que las mejores obras de Burton. Aun así, Frankenweenie es el retorno a la vida de un maestro que andaba ligeramente perdido. La amistad de Víctor y Sparky está marcada por una devoción sin límites, similar a la que le tiene este director al cine.

Título original: Frankenweenie
País y año: Estados Unidos 2012
Director: Tim Burton

Con las voces de: Charlie Tahan, Catherine O'Hara, Martin Short, Martin Landau, Winona Ryder, entre otros.
Calificación: *** 1/2.

18 nov. 2012

Tradición y sofisticación

James Bond ha cumplido 50 años, pero aún conserva sus buenos reflejos. Desde el estreno de El satánico Dr. No en 1962, seis actores han interpretado al agente 007 en 23 películas. La más reciente se titula Skyfall y es la mejor de la era de Daniel Craig.

Tras una complicada misión, James Bond es dado por muerto, pero se ve obligado a reaparecer cuando ocurre un atentado en la oficina del MI6, el servicio secreto británico. Un ciberterrorista (Javier Bardem) que pretende vengarse de M (Judi Dench), la cabeza del MI6, se convierte en la amenaza que Bond debe localizar y detener.

Es evidente la evolución que ha tenido el personaje de James Bond en sus últimas películas. Desde Casino Royale, se empezó a mostrar más vulnerable y dejó de esconder sus heridas. Ahora, además nos acercamos a su historia familiar y entendemos cómo ésta determina su carácter y temple. 

Judi Dench aporta su valiosa presencia, que siempre denota autoridad y sabiduría. La relación de M y Bond no es meramente laboral, sino que es como una maternidad suplente en la que el afecto nunca se verbaliza, pero se hace patente en cada acto de lealtad y sacrificio.

Por su parte, Javier Bardem tiene una brillante actuación como Silva, quien lejos de ser una caricatura del mal, es un hombre quebrado y deformado por unas terribles circunstancias. Al igual que Hannibal Lecter o el Guasón de Heath Ledger, Silva domina cada escena con su retorcida crueldad e inteligencia criminal.

Skyfall es un film de una belleza inusual en cintas de este género, gracias a la fotografía de Roger Deakins, que se luce sobre todo en las fascinantes escenas nocturnas de Shanghái. Asimismo, el espectacular diseño de los créditos iniciales encaja a la perfección con la portentosa voz de Adele, cuyo tema “Skyfall” es uno de los mejores que han acompañado a Bond en sus bandas sonoras.

El director Sam Mendes (Belleza Americana, Camino a la perdición) es uno de los más talentosos que han dirigido un film del agente 007. Para este 50° aniversario del nacimiento cinematográfico de Bond, ha ensamblado una sólida película que respeta la tradición de la saga, pero a la vez la sofistica y humaniza.

Título original: Skyfall
País y año: Reino Unido 2012
Director: Sam Mendes
Actores: Daniel Craig, Javier Bardem, Judi Dench, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Bérénice Marlohe, Albert Finney, Ben Whishaw, etc.
Calificación: ****.

6 nov. 2012

El rescate de la emoción

Argo y Moonrise Kingdom son dos películas notables. La primera describe una arriesgada operación de rescate; la segunda muestra la búsqueda de dos adolescentes desaparecidos. Ambas apelan más a la emoción que a la razón.
 
El cine como salvavidas

 
Argo tiene un arranque brillante: una serie de viñetas que se asemejan a los story boards dibujados para las filmaciones de películas, se funden con la acción viva para mostrar la sucesión de hechos que desencadenaron en una toma de rehenes en la embajada de Estados Unidos en Teherán, a fines de 1979.

En medio del caos, seis ciudadanos estadounidenses escapan y se refugian en la casa del embajador canadiense. Meses después, un especialista en operaciones especiales de la CIA llamado Tony Mendez (Ben Affleck) idea un arriesgado plan para sacarlos del país de forma segura: fingir que son parte del equipo de rodaje de una película de ciencia ficción.

Se dice que las películas nos transportan a otros mundos y nos sirven de ruta de escape, afirmaciones que se tornan literales en esta operación de rescate. El poder cautivante y casi hipnótico del sétimo arte se evidencia cuando incluso los recios soldados de la Guardia Republicana Iraní caen rendidos ante una narración que los atrapa.


Este es el tercer largometraje que dirige Ben Affleck, después de Gone Baby Gone y The Town. Si bien su carrera como actor nunca fue especialmente destacada, su faceta de director está dando excelentes frutos y ya se le vocea como candidato fijo para el Oscar. Se lo merece. Argo es una cinta con un excelente manejo del suspenso de inicio a fin, que rinde homenaje a los héroes anónimos y que expone el rol fundamental del cine como herramienta de comunicación, aprendizaje e integración.

Título original: Argo
País y año: Estados Unidos 2012
Director: Ben Affleck
Actores: Ben Affleck, Bryan Cranston, John Goodman, Alan Arkin, Tate Donovan, Clea DuVall, entre otros.
Calificación: ****.


Un aislamiento para dos

Moonrise Kingdom es una comedia ambientada en una isla de la costa de Nueva Inglaterra en el verano de 1965. Sam y Suzy son dos adolescentes de doce años que sienten que no encajan en ninguna parte, así que hacen un pacto y se escapan juntos. Los padres de Suzy, el jefe de los Boy Scouts y el policía local unen fuerzas para encontrarlos.

Esta película pinta un detallado retrato del primer amor, remarcando las inseguridades, ilusiones y fantasías propias de esa edad. La fotografía derrocha calidez, la escenografía y el vestuario privilegian colores como el rojo y el amarillo, ideales para ilustrar un amor de verano. Asimismo, la música compuesta por Alexandre Desplat tiene notas lúdicas, que contagian un inevitable entusiasmo.

Los debutantes Jared Gilman y Kara Hayward están acertados como los pequeños amantes en fuga. El elenco adulto incluye a Bill Murray, Tilda Swinton y Frances McDormand, quienes están magníficos, como de costumbre. Pero los más destacados son Bruce Willis y Edward Norton, quienes interpretan a un policía y un boy scout con mucho en común: son seres solitarios y bien intencionados, capaces de todo por cumplir su deber, aunque algunos duden de su capacidad.

El director Wes Anderson ganó una gran legión de seguidores con su maravillosa comedia Los Excéntricos Tenenbaums. En Moonrise Kingdom retoma las familias disfuncionales y los personajes desadaptados, pero esta vez los coloca en un entorno fantástico que tiene tanto de sueño bizarro como de utopía entrañable. Es cierto que algunas situaciones escapan a la lógica y las convenciones, pero son atajos que conducen hacia un universo paralelo, donde los incomprendidos son reivindicados.

Título original: Moonrise Kingdom
País y año: Estados Unidos 2012
Director: Wes And
erson
Actores: Jared Gilman, Kara Hayward, Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, entre otros.
Calificación: ****.

29 oct. 2012

Avance de temporada 2012/2013

Estas son mis cinco películas más esperadas del año. Mientras preparan su arribo a nuestra cartelera para los próximos meses, veamos en qué radica su potencial.

Los Miserables
Director: Tom Hooper (Trabajo anterior: El discurso del rey)
Actores: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen, Eddie Redmayne, entre otros.
País: Reino Unido
Sinopsis: Francia, 1815. Jean Valjean (Jackman) escapa de prisión, donde purgaba una condena por robar pan para alimentar a su familia. Mientras intenta rehacer su vida, el inspector Javert (Crowe) se convierte en su sombra y perseguidor.
Por qué promete: La obra de teatro en la que se inspira este film es el musical con más años de permanencia en el West End de Londres. Dicha pieza teatral se basa a su vez en la clásica novela de Victor Hugo. Sus productores aseguran que Los miserables es la primera película en la historia en la que los actores cantan en vivo durante la filmación, en vez de la costumbre tradicional de grabar primero en el estudio las canciones y luego filmar las escenas de canto haciendo fonomímica. El elenco es de primer nivel y se espera que tanto Hugh Jackman como Anne Hathaway sean nominados al Oscar. Esta película tiene todos los ingredientes para encandilar a la Academia, a los fans de la obra original y a todos aquellos soñadores que se emocionan con el tema principal del musical: “I dreamed a dream”.




Django Unchained

Director: Quentin Tarantino (Trabajos anteriores: Pulp Fiction, Kill Bill, Bastardos sin gloria)
Actores: Jamie Foxx, Leonardo DiCaprio, Christoph Waltz, Samuel L. Jackson, Kerry Washington, Jonah Hill, entre otros.
País: Estados Unidos
Sinopsis: Antes de la Guerra Civil de los EEUU, el Dr. King Schultz (Waltz) compra la libertad del esclavo Django (Foxx). El primero sólo quiere cazar recompensas, el segundo quiere recuperar a su esposa, quien trabaja como esclava bajo las órdenes del despiadado Calvin Candie (DiCaprio).
Por qué promete: Quentin Tarantino es un cineasta osado y creativo. En esta ocasión, pone sus inquietas manos sobre el género del western y seguro homenajeará a sus directores favoritos, pero poniéndole su sello propio. Podemos esperar diálogos sumamente ingeniosos, personajes antológicos y situaciones de una intensa carga dramática. Será interesante ver qué resultados logra dirigiendo a Leonardo DiCaprio en un papel de villano. Christoph Waltz ganó un Oscar por interpretar al Coronel Hans Landa en Bastardos sin gloria, la película anterior de Tarantino, así que podría ser él también quien se robe el show.




Amour
Director: Michael Haneke (Trabajos anteriores: La profesora de piano, Escondido, La cinta blanca).
Actores: Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, Alexandre Tharaud, entre otros.
País: Austria y Francia
Sinopsis: Georges y Anne son una pareja de músicos retirados y octogenarios. La hija de ambos, quien también se dedica a la música, vive en el extranjero. El amor de la pareja será puesto a prueba cuando Anne sufre una grave parálisis.
Por qué promete: El cine de Michael Haneke suele ser muy intuitivo, impregnado de silencios y gestos sutiles, estimulando a los espectadores a adivinar lo que se oculta entre líneas. Escondido y La cinta blanca, sus dos cintas anteriores, son verdaderas obras maestras que lo confirman como uno de los autores más importantes del cine contemporáneo. Amour ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes y recibió la adoración unánime de la crítica. Por ejemplo, Manhola Dargis del New York Times escribió: “Una tierna, desgarradora e impecablemente dirigida historia sobre el amor y la muerte”.



The Master
Director: Paul Thomas Anderson (Trabajos anteriores: Boogie Nights, Magnolia, Petróleo Sangriento)
Actores: Philip Seymour Hoffman, Joaquin Phoenix, Amy Adams, Laura Dern, entre otros.
País: Estados Unidos
Sinopsis: Un intelectual (Hoffman) crea una nueva asociación religiosa, basada en su propia fe, que rápidamente capta muchos fieles. Freddie (Phoenix) es un vagabundo que se convierte en su brazo derecho, aunque no tarda en tener dudas sobre los métodos y obras de su mentor.
Por qué promete: Esta historia está inspirada en la vida del fundador de la Cienciología, ese cuestionado grupo religioso que en la vida real cuenta entre sus fieles devotos a Tom Cruise y John Travolta. The Master fue doblemente premiada en el último Festival de Venecia, donde Paul Thomas Anderson se llevó el León de Plata al mejor director. Por su parte, los dos protagonistas masculinos, Joaquin Phoenix y Philip Seymour Hoffman, recibieron la Copa Volpi al mejor actor del certamen. Ver a estos dos tremendos actores compartiendo la pantalla ya es suficiente motivo de celebración, más aún cuando un director tan talentoso como Anderson los dirige y el guión ofrece descorrer las misteriosas cortinas de esta enigmática secta.



Una aventura extraordinaria (Life of Pi)

Director: Ang Lee (Trabajos anteriores: Sensatez y Sentimientos, El Tigre y el Dragón, Brokeback Mountain)
Actores: Suraj Sharma, Irrfan Khan , Adil Hussain, Tabu, Gérard Depardieu ,entre otros.
País: Estados Unidos
Sinopsis: Pi es un joven de origen indio cuyo padre es dueño de un zoológico. Después de un naufragio, se encuentra varado en medio del Océano Pacífico en compañía de un tigre de bengala.
Por qué promete: ¿Existe algún género que el genial director taiwanés Ang Lee no pueda dominar? Si bien es cierto que su versión de Hulk tuvo reacciones mixtas, ha demostrado que su maestría para narrar poderosas historias puede lucirse tanto en el drama de época (Sensatez y Sentimientos), como en las artes marciales (El Tigre y el Dragón) y el romance prohibido (Brokeback Mountain). Ahora le toca incursionar en el género de aventura, contando esta apasionante historia de un naufragio, basada en una novela que fue un best seller. El tráiler garantiza un espectáculo de mucho color y emoción, en el que la fotografía y los efectos visuales ofrecen crear un entorno asombroso.

13 oct. 2012

Oso licencioso

Las comedias que retratan las relaciones de gran amistad y cercanía entre dos hombres (sin que exista un componente sexual) conforman un subgénero que tiene un curioso nombre: “bromance” (mezcla de brothers y romance). Sumándose a la estela dejada por títulos como Superbad, I Love You, Man, 50/50 y otras, ahora llega una comedia que empuja los límites del humor corrosivo: Ted.

Gracias a un deseo que John (Mark Wahlberg) pidió de niño, su oso de peluche Ted cobra vida. A los 35 años, siguen viviendo juntos y siendo amigos inseparables. Pero Lori (Mila Kunis), la novia de John, le da un ultimátum: si quiere que su relación continúe, él debe madurar y Ted debe mudarse.

La premisa puede sonar ridícula y disparatada. Lo es. Pero Mark Wahlberg actúa con tanta convicción y desparpajo, que terminamos pasando por alto el absurdo y asimilamos con naturalidad la amistad de John y Ted, reflejándonos en su complicidad.

Seth MacFarlane, director de la cinta y quien le presta su voz a Ted, es todo un maestro en el arte del humor ofensivo. Al igual que en la serie animada Family Guy que él creó, en Ted despliega un arsenal de chistes escatológicos, políticamente incorrectos y discriminatorios. Burlándose de varias minorías y algunos íconos de la cultura pop, cumple su objetivo de hacer reír a como dé lugar.

El problema llega en el tramo final de la película. Después de tanto sarcasmo e irreverencia, después de dejar a todos los títeres decapitados, el humor se diluye repentinamente para dar paso al sentimentalismo. No encaja el momento feeling cuando su entorno está tan viciado.

Salvo ese forzado arrebato lacrimógeno, Ted es una de las comedias más audaces y divertidas que se han estrenado este año. Además, entre la avalancha de bromas crueles, ofrece una lúcida reflexión sobre la responsabilidad de crecer y madurar, dejando de lado las anclas que nos mantienen atados a la niñez o adolescencia. En ese aspecto, tiene mucho en común con Toy Story 3. Claro que los muñecos de Pixar son bastante inofensivos y, en cambio, la gracia de Ted está justamente en ser ofensivo.

Título original: Ted
País y año: Estados Unidos 2012
Director: Seth MacFarlane
Actores: Mark Wahlberg, Mila Kunis, Seth MacFarlane, Giovanni Ribisi, Joel McHale, Norah Jones, entre otros.
Calificación: *** 1/2.

28 sept. 2012

Stone está en drogas

Salvajes, la nueva película del director Oliver Stone, es un viaje alucinante, convulsionado y sinuoso. Salta del carril del erotismo al de la violencia, toma la vía del crimen organizado y atraviesa el amor libre.

Chon y Ben son dos jóvenes emprendedores que tienen un lucrativo negocio de venta de marihuana en California. Además de ser socios, comparten a la misma novia, Ophelia. Un cártel mexicano la secuestra después de un frustrado intento de asociación con ellos, así que la guerra queda declarada entre ambos bandos.

Oliver Stone, un director tan preocupado por hacer un cine de denuncia en el pasado (Pelotón, Nixon, etc.), no se toma tan en serio el tema de las drogas y prefiere hacer una película de acción con personajes extremos, sádicos y egoístas.

Por momentos, Salvajes recuerda a otra memorable película de Stone: Asesinos por naturaleza. Decapitaciones, torturas y acribillamientos son parte del modus operandi del cártel de narcotraficantes y la reacción de los dos californianos es atacar más fuerte, envolviéndose en una espiral cada vez más destructiva. Sin embargo, tanta violencia gráfica llega a ser atosigante.

El trío protagónico está conformado por Blake Lively (de la serie Gossip Girl), Taylor Kitsch y Aaron Taylor Johnson. Son efectivos en las escenas de sexo o de acción, pero en las dramáticas se evidencian sus limitaciones actorales.

En cambio, Salma Hayek y Benicio del Toro resultan mucho más convincentes como la jefa del cártel y su ayudante. Ambos emanan una crueldad impasible y su sola presencia advierte un peligro inminente. Por otro lado, John Travolta acierta en el papel de un corrupto agente antidrogas que sólo busca su conveniencia.

Stone opta por recrear muchas escenas que perfectamente podrían ser alucinaciones propias del efecto de una droga poderosa, pero que forman parte de una realidad exagerada a propósito. Más aún, se da el lujo de hacer dos desenlaces. El segundo es una visión romántica del salvajismo, alejada del salvajismo sanguinario que vimos previamente.

Título original: Savages
País y año: Estados Unidos 2012
Director: Oliver Stone
Actores: Blake Lively, Taylor Kitsch, Aaron Taylor Johnson, Salma Hayek, Benicio del Toro, John Travolta, Demián Bichir, Emile Hirsch, entre otros.
Callificación: ***.

6 sept. 2012

Líneas divisorias

El extraordinario film iraní Una separación es del tipo de películas que te aguijonea con interrogantes que se clavan en tu mente y dan vueltas durante varios días, demandando una respuesta.

Nader y Simin son una pareja de esposos que se enfrentan a una difícil disyuntiva: ella desea mudarse al extranjero para darle una mejor vida a su hija adolescente, pero él prefiere quedarse en Irán porque debe cuidar a su padre, quien tiene el mal de Alzheimer.

Después de que Simin se va de la casa, Nader decide contratar a una mujer para que realice labores domésticas y vigile a su padre. Cuando Nader llega de improviso un día, encuentra a su padre atado a la cama. A partir de entonces, nada volverá a ser lo mismo.

La película va mutando de género a medida que la ficción deja de ser sólo un drama sobre la separación de una pareja, para convertirse además en un film judicial y de suspenso, en el que dos versiones se contraponen y la parte acusadora pasa a ser acusada.


De pronto, los espectadores asumimos el rol de juez. Después de escuchar los argumentos y motivaciones de las dos partes enfrentadas, nos damos cuenta que no hay una sola verdad absoluta y que cada uno tiene poderosos móviles para aferrarse a su versión. ¿Qué haríamos nosotros en sus zapatos? ¿Qué seríamos capaz de sacrificar por salvar a nuestra familia? ¿Callar algo equivale a mentir?

El título de la película no solo alude a la crisis del matrimonio de Nader y Simin. Puede referirse también a todas las líneas invisibles que dividen a los personajes: las prohibiciones determinadas por la religión, los límites que impone una sociedad machista, la falta de comunicación que genera confusiones mayúsculas.

Una separación ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín, así como el Globo de Oro y el Oscar a la mejor película extranjera, además de 50 premios más. Tantos reconocimientos no son en vano: se trata de una cinta inteligente, que te cuestiona sobre tus propios valores y creencias, invitándote a reflejarte en el espejo de personajes que parecen de una realidad lejana, pero a la vez tan inmediata.

Título original: Jodaeiye Nader az Simin
País y año: Irán 2011
Director: Asghar Farhadi
Actores: Peyman Moadi, Leila Hatam, Sareh Bayat, Shahab Hosseini, Sarina Farhadi, Ali-Asghar Shahbazi, entre otros.
Calificación: **** 1/2.

31 ago. 2012

Los amigos de lo opuesto

Amigos (Untouchable) fue un explosivo fenómeno cultural en Francia: lideró la taquilla durante 10 semanas consecutivas y su protagonista Omar Sy se dio el lujo de ganar el César a mejor actor, derrotando nada menos que a Jean Dujardin (The Artist). Su popularidad traspasó fronteras y en marzo de este año se convirtió en la película de habla no inglesa más taquillera de la historia a nivel mundial. Incluso, actualmente vienen preparando un “remake” en Hollywood. ¿Por qué fascina tanto esta sencilla comedia?

Philippe (François Cluzet) es un aristócrata que queda parapléjico tras un accidente de parapente y contrata como asistente personal a Driss (Omar Sy), un joven negro recién salido de prisión. Driss aparenta ser un despreocupado hombre sin mucha compasión y eso es precisamente lo que Philippe busca: alguien que no le tenga lástima.

La interacción de los dos protagonistas está marcada por el contraste de sus diferencias. Mientras Philippe es un millonario de gustos exquisitos, Driss es un hombre pobre de carácter impulsivo y mucho ingenio. El primero se deleita con la música clásica, el segundo baila con las canciones de Earth, Wind & Fire.

El contacto de Driss con el mundo aristocrático y el choque de culturas (lo elitista vs. lo popular) recuerda a muchos cuentos de hadas sobre Cenicientas con suerte, como Julia Roberts en Mujer Bonita. Esta no es una comedia romántica, pero la estructura es similar, reemplazando el amor improbable por la amistad entrañable.

Por otro lado, el ángulo de la relación entre dos personajes de entornos opuestos, trae a la memoria otras películas como Paseando a Miss Daisy y El discurso del rey, en las que el vínculo amical también debía sortear obstáculos y soportar las miradas desconfiadas de la élite.

Sin embargo, aunque el argumento no destaca por su originalidad, es inútil resistirse al carisma y la gracia del dúo protagónico. Amigos emana y contagia una sincera emotividad, es una comedia sin muchas pretensiones, que cumple con su misión de entretener y conmover.

Título original: Untouchable
País y año: Francia 2011
Directores: Olivier Nakache y Eric Toledano
Actores:
François Cluzet, Omar Sy, Anne Le Ny, Audrey Fleurot, Clotilde Mollet, Christian Ameri, entre otros.
Calificación: ***.

20 ago. 2012

Abrir ojos y oídos II

En el post anterior, comenté las películas argentinas y peruanas que vi en el Festival de Cine de Lima 2012. Esta vez el desfile continúa con las candidatas de México, Chile, Uruguay y Finlandia.

México


Post Tenebras Lux muestra la rutina de una familia adinerada que vive en el campo mexicano. Juan y su esposa no terminan de adaptarse a un estilo de vida diferente al que tienen en la ciudad, lo que jala el gatillo de conflictos de distinta naturaleza.

En su propósito de contar una historia ambiciosa y poco convencional, el director Carlos Reygadas incorpora elementos fantasiosos y absurdos, así como escenas  y personajes desconectados de la historia principal, como unos niños jugadores de rugby o un demonio fosforescente que ingresa de puntillas en una casa. Eso sí, cuando se concentra en sus protagonistas, captura de manera convincente los altibajos de su vida cotidiana. Su estilo provocador parece encantarles a los jurados de los festivales, pues tanto en Cannes como en Lima se llevó el premio a mejor director por esta película. Calificación: ** ½.

Chile


Joven y alocada cuenta el dilema de Daniela, una chica de 17 años que no puede controlar sus impulsos sexuales y que narra todas sus fantasías en un blog. Sin embargo, su controladora madre intenta que lleve una vida recatada, según los cánones de la fe evangélica.

Esta frenética película de Marialy Rivas se propone ser audaz y erótica, pero termina siendo errática. Su irreverencia funciona sólo hasta cierto punto, pues después de ridiculizar a los evangélicos y mostrar escenas sexuales explícitas, intenta encontrar la redención con un desenlace de forzado dramatismo. Su edición salpicada con una sobreabundancia de imágenes y alternada con fondos rosados, hubiese quedado mejor en un videoclip o un cortometraje, pero en este caso llega al desgaste. Calificación: ** ½.

Uruguay



3 es una comedia sobre los integrantes de una familia disfuncional. Mientras Graciela recompone su vida empezando una nueva relación, su ex esposo Rodolfo intenta acercarse a ella y a la hija de ambos, Ana, una adolescente harta del colegio y ansiosa de vivir nuevas emociones.

El director Pablo Stoll (25 Watts, Whisky) acierta al recrear con lujo de detalles la rutina de estos tres personajes. Cada uno añora conseguir algo que lo sacuda de su hartazgo, pero sus motivaciones van en direcciones opuestas, lo cual frustra sobre todo al padre. Este es el personaje más interesante del trío, quizás porque es el más perdido y el más perdedor. Lo menos logrado es una alucinada escena musical que se siente ajena al resto de la propuesta. Calificación: *** ½.

Finlandia (sección “La vuelta al mundo en 8 días”)


Le Havre narra el encuentro de un lustrabotas francés llamado Marcel y un niño africano. Como la policía quiere deportar al menor por ser inmigrante, Marcel decide protegerlo, aprovechando su ingenio y la buena disposición de sus amigos.

Esta extraordinaria cinta del director Aki Kaurismaki traza un paralelo entre la cadena de solidaridad que se forma para ayudar al niño y el muro de intolerancia que levanta un Estado insensible. Valiéndose de unos personajes entrañables y una historia que logra conmover sin ser melosa ni sermoneadora, Le Havre resulta una experiencia enriquecedora y gratificante. Calificación: **** ½.

15 ago. 2012

Abrir ojos y oídos I

La muestra de películas latinoamericanas exhibidas en la competencia oficial del XVI Festival de Cine de Lima se vio marcada por el contraste entre la inocencia y el  erotismo. También se dieron cita otros residentes habituales de nuestro continente: el abandono, la carencia y la violencia.

Hubo propuestas variadas e interesantes, pero como ya es costumbre las representantes argentinas demostraron mayor nivel que las del resto de la región. Sin embargo, las verdaderas joyas del festival estuvieron en la muestra paralela “La vuelta al mundo en 8 días”, en la que destacaron obras maestras como Una separación, Another year y Le Havre, la cual comentaré en mi próximo post.
Argentina

Elefante Blanco
es la historia de dos sacerdotes, Julián (Ricardo Darín) y Nicolas (Jérémie Renier), quienes llevan a cabo una arriesgada labor social en una zona paupérrima de Buenos Aires. Sus buenas intenciones entran en conflicto con los intereses de la Iglesia y la policía.
Al igual que en sus dos cintas anteriores, Leonera y Carancho, el director Pablo Trapero demuestra en esta película su propósito de hacer un cine comprometido, al denunciar la corrupción de distintas instituciones y señalar las injusticias que agobian a personajes marginales. Lo hace valiéndose de una narrativa ágil y vibrante, filmando impresionantes planos-secuencia que demuestran su capacidad de involucrar al espectador en cada detalle. Ricardo Darín está magnífico como siempre, pero mejor aún está el actor belga Jéremie Renier. Calificación: ****.

Abrir puertas y ventanas
es un retrato familiar desencajado. En la casa de la abuela recientemente fallecida, habitan tres hermanas: Marina, Sofía y Violeta, cuyas personalidades opuestas hacen de la convivencia una olla a presión.
Esta sugestiva película de Milagros Mumenthaler captura con éxito la compleja relación que se desarrolla entre las hermanas, quienes no pueden evitar que la competitividad y la intolerancia se interpongan entre ellas. El trío protagónico está estupendo en su representación del duelo y la necesidad de afecto, así como en el enorme poder expresivo de sus silencios. La calma siempre es una apariencia engañosa en esta casa, en la que se intentan tapar muchos vacíos. Calificación: *** ½.
Perú

Chicama
es una fábula sobre el aprendizaje. César (José Sopán) es un profesor recién graduado que desea enseñar en algún colegio de la costa, pero como no hay plazas allá, termina trabajando en una escuela rural, en la que tiene mucho por descubrir.
El director Omar Forero incorpora técnicas del documental y por eso, la película tiene un grado mayor de autenticidad y frescura, sobre todo en las escenas de los niños, cuya espontaneidad e ingenio fluyen con naturalidad. Además de exhibir la precariedad y abandono de las escuelas rurales, Chicama reflexiona sobre los caminos a veces inesperados de la realización personal. Con mucha justicia, obtuvo menciones de la crítica internacional, el jurado y el público, lo que demuestra que su encanto es universal. Calificación: *** ½.

Casa Dentro
cuenta la historia de Pilar, una anciana que vive con su perra Tuna y dos empleadas. Cuando llegan de visita su hija, su nieta y su bisnieta, la rutina de Pilar se ve alterada y la quietud de la casa se desvanece.
La cineasta Joanna Lombardi (hija del también director Francisco Lombardi) se propone mostrar las desilusiones y frustraciones que la maternidad puede provocar en mujeres de distintas edades. Sin embargo, los personajes de la madre anciana y la madre adulta están mejor trabajados que el de la de madre joven, quien incluso puede llegar a ser irritante. La veterana actriz Élide Brero tiene un rol memorable, cargado de melancolía y añoranza por un pasado extinto. Calificación: ***.
En el siguiente post, escribiré sobre las películas de México, Chile, Uruguay y Finlandia.

10 ago. 2012

El vuelo final del murciélago

Hace 4 años, El Caballero de la Noche se convirtió en una película de culto y dejó la valla muy alta para el subgénero de filmes sobre superhéroes. Aunque su secuela no llega a alcanzar ese mismo nivel de genialidad, representa un capítulo final impactante, emocionante y épico en la trilogía de Batman concebida por Christopher Nolan.

Ocho años después de la muerte del Fiscal de Distrito Harvey Dent, por la que se culpó a Batman, surge un nuevo líder terrorista en Ciudad Gótica: Bane. Bruce Wayne se ve obligado a salir de su autoexilio para volver a ponerse el traje de murciélago, aunque la ciudad piense que él es su enemigo.

Además de lidiar con ese peligroso villano, Bruce se topa con Selina Kyle (Anne Hathaway), una ladrona de alto vuelo que ha robado el preciado collar de su madre. Entonces, se desarrolla un intenso juego de seducción, en el que ambos se escabullen, se enfrentan, se rescatan y se complementan. Su relación, despojada de sentimentalismo y arañada por la más delgada sutileza, se convierte en uno de los grandes aciertos de la cinta.

Anne Hathaway rompe con la imagen convencional de Gatúbela, esa que Michelle Pfeiffer volvió icónica en Batman Returns y que luego Halle Berry vulgarizó en una olvidable cinta. Hathaway explota su sensualidad, pero a la vez es muy cerebral y calculadora, a diferencia de la locura que le imprimió Pfeiffer. La película literalmente asciende cada vez que ella nos seduce con alguna artimaña.

Tom Hardy compone un villano eficiente con Bane, cuya voz grave e inquietante, escondida detrás de una máscara de gas, contribuye a potenciar la tensión. Por su parte, Marion Cotillard tiene un rol más bien insípido como la socialité Miranda Tate, lo cual es una pena porque recién empieza a ponerse interesante al final.

La película cuenta con varias escenas de acción notables, entre ellas la secuencia inicial del avión y aquella en la que todo el césped de un estadio es demolido desde el subsuelo. Ambas son un magnífico testamento del talento de Christopher Nolan para crear suspenso y mantenernos al filo de la butaca.

Otra especialidad del director Nolan es sorprendernos con giros inesperados (como hizo en Memento y El Origen). En El Caballero de la Noche Asciende se reserva varias sorpresas para el gran desenlace, pero también peca en exceso al otorgarle demasiado protagonismo al personaje del policía Blake, interpretado por Joseph Gordon-Levitt.

El hombre murciélago asciende por última vez, a riesgo de perderlo todo, pero quizás con la convicción de que a veces ya no queda nada más que perder. Las emociones encontradas que embargan a Alfred (Michael Caine) en su estupenda escena final, son las mismas del público: es momento de despedir a una trilogía memorable. El cine de superhéroes no volverá a ser el mismo.

Título original: The Dark Knight Rises
País y año: Estados Unidos 2012
Director: Christopher Nolan
Actores: Christian Bale, Anne Hathaway, Tom Hardy, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt, Michael Caine, Gary Oldman, Morgan Freeman, entre otros.
Calificación: *** 1/2

31 jul. 2012

Pixar recupera la puntería

Después de la decepcionante Cars 2, Pixar se reivindica y trae la magia de regreso con Valiente (Brave), la primera película de este estudio de animación en tener una protagonista femenina.

La princesa Merida es una adolescente rebelde. Su madre quiere moldearla para que se comporte con la delicadeza y propiedad de una reina. Pero Merida no está dispuesta a ceñirse el corsé de las ajustadas tradiciones y se atreve a desafiar las imposiciones de sus padres, con lo que desencadena una maldición que pone en riesgo a su familia y a todo el reino.


Armada con su arco y flechas, Merida rompe el molde rosado de la fábrica de princesas de Disney. En vez de ser indefensa, dependiente y frágil, ella es indomable e hiperactiva (cualidades que también podrían describir su cabellera roja). Montada en su caballo, ella galopa en busca de aventura y adrenalina, alejándose de las ataduras propias de la realeza.


Valiente
es un film que revaloriza las leyendas y subraya el aprendizaje que deberían traer consigo los errores del pasado. Más aún, es un homenaje a las dinastías familiares y, sobre todo, al inquebrantable vínculo madre-hija.


La película grafica con buen trazo ese complejo momento en la vida de toda adolescente, cuando su voluntad no coincide con la de su madre y cuando la falta de entendimiento mutuo se traduce en frustración.


Sin embargo, no todas las flechas de esta cinta apuntan al conflicto. El humor llega multiplicado por tres gracias a los hermanos de Merida, unos trillizos que siempre están metidos en algún lío y que hacen de la travesura eterna su principal ocupación. También conjura algunas risas el personaje de una bruja cuyo negocio de fachada es la venta de artículos tallados en madera.


Los principales puntos débiles de Valiente son los personajes de los clanes rivales (completamente intercambiables) o el poco desarrollo en la historia del villano (un oso amenazante). No obstante, compensa esas pequeñas fallas apuntado con muy buena puntería hacia el corazón de los espectadores, contando una fábula tan entrañable como entretenida.


Título original:
Brave
País y año: Estados Unidos 2012
Directores: Mark Andrews y Brenda Chapman
Con las voces de: Kelly MacDonald, Emma Thompson, Billy Connolly, Julie Walters, Robbie Coltrane, Kevin McKidd, Craig Ferguson, entre otros.
Calificación: *** 1/2

4 jul. 2012

La octava sombra

En más de dos décadas, Johnny Depp y Tim Burton han trabajado juntos en ocho películas, la última de las cuales se titula Sombras Tenebrosas (Dark Shadows). Está basada en una serie de TV de los años 70 y tiene personajes que parecen adaptarse al sombrío universo de Burton: vampiros, brujas y hombres lobo.

En el siglo XVIII, Barnabas Collins (Johnny Depp) es un acaudalado heredero, que pierde a sus padres y luego a su esposa en trágicos accidentes. La bruja Angelique (Eva Green), despechada al sentirse rechazada por él,  lo convierte en vampiro y lo encierra en un cajón. Dos siglos más tarde, Barnabas despierta de su larga siesta y conoce a sus descendientes, quienes viven lejos de sus años de bonanza.

Esta cinta marca el reencuentro de Michelle Pfeiffer con Tim Burton, 20 años después de que ella interpretase a Gatúbela en Batman Vuelve. Esta vez le toca colgar los trajes apretados para ser una madre de familia dispuesta a todo con tal de proteger sus intereses. Junto a ella destaca en otro rol secundario Helena Bonham Carter como una psiquiatra alcohólica que vive en la mansión de la familia Collins.

Sombras Tenebrosas tiene un inicio magnífico, cuando se presenta al personaje de Barnabas y su familia, ya que tiene el típico tono oscuro y misterioso de las mejores cintas de Tim Burton. Luego,  al llegar a la década de 1970, la cinta se torna más colorida, se relajan los ánimos y el drama da paso a la comedia ligera. Hacia el final de la película, se suceden una serie de acontecimientos disparatados  y resoluciones exageradas.

Como es de esperar en una cinta de este director, hay un cuidado detalle en la escenografía, vestuario, maquillaje y efectos visuales. Tanto la representación del siglo XVIII como la de los años 70 son exquisitas. Las cintas de Burton tienen ese sello característico que las hace visualmente irresistibles, como por ejemplo El Gran Pez, Charlie y la fábrica de chocolate y tantas obras.

Entre las ocho colaboraciones de Burton y Depp, hay clásicos memorables como El joven manos de tijera y Ed Wood, ambas de los años 90. Sin embargo, Sombras Tenebrosas repite un problema que ya se evidenciaba en su cinta anterior, Alicia en el País de las Maravillas: la forma se impone sobre el fondo y éste resulta una caricatura sobrecargada.  Ojalá este dúo nos sorprenda con argumentos originales y se alejen de las adaptaciones, porque su creatividad se está quedando en una ociosa zona de confort.

Título original: Dark Shadows
País y año: Estados Unidos 2012
Director: Tim Burton
Actores: Johnny Depp, Eva Green, Michelle Pfeiffer, Helena Bonham Carter, Bella Heathcote, Chloë Grace Moretz, Jackie Earle, Haley, entre otros.
Calificación: ** 1/2

1 jul. 2012

Fassbender busca nuestros orígenes

El actor alemán Michael Fassbender se ha apoderado de nuestra cartelera. Protagoniza dos filmes de géneros y temáticas muy diferentes, pero marcados por un afán de búsqueda: mientras que en Prometeo exploramos los orígenes de la humanidad, en Un Método Peligroso asistimos al nacimiento del psicoanálisis.

Creación y recreación

Un grupo de exploradores viaja por el universo en la nave espacial "Prometheus" para investigar otras formas de vida extraterrestre. Pero, como suele suceder en el género de ciencia ficción, los planes se desbaratan y la nave se queda varada en un planeta de alienígenas hostiles. Ahí, los personajes deben luchar por su supervivencia y detener una amenaza que puede afectar a toda la humanidad.

Prometeo fue concebida como una precuela de Alien - El Octavo Pasajero. Está ambientada en el mismo universo narrativo, pero presenta una galería de personajes distintos. Entre los integrantes de la nave hay una pareja de científicos que desean conocer a los supuestos “creadores” de la humanidad. La doctora Elizabeth Shaw (la actriz sueca Noomi Rapace) es una digna heredera (¿o diríamos más bien antecesora?) de la Teniente Ripley, el inmortal personaje de Sigourney Weaver: es valiente, decidida, terca y tiene un desarrollado instinto de supervivencia.

Si por un lado Noomi Rapace tiene el rol de la heroína enfrentada a conflictos emocionales intensos, su contraparte es Charlize Theron, quien interpreta a Meredith Vickers, una mujer fría y pragmática, poderosa e inquebrantable. Ambas están fantásticas, pero mejor aún está Michael Fassbender en el papel de David, un androide cuya calma constante y sonrisa amable esconden unas motivaciones secretas.

El director Ridley Scott se convirtió en unos de los principales referentes del cine de ciencia ficción, gracias a los filmes Alien - El Octavo Pasajero y Blade Runner. En Prometeo, demuestra que aún tiene mucho por aportar a este género, pues crea un inquietante clima de terror y suspenso, que contrasta con un sofisticado diseño de producción. Aunque el guión deja algunos cabos sueltos, su compleja trama está entrelazada por discusiones interesantes sobre la fe y el origen de la vida humana. No necesariamente resuelve la interrogante de dónde venimos, pero sí propone opciones fascinantes de hacia dónde vamos.

Título original: Prometheus
País y año: Estados Unidos 2012
Director: Ridley Scott
Actores: Noomi Rapace, Charlize Theron, Michael Fassbender, Idris Elba, Guy Pearce, Logan Marshall-Green, entre otros.
Calificación: *** 1/2

El estímulo del intelecto

El psiquiatra Carl Jung (Fassbender) atiende a una paciente que sufre de histeria, Sabina Spielrein (Keira Knightley),quien a pesar de sus trastornos mentales, tiene una gran inteligencia e inclinación hacia la psiquiatría. En paralelo, Jung tiene una confrontación de ideas con su mentor Sigmund Freud (Viggo Mortensen).

A partir de la conexión entre Jung y Freud, Un método peligroso recrea el origen del psicoanálisis. Las escenas en las que primero muestran su mutua admiración profesional y posteriormente contraponen sus puntos de vista, están perfectamente construidas a partir de diálogos inteligentes y debates apasionantes.

La sexualidad tiene un rol vigoroso en la película, pues según Freud el comportamiento y el inconsciente de un individuo se pueden analizar a partir de ella. El caso de Sabina Spielrein resulta ilustrativo: la humillación le produce una excitación incontrolable, el descubrimiento del sexo la libera de sus ataduras y frustraciones.

Keira Knightley logra una representación extrema de la histeria, su actuación es intensa y demandante. Michael Fassbender logra que las inquietudes de Jung sean palpables y comprensibles. Y Viggo Mortensen está soberbio como Freud: seduce al espectador con su inteligencia y autoridad. Estas convincentes actuaciones, soportadas en un sólido guión, hacen de Un método peligroso un film intelectualmente estimulante.

Título original: A Dangerous Method
País y año: Reino Unido, Canadá, Alemania 2011
Director: David Cronenberg
Actores: Michael Fassbender, Viggo Mortensen, Keira Knightley, Vincent Cassel, Sarah Gadon, André Hennicke, entre otros.
Calificación: ****

10 jun. 2012

La belleza efímera

Espejito, espejito: Dime por qué conviven en nuestra cartelera dos películas basadas en el clásico cuento de Blancanieves.

Más que una coincidencia, es una demostración de la competitividad entre dos estudios rivales que quieren demostrar quién puede hacerlo mejor. La primera en arribar a los multicines fue Espejito, espejito (protagonizada por Julia Roberts) y la segunda, recién estrenada, se titula  Blancanieves y el Cazador, la cual comentaré en este post.

La reina Ravenna (Charlize Theron) mantiene cautiva a su hijastra Blancanieves (Kristen Stewart), pero cuando ella escapa, la reina contrata un cazador (Chris Hemsworth) para que la encuentre en el bosque y la lleve de vuelta con ella. Sin embargo, lejos de cumplir su misión, el cazador se convierte en mentor de Blancanieves y la entrena para ser una guerrera que reclame el trono que le corresponde.

La actriz sudafricana Charlize Theron, dueña de una belleza soberbia, está estupenda interpretando a la reina Ravenna, obsesionada con mantenerse joven y hermosa. Sin llegar a caer en la caricatura, Theron logra construir un personaje atormentado por la angustia. Más aún, llega a ganarse nuestra lástima y consigue que la extrañemos en el segmento intermedio, cuando la acción se concentra en los otros personajes.

Los puntos débiles de Blancanieves y el Cazador son justamente los dos personajes que dan título a la película. Ambos carecen de un desarrollo que los vuelva más interesantes. Chris Hemsworth (más conocido como Thor) no tiene mucho por hacer más que luchar y defender a la heroína. Kristen Stewart es una Blancanieves exenta de emoción y persuación, es una adolescente emo sin energía.

Además de Charlize Theron, es rescatable el imaginario visual de la película, compuesto de imágenes fascinantes como la transformación de Ravenna en una bandada de cuervos. Blancanieves y el Cazador tiene escenas de una belleza impresionante, como la excursión por el bosque en el que habitan las hadas, pero esa belleza es a fin de cuentas tan efímera como la que obsesiona a la reina: impacta a primera vista, pero se termina diluyendo y queda una cáscara sin mucho contenido.

Título original: Snow White and the Huntsman
País y año: Estados Unidos 2012
Director: Rupert Sanders
Actores: Kristen Stewart, Chris Hemsworth, Charlize Theron, Sam Claflin, Bob Hoskins, Eddie Marsan, Toby Jones, Ray Winstone, entre otros.
Calificación: ** 1/2.

8 may. 2012

La explosiva suma de las partes

¿Qué poder adictivo tiene Los Vengadores (The Avengers) para romper todos los récords de taquilla? Cada año se estrenan películas adaptadas de algún cómic, pero ésta tiene un irresistible valor agregado: reúne a seis atractivos superhéroes trabajando en equipo para salvar el mundo, combinando espectaculares escenas de acción con un afilado sentido del humor… y todo por el precio de una sola entrada.

Nick Fury (Samuel L. Jackson) es el director de una organización encargada de velar por la paz mundial y cuando ésta se ve amenazada por Loki, un ser de otro planeta, decide convocar a seis superhéroes (Iron Man, Thor, Capitán América, Hulk, Ojo de Halcón y la Viuda Negra), quienes deben dejar de lado su ego, prejuicios y desconfianza mutua para enfrentar al enemigo.

El arma secreta del director Joss Whedon es dejar que  cada personaje luzca su potencial y tenga su momento de gloria. La interacción entre los integrantes del grupo es uno de los grandes aciertos del film: muestra la pugna de poderes que se origina cuando deben tomar decisiones, pero también hay abundante espacio para el humor más sarcástico y corrosivo.

Como demostró en sus dos películas anteriores, Iron Man (Robert Downey Jr.) disfruta saliéndose del molde de los superhéroes tradicionales: es egocéntrico y autosuficiente, pero a la vez carismático y relajado. Incluso en los momentos más tensos, encuentra un apodo ingenioso para sus compañeros y se deja llevar por su curiosidad casi infantil.

Por su parte, Mark Ruffalo tiene una actuación convincente al representar los dos extremos del doctor Bruce Banner: el lado racional del científico que debe controlar su ira y el emocional de su alter ego Hulk, quien puede convertirse en una imparable máquina de destrucción.

En una película como ésta, es inútil pedirle demasiada verosimilitud o profundidad al guión. Resulta más pertinente demandar un buen espectáculo y eso es precisamente lo que ofrece Los Vengadores: un entretenimiento explosivo que no subestima la inteligencia del público, ni la del fanático más exigente ni la del espectador promedio.


Título original:
The Avengers
País y año: Estados Unidos 2012
Director: Joss Whedon
Actores: Robert Downey Jr., Mark Ruffalo, Chris Evans, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Tom Hiddleston, Samuel L. Jackson, Gwyneth Paltrow, entre otros.
Calificación: *** 1/2

1 abr. 2012

Los juegos del morbo

El descomunal éxito que tuvieron las primeras películas de Harry Potter y El Señor de los anillos, animaron a muchos estudios de Hollywood a adaptar para el cine otras novelas dirigidas al rentable segmento de los adolescentes y jóvenes. Los juegos del hambre es el nuevo fenómeno de masas en saltar del papel al celuloide. Una nueva franquicia nace, para beneplácito de su creciente legión de fanáticos.

En un mundo post-apocalíptico, un poderoso gobierno llamado el Capitolio organiza todos los años una batalla televisada entre 24 adolescentes de ambos géneros, quienes deben enfrentarse unos a otros hasta que sólo uno sobreviva.

Los competidores son seleccionados al azar en cada uno de los 12 distritos que conforman el territorio controlado por el Capitolio. La hábil cazadora Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) y Peeta Mellark (Josh Hutcherson) son los representantes del distrito N° 12, una región pobre y olvidada. Ambos tienen que enfrentarse a jóvenes más fuertes que se han preparado toda su vida para esta competencia.

Los juegos del hambre funciona como una crítica mordaz al género televisivo de los reality shows. Evidencia el desmesurado interés por invadir la privacidad de los concursantes, por volver triviales su miseria y sufrimiento, por encumbrar el morbo como una forma irresistible de entretenimiento. Expone el discurso hipócrita de los organizadores de esta competencia, quienes justifican la muerte de los concursantes como un recordatorio de aquellos que perdieron la vida en batallas pasadas.

La puesta en escena es colorida y recargada: algunos de los vestuarios parecen sacados del closet de Lady Gaga. Esa misma extravagancia se evidencia en algunos personajes secundarios como el alcohólico mentor de Katniss, Haymitch (Woody Harrelson); o Caesar Flickerman (Stanley Tucci), el manipulador conductor de TV.

La protagonista Jennifer Lawrence compone una heroína inteligente y decidida. Como demostró en sus roles anteriores en Winter´s Bone (por la cual la nominaron al Oscar el año pasado) y X-Men: Primera Generación, Lawrence tiene una gran facilidad para combinar fuerza y vulnerabilidad en una misma escena. Ella eleva el material que le toca interpretar y no deja que le quitemos los ojos de encima.

Si bien algunos personajes y situaciones resultan excesivos, Los juegos del hambre se distancia de otras cintas de enorme presupuesto dirigidas al sector adolescente, como la saga Crepúsculo, al enmarcar los líos sentimentales y dilemas de supervivencia, en un contexto en el que los seres humanos son meros objetos que sólo tienen derecho a vivir si saben montar un espectáculo digno de ser husmeado por una audiencia voyerista.

Título original: The Hunger Games
País y año: Estados Unidos 2012
Director: Gary Ross
Actores: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Woody Harrelson, Stanley Tucci, Liam Hemsworth, Donald Sutherland, Lenny Kravitz, Elizabeth Banks, entre otros.
Calificación: ***

18 mar. 2012

La nueva piel de Almodóvar

La epidermis que conforma la obra de Pedro Almodóvar tiene algunas células de comedia, otras de melodrama y unas cuantas pecas de “thriller”. En su nueva creación, La piel que habito, el director manchego muta de apariencia y desarrolla un tejido más duro y resistente, por cuyos poros transpiran el suspenso y el terror.

Robert Ledgard (Antonio Banderas) es un exitoso cirujano plástico que busca crear un nuevo tipo de piel que sea inmune a cualquier daño. Su “conejilla de indias” es Vera (Elena Anaya), una mujer que mantiene secuestrada y que guarda una conexión con el pasado tempestuoso de Robert.

El guión está basado en la novela Tarántula de Thierry Jonquet, pero la historia calza a la perfección con el universo de Almodóvar y recoge uno de los temas que más le fascina: cómo se transforma la identidad individual. En La piel que habito, Pedro lleva su obsesión a un nuevo nivel y nos muestra cómo a pesar de que una persona cambie de apariencia, su esencia se mantiene y sus motivaciones se expanden hasta desbordarse.

La película narra una sucesión de episodios marcados por la fatalidad, los cuales dejan heridas muy hondas en los dos personajes principales y los llevan a cometer actos terribles. No hay héroe ni villano cuando cada uno ha sufrido sus propias tragedias y tiene buenas razones para buscar la redención de manera no convencional.

Elena Anaya, recordada por su memorable rol secundario en Lucía y el sexo, se gradúa con honores como la nueva chica Almodóvar. Su magnífica transformación la lleva a habitar las emociones más extremas y, al mismo tiempo, le exige una gran destreza física. Su hermoso rostro nunca deja de ser perturbador, incluso cuando ella intenta seducir a su captor o está planeando su próximo movimiento.

Después de muchos años, Antonio Banderas y Marisa Paredes se reencuentran con el cineasta que los dirigió por última vez en Átame! y Todo sobre mi madre, respectivamente. El actor andaluz logra una convincente actuación, que transita de la tristeza a la vehemencia más nociva. Marisa Paredes, en tanto, tiene una presencia inquietante como una fiel empleada que es consciente de los males que ella misma ha engendrado.

La piel que habito es la cinta más oscura y retorcida en la filmografía de Almodóvar. Sin embargo, mantiene sus huellas dactilares: salta en el tiempo para que cada parte encaje luego en el conjunto; los colores vivos del vestuario y la escenografía resaltan los estados de ánimo y contrastan las emociones; y cada personaje es tratado con el mismo cuidado que tiene un cirujano con sus pacientes. Las células de Pedro pueden mutar, pero su genialidad es un tejido indestructible.

Título original: La piel que habito
País y año: España 2011
Director: Pedro Almodóvar
Actores: Elena Anaya, Antonio Banderas, Marisa Paredes, Jan Cornet, Blanca Suárez, Roberto Álamo, Susi Sánchez, entre otros.
Calificación: **** 1/2

7 mar. 2012

La invención del sétimo arte

El artista y La Invención de Hugo Cabret representan emotivos y nostálgicos homenajes al cine. Ambas nos recuerdan por qué este medio es capaz de ilusionarnos, emocionarnos y transportarnos a otras dimensiones.

El carisma del mudo

George Valentin (Jean Dujardin) es una estrella del cine mudo de Hollywood, que vive el repentino ocaso de su carrera tras la llegada del sonido a las películas. En paralelo, la actriz y bailarina Peppy Miller (Bérénice Bejo) se convierte en una de las nuevas figuras del cine sonoro.

El artista es una cinta francesa filmada en blanco y negro. Su propuesta es arriesgada: se toma el atrevimiento de no tener diálogos hablados (sólo escritos). Desde la genial primera escena, el protagonista Jean Dujardin deja en claro que no hablará. No necesita hacerlo: puede encandilar a la audiencia con su gran expresividad, su innegable carisma y su sonrisa de 1 millón de dólares, cualidades que le han hecho ganar el Oscar a mejor actor, un premio más que merecido.

Al no haber diálogos, la película se apoya sobre dos pilares: la fantástica música compuesta por Ludovic Bource y el poder interpretativo del elenco. En el papel de Peppy Miller, la argentina Bérénice Bejo despliega su encanto y delicadeza. En roles secundarios, brillan actores como John Goodman y James Cromwell, así como el perro estrella Uggie, que compite con Dujardin en cuanto a simpatía y magnetismo.

Si bien es cierto que la película cuenta una historia sencilla (el trayecto de un actor desde la gloria hacia la decadencia y viceversa), su gran valor no está en la originalidad del guión, sino en la recreación meticulosa de las técnicas del cine mudo y su capacidad de impactar a partir de pequeños gestos. El artista acumula referencias de grandes clásicos del sétimo arte para convertirse en uno de ellos.

Título original: The Artist
País y Año: Francia 2011
Director: Michel Hazanavicius
Actores: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller, entre otros.
Calificación: **** 1/2

El legado de Méliès

Hugo (Asa Butterfield) es un niño huérfano que vive en una estación de trenes en el París de los años 30. Lo único que su padre le dejó fue un autómata, pero para que funcione, Hugo debe encontrar una llave en forma de corazón. Isabelle (Chloë Grace Moretz), la niña que posee la llave, lo llevará a descubrir un mundo desconocido.

La invención de Hugo Cabret es una película hecha para ser disfrutada por los amantes del cine. En su travesía, el niño conoce a Georges Méliès (Ben Kingsley), uno de los primeros cineastas y todo un pionero en la utilización de efectos visuales. Además, Hugo comparte con su padre dos aficiones: ver películas y controlar el funcionamiento de los relojes de la estación, una tarea que implica tanta devoción y precisión como la de los artesanos del cine.

Una escena particularmente ilustrativa del efecto que causa el sétimo arte es aquella que muestra a un grupo de espectadores corriendo despavoridos al ver en la pantalla grande cómo un tren se acerca a toda velocidad (una anécdota verídica, por cierto). Hoy en día, ese impacto se mantiene cuando vemos películas como La invención de Hugo Cabret, las cuales constituyen experiencias mágicas que nos transmiten sentimientos intensos, que luego se convierten en recuerdos imperecederos.

El director Martin Scorsese ensambla de manera magistral lo más emblemático del pasado y presente del cine. Por un lado, nos invita a revalorizar la obra del creador Georges Méliès y descubrir los orígenes de las películas tal como las conocemos. Asimismo, Scorsese se vale de los alcances de la tecnología 3D para escabullir al espectador en una aventura memorable, en la que es fácil sentirse tan asombrado como un niño que descubre por primera vez un juguete fascinante.

Título original: Hugo
País y año: Estados Unidos 2011
Director: Martin Scorsese
Actores: Asa Butterfield, Chloë Grace Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Emily Mortimer, Jude Law, Christopher Lee, Helen McCrory, etc.
Calificación: **** 1/2

3 mar. 2012

Insensatez y sentimentalismo

Entre las nominadas a mejor película en los Oscar 2012, podemos encontrar dos cintas relativamente decepcionantes como Caballo de guerra y Tan fuerte y tan cerca, que en mayor o menor medida recurren al sentimentalismo para causar impacto.

El salto de Spielberg

Justo antes de la Primera Guerra Mundial, el padre de Albert Narracott adquiere un caballo, pero por falta de dinero, el animal es vendido a la caballería británica. A lo largo de la guerra, el caballo va cambiando de dueños, mientras que Albert se enlista como soldado para luchar en el conflicto.

Caballo de Guerra nos muestra la solvencia del director Steven Spielberg para filmar las escenas de batalla como un gran espectáculo coreográfico: cada bala y cada hombre caído en conflicto encajan a la perfección en el encuadre.

A pesar de que Spielberg cierra la película con uno de sus acostumbrados finales sentimentales, los distintos episodios llegan a caer en la monotonía. El personaje que transmite mayor calidez es el propio caballo, porque sus dueños esporádicos desaparecen muy pronto, sin que podamos conectarnos con ellos. Y el protagonista Jeremy Irvine, en quien recae el mayor peso dramático, tiene una actuación poco convincente en el rol de Albert.

De las 6 nominaciones al Oscar que tuvo Caballo de Guerra, las más merecidas son las de fotografía y música. Ambos aspectos nos recuerdan que estamos ante una cinta bélica de grandes ambiciones. Spielberg se pone la valla muy alta, pero su salto no es tan fuerte como él quisiera.

Título original: War Horse
País y año: Estados Unidos 2011
Director: Steven Spielberg
Actores: Jeremy Irvine, Peter Mullan, Emily Watson, Niels Arstrup, Benedict Cumberbatch, David Kross, Eddie Marsan, entre otros.
Calificación: ***

Tan locuaz y tan masoquista

Así como la Segunda Guerra Mundial ha inspirado una infinidad de películas, los atentados del 11 de setiembre y sus consecuencias se han visto representados en cintas como Las Torres Gemelas o United 93. Ahora es el turno de Tan fuerte y tan cerca (Extremely Loud and Incredibly Close), la recreación del trauma de un niño que queda huérfano a causa del ataque terrorista.

Cuando el precoz Oskar Schell (Thomas Horn) descubre una llave que pertenecía a su padre, fallecido en una de las Torres Gemelas, recorre toda la ciudad de Nueva York buscando la cerradura que abre esa llave. Para lograr su cometido, entrevista a cientos de personas con la esperanza de que le den una pista que lo conecte con su padre.

El director Stephen Daldry deja de lado la sutileza y las emociones contenidas de sus trabajos anteriores (Billy Elliott, Las Horas, The Reader), para hacer un film extremadamente sentimental e increíblemente cercano al masoquismo. Por ejemplo, Oskar repite una y otra vez la grabación que dejó su padre antes de morir en el atentado. Esta reiteración se convierte en un exceso francamente irritante.

Sin embargo, la película mejora cuando entra en escena el gran actor sueco Max Von Sydow, quien interpreta a un anciano mudo que acompaña a Oskar en su expedición. Para los espectadores, es también el contrapeso ideal de un niño que nunca para de hablar y que siempre cree saberlo todo. Al final, terminamos sintiéndonos como testigos involuntarios de una terapia familiar en la que se nos restriega en la cara la explotación exagerada del sufrimiento.

Título original: Extremely Loud and Incredibly Close
País y año: Estados Unidos 2011
Director: Stephen Daldry
Actores: Thomas Horn, Tom Hanks, Sandra Bullock, Max von Sydow, Viola Davis, Jeffrey Wright, John Goodman, entre otros.
Calificación: **