25 dic. 2013

Las alas del dragón

Hace un año, el retorno a la Tierra Media fue una travesía decepcionante. El Hobbit: La desolación de Smaug es un ligero salto cualitativo frente a Un viaje inesperado, pero aún se mantiene la sensación de que esta nueva trilogía alarga más de lo necesario una historia que perfectamente se pudo contar en un solo film.

El hobbit Bilbo continúa su travesía junto a Gandalf y los trece enanos, para recuperar el reino de Erebor. Esta vez deben superar nuevos obstáculos hasta llegar a enfrentarse cara a cara con el temible dragón Smaug, quien custodia incontables tesoros.

Uno de los aspectos más interesantes es la inclusión del personaje Tauriel (Evangeline Lilly), quien no aparece en el libro de Tolkien. Se trata de una elfa guerrera que protagoniza un triángulo amoroso con Legolas y el enano Kili. Al igual que sus referentes inmediatos Katniss Everdeen y la princesa Merida, Tauriel es una experta en el arco y la flecha, que desafía las normas y destaca por su autonomía.

Cuando el dragón Smaug entra en escena, la película extienda las alas y emana varias bocanadas de fuego. Es un villano soberbio, egocéntrico y astuto que desborda más simpatía que Bilbo y los enanos. Peter Jackson nos endulza con una generosa dosis de Smaug, pero no nos muestra todo su poder destructivo, porque prefiere guardarlo como un plato fuerte para el siguiente capítulo.

Un tema que se profundiza con respecto a la cinta anterior es la ambición desmedida. Bilbo luce obsesionado por conservar el anillo mágico, Thorin sólo piensa en recuperar la piedra del arca para volver a gobernar y el dragón Smaug es capaz de matar con tal de que no le quiten ni una sola moneda. Ese rasgo los une y los divide.

La desolación de Smaug es un poco más corta y dinámica que Un viaje inesperado. Las escenas de acción son más efectivas, como la batalla con unas arañas gigantes que envuelven a los enanos en sus telas. Sin embargo, ese tipo de secuencias recuerdan irremediablemente a El señor de los anillos y, en comparación con la anterior trilogía, la nueva sale perdiendo. La aventura sigue presente, pero la emoción no es la misma.

Título original: The Hobbit: The Desolation of Smaug
País y año: Estados Unidos / Nueva Zelanda 2013
Director: Peter Jackson
Actores: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, Aidan Turner, Orlando Bloom, Evangeline Lilly, Benedict Cumberbatch, Luke Evans, entre otros.
Calificación: ***.

14 dic. 2013

Hanks retoma el timón

Tom Hanks era una estrella imbatible en los años 90, tras ganar dos Oscar consecutivos por Philadelphia y Forrest Gump. En la década pasada, combinó proyectos de cierto prestigio (Camino a la perdición), con bodrios que no estaban a su altura (El código Da Vinci). Este año ha vuelto a brillar con Capitán Phillips, cinta que ya le está deparando algunos reconocimientos.

Richard Phillips es el avezado capitán de un barco carguero de Estados Unidos. Mientras navega por el Océano Índico, la embarcación es secuestrada por piratas somalíes. Phillips trata de negociar con ellos, mientras intenta al mismo tiempo salvar a toda su tripulación.

En esta historia basada en un caso real, el director británico Paul Greengrass aporta su característico manejo de la tensión y el suspenso creciente, cualidades que también estaban presentes en su anterior film United 93, sobre uno de los aviones secuestrados el 11 de setiembre.

Greengrass nos hace creer que conocemos bien los hechos, pero luego expone enfoques diferentes que dan una nueva lectura sobre las causas que motivan a los personajes. Los piratas no son meras caricaturas del mal, sino agentes de una cadena más grande, en la que sus carencias y desesperación son los gatillos para disparan su accionar criminal.

El debutante Barkhad Abdi asume el rol de Muse, el líder de los piratas. Con la piel casi pegada al esqueleto por su extrema delgadez y una mirada que no esconde la furia contenida, Abdi transmite una sensación permanente de peligro y terror. Tras conseguir nominaciones de los Golden Globes y los SAG Awards, ya parece un hecho su candidatura al Oscar en la categoría de mejor actor de reparto.

A lo largo del metraje de Capitán Phillips, Tom Hanks tiene una actuación sólida y convincente, cuando trama alguna mentira para despistar a sus captores o cuando intenta encontrar algún punto en común con ellos. Sin embargo, se reserva lo mejor para los minutos finales. No necesita decir una sola palabra para dejarnos sin aliento y recordarnos que sigue siendo un excelente actor dramático.

Título original: Captain Phillips
País y año: Estados Unidos 2013
Director: Paul Greengrass
Actores: Tom Hanks, Barkhad Abdi, Barkhad Abdirahman, Michael Chernus, Catherine Keener, entre otros.
Calificación: ****.

30 nov. 2013

Miedo al vacío

Gravedad es un evento cinematográfico, una de esas películas que dejan huella y se convierten en clásicos instantáneos. No sólo ha marcado un hito en el cine de ciencia ficción, sino que se ha valido de una narración emocionante y unos efectos visuales impresionantes para llevarnos a rincones desconocidos y aterradores.

La doctora Ryan Stone (Sandra Bullock) está en su primera misión en el espacio sideral, junto al experimentado astronauta Matt Kowalski (George Clooney) y otros especialistas. Repentinamente, Houston les avisa que deben abortar la misión porque los restos de un satélite ruso se dirigen hacia ellos. Antes de que puedan reaccionar, la destrucción los alcanza y quedan incomunicados con la tierra.

Desde ese momento, la película se centra en la lucha por la supervivencia, narrada como una asfixiante batalla contra el silencio, la soledad y la falta de oxígeno. La desesperación se acrecienta a medida que Ryan va tomando conciencia del inmenso vacío que la rodea y el poco tiempo que tiene para actuar.

Gravedad se concentra también en las segundas oportunidades y en el concepto de volver a nacer. El notable y emblemático encuadre en el que Ryan flota en posición fetal grafica a la percepción el significado que toda esta aventura representa para ella y la motivación que la impulsa a no darse por vencida.

Después de un cuestionable triunfo en el Oscar por Un sueño posible (The Blind Side), Sandra Bullock se reivindica y sale de su zona de confort con un rol muy demandante a nivel físico y emocional. Luce más convincente que nunca, más vulnerable y a la vez aguerrida.

Al igual que ella, el director mexicano Alfonso Cuarón (Y tu mamá también, Children of Men) también apuesta alto y nos entrega su película más lograda hasta la fecha. Gravedad es un triunfo a todo nivel, una película de gran presupuesto en la que la fotografía y los efectos visuales son tan deslumbrantes como la dirección y la actuación protagónica.

Título original: Gravity
País y año: Estados Unidos / Reino Unido 2013
Director: Alfonso Cuarón
Actores: Sandra Bullock, George Clooney, Ed Harris, entre otros.
Calificación: **** 1/2

10 nov. 2013

Verdades crudas y desnudas



Muchas trilogías sufren para mantener la calidad lograda en su primera entrega. Sin embargo, Antes del amanecer, Antes del atardecer y Antes de la medianoche conforman un tríptico impecable y perfectamente integrado, que retrata en cada capítulo el amplio espectro de las relaciones sentimentales: desde la ilusión inicial hasta la madurez macerada por los años.

El estadounidense Jesse y la francesa Céline se conocieron hace 18 años en un tren rumbo a Viena y compartieron una noche romántica. Volvieron a encontrarse 9 años después en París y destaparon muchos sentimientos que habían quedado encerrados. Ahora, ya afianzados como pareja, pasan unas vacaciones en Grecia, en las que evalúan el pasado y futuro de su relación.

El magistral logro del director Richard Linklater y sus protagonistas co-guionistas, Ethan Hawke y Julie Delpy, ha sido capturar una atmósfera especial para cada película de la saga y hacerla coincidir con un momento específico del día. Antes del amanecer era el despertar de la relación, Antes del atardecer era la confirmación y Antes de la medianoche es la cúspide, la cima desde la cual se mira todo lo avanzado hasta ahora.


Esta trilogía siempre se ha caracterizado por la riqueza de sus diálogos, elaborados con una precisión y naturalidad que es inevitable reflejarse en ellos y recordar situaciones que uno mismo ha vivido. La notable escena del almuerzo en Antes de la medianoche, por ejemplo, muestra a cuatro parejas en distintas etapas de su relación y cada cual aporta enfoques diferentes, pero complementarios entre sí. 

La intensa secuencia final sirve de catarsis para que la pareja deje fluir ciertos reproches, sospechas y temores que han estado guardando durante años. En este punto climático, se evidencia la evolución de esta pareja, que no puede evitar el paso del tiempo ni el peso de la nostalgia por todo aquello que cada uno sacrificó en el camino.

Al igual que sus dos antecesoras, Antes de la medianoche cierra con un desenlace ambiguo y algunas preguntas flotando en el aire. La certeza que nos deja es que, lejos de haberse derramado una sola gota de sentimentalismo barato, por el contrario ha corrido una auténtica marea de verdades crudas y desnudas sobre el amor.

Título original: Before Midnight
País y año: Estados Unidos 2013
Director: Richard Linklater
Actores: 
Ethan Hawke, Julie Delpy, Seamus Davey-Fitzpatrick, Walter Lassally, Athina Rachel Tsangari, entre otros.
Calificación: **** 1/2.

31 oct. 2013

Avance de temporada 2013/2014

¿Qué películas prometen revitalizar nuestra cartelera a finales de este año y comienzos del próximo? Algunos de estos títulos ya causaron sensación en distintos festivales de cine y tienen su entrada asegurada a las principales ceremonias de la temporada de premios.

Gravedad 
Director: Alfonso Cuarón (Trabajos anteriores: Y tu mamá también, Harry Potter y el prisionero de Azkaban, Children of Men)
Actores: Sandra Bullock, George Clooney, Ed Harris, entre otros. 

País: Estados Unidos / Reino Unido 
Sinopsis: La doctora Ryan Stone (Bullock) está en su primera misión en un transbordador, junto al veterano astronauta Matt Kowalsky (Clooney). Pero en un paseo espacial aparentemente de rutina, se desencadena el desastre. El transbordador queda destruido, dejando a ambos completamente solos y enfrentados a la aterradora extensión del espacio.
Por qué promete: El mexicano Alfonso Cuarón demostró en su film anterior, Children of Men, un excelente manejo del género de ciencia ficción, al crear una historia impactante tanto a nivel visual como narrativo. Gravedad ha seducido a la crítica desde que se estrenó en el Festival de Venecia, ha liderado la taquilla en EEUU y muchos otros países y hasta el mismo James Cameron ha declarado que "se trata de la mejor película jamás hecha sobre el espacio". Todos los astros se han alineado para ofrecernos un viaje interespacial que de todas maneras hará escala en la ceremonia del Oscar.




12 Years a Slave
Director: Steve McQueen (Trabajos anteriores: Hunger, Shame)
Actores: Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender, Benedict Cumberbatch, Paul Dano, Brad Pitt, Lupita Nyong'o, entre otros.
País: Estados Unidos / Reino Unido
Sinopsis: En los años previos a la Guerra Civil, Solomon Northup (Ejiofor), un hombre negro libre que vive en Nueva York, es secuestrado y vendido como esclavo. Solomon debe luchar para continuar vivo y para preservar su dignidad frente a la crueldad de su amo (Fassbender). La esperanza se convierte en su fiel compañera a lo largo de su odisea de doce años.
Por qué promete: Es la tercera vez que Steve McQueen dirige a Michael Fassbender, después de Hunger y Shame, película injustamente ignorada por la Academia. Esta vez, parece que su suerte será diferente, pues ambos figuran en todas las listas de predicciones para el Oscar, el primero como director y el segundo como actor de reparto, por su personificación de un villano descrito como la misma encarnación del mal. Chiwetel Ejiofor también ha generado un gran entusiasmo por su rol de un esclavo que lucha por su libertad. El premio del público en el Festival de Toronto augura que 12 Years a Slave va camino a generar una gran legión de admiradores. 




Blue Jasmine
Director: Woody Allen (Trabajos anteriores: Annie Hall, Match Point, Medianoche en París)
Actores: Cate Blanchett, Alec Baldwin, Peter Sarsgaard, Sally Hawkins, Michael Stuhlbarg, entre otros.
País: Estados Unidos
Sinopsis: Jasmine (Blanchett) solía ser una mujer de la alta sociedad de Nueva York, pero al quedarse sin dinero, se ve obligada a mudarse a San Francisco con su hermana Ginger (Hawkins), una mujer de clase trabajadora. Jasmine atraviesa la etapa más crucial de una grave crisis existencial, por lo que se refugia en los antidepresivos. 

Por qué promete: Woody Allen abandona temporalmente su tour europeo para filmar en San Francisco. Cate Blanchett ha recibido unas críticas sobresalientes y muchos analistas afirman que el Oscar a mejor actriz podría ser suyo... siempre y cuando Sandra Bullock no la estrelle con su nave espacial. Blanchett se uniría así al selecto grupo de actrices que ganaron un premio de la Academia en una película de Woody Allen: Diane Keaton, Dianne Wiest, Mira Sorvino y Penélope Cruz. 



August: Osage County

Director: John Wells (Trabajos anteriores: en cine The Company Men y en TV la serie ER)
Actores: Meryl Streep, Julia Roberts, Ewan McGregor, Benedict Cumberbatch, Abigail Breslin, Juliette Lewis, entre otros.
País: Estados Unidos
Sinopsis: La familia Weston se reúne con motivo del funeral del padre. El reencuentro servirá para hacer aflorar todos los conflictos entre la madre y las tres hijas, cada una de las cuales lleva una vida sentimental desastrosa.
Por qué promete: La mayoría de comentarios sobre la película han resaltado el potente trabajo del elenco. Como no podría ser de otra manera, los reflectores estarán puestos sobre la gran soberana de la pantalla grande: Meryl Streep, quien interpreta esta vez a una matriarca ponzoñosa, en la misma línea de otras creaciones suyas como Miranda Priestly (El diablo viste a la moda) o la hermana Aloysius (La duda). El poster y el trailer garantizan que será un intenso drama familiar, de esos en los que llueven platos y cachetadas. ¿Cómo resistirse a una encarnizada batalla entre Julia Roberts y Meryl Streep?



La vie d'Adèle (Blue Is the Warmest Color)

Director: Abdellatif Kechiche (Trabajos anteriores: Couscous, Black Venus)
Actores: Léa Seydoux, Adèle Exarchopoulos, Salim Kechiouche, Aurélien Recoing, entre otros.
País: Francia / Bélgica
Sinopsis: Adèle, una adolescente de 15 años, conoce y se enamora sin esperarlo de Emma, una chica con el cabello azul. Entonces, sus sentimientos y su identidad se volverán confusos. Su atracción por esta mujer comienza a descubrirle el deseo y el camino a la madurez.
Por qué promete: Desde que se estrenó en el Festival de Cannes, cautivó a todos los que la vieron y, especialmente, al jurado conformado por Steven Spielberg, Ang Lee, Nicole Kidman y Christoph Waltz, quienes le entregaron la prestigiosa Palma de Oro a la mejor película del certamen. Luego de ese momento de gloria, estalló la polémica cuando las actrices y parte del equipo técnico acusaron al director Kechiche de maltratos. El cineasta negó los cargos, por supuesto. Al margen de lo que pasó durante la filmación, las críticas coinciden en que esta historia de amor de 3 horas de duración es realmente sobresaliente.


21 oct. 2013

La rivalidad como motor

En su faceta de director, Ron Howard nos ha legado algunos títulos que sin llegar a ser extraordinarios, resultan apreciables, como Splash, Apolo 13 y Una mente brillante. Su última película se aleja de su habitual sentimentalismo para meterse a toda velocidad en el vertiginoso mundo de la Fórmula 1 en Rush, pasión y gloria

En los años 70, el inglés James Hunt y el austríaco Niki Lauda fueron dos pilotos que se conocieron en la Fórmula 3 y fueron ascendiendo hasta convertirse en los más encarnizados rivales de la Fórmula 1. Su alto grado de competitividad los llevó a mirar de frente a la muerte en más de una ocasión.

Las escenas de las carreras están filmadas con gran virtuosismo. La cámara nos mete literalmente en el casco de los competidores y nos contagia la adrenalina de la velocidad. La edición contribuye a generar suspenso en cada curva del recorrido y en cada línea de meta. Es una versión sofisticada de Rápidos y furiosos.

Sin embargo, no es necesario ser un apasionado del automovilismo para disfrutar de esta película. Porque así como es emocionante dentro de la pista, lo es fuera de ella. Sobre todo, es muy interesante la carrera de obstáculos que ambos pilotos deben afrontar en su vida privada y en su búsqueda de financiamiento.

El mérito de la dirección de Ron Howard es haber logrado que Chris Hemsworth (Thor) por fin tenga una actuación convincente como el impulsivo James Hunt. Sin embargo, quien gana el duelo interpretativo es el catalán de origen alemán Daniel Brühl, quien dota a Niki Lauda de un carácter vehemente y analítico.

Rush, pasión y gloria es un potente vehículo cuyo motor es la rivalidad y su timón es la obsesiva búsqueda de la excelencia. Además, propone una reflexión sobre cómo ciertas disciplinas conllevan un peligroso juego de seducción con la muerte, como medio para aferrarse a la vida y a la vez como búsqueda de una fama inmortal.

Título original: Rush
País y año: Estados Unidos, Alemania, Reino Unido 2013
Director: Ron Howard
Actores: Chris Hemsworth, Daniel Brühl, Olivia Wilde, Alexandra Maria Lara, Pierfrancesco Favino, entre otros.
Calificación: ****.

29 sept. 2013

Exceso de equipaje


Desde Carne trémula hasta La piel que habito, Pedro Almodóvar se dedicó en los últimos 15 años a hacer dramas intensos. Es la mejor época de su carrera, la destilación de toda su experiencia como cineasta. Ahora ha decidido dejar temporalmente las tormentas y los tormentos para volar por un cielo más despejado con la comedia Los amantes pasajeros.

Un avión se dirige a México DF, pero tiene un serio desperfecto técnico. En la clase ejecutiva, se desata el caos: primero la angustia, luego la borrachera y después las confesiones inesperadas. Mientras tanto, los tres sobrecargos intentan distraer a los pasajeros.

El propio Almodóvar ha confesado que quería volver a hacer una comedia disparatada, como aquellas con las que rompió esquemas al inicio de su carrera: Laberinto de pasiones o Entre tinieblas. Los amantes pasajeros es una heredera directa de estas obras, al mostrar personajes arrebatados, situaciones bizarras y diálogos escritos con una pluma afilada.


Al ser una comedia coral, el protagonismo se dispersa entre distintos personajes. Destacan nítidamente los tres sobrecargos gays (Javier Cámara, Carlos Areces y Raúl Arévalo), adictos al alcohol, el sexo, el chisme y los números musicales. Tanto Cecilia Roth como Lola Dueñas crean personajes memorables como la diva Norma Boss y una vidente virgen, respectivamente.

La principal falla de este vuelo piloteado por Almodóvar, es el exceso de equipaje. Todas las escenas que ocurren fuera del avión son banales. La secuencia de Penélope Cruz y Antonio Banderas, la primera que filman juntos en su vida, es anodina. Y ni qué decir de Blanca Suárez, desperdiciada en un melodrama que desencaja con el resto del film.

A pesar de camuflarse usando el disfraz de una comedia ligera, la película funciona como una metáfora de la crisis económica que azota a España: un avión sin rumbo fijo, un banquero que huye, una clase económica dopada. A algunos críticos les pareció una comparación forzada, pero yo considero que es una propuesta válida y pertinente.

Aunque Los amantes pasajeros no sea una obra maestra, no deja de ser una inclusión atractiva en la filmografía de Almodóvar, una comedia que no teme desabrocharse el cinturón de seguridad y dejar fluir sus instintos primarios.

Título original: Los amantes pasajeros
País y año: España 2013
Director: Pedro Almodóvar
Actores: Javier Cámara, Carlos Areces, Raúl Arévalo, Lola Dueñas, Cecilia Roth, Antonio de la Torre, Hugo Silva, José María Yazpik, Penélope Cruz, Antonio Banderas, Blanca Suárez, entre otros.
Calificación: *** 1/2.

22 sept. 2013

Una travesía mental sin arraigo

El espacio entre las cosas es una película peruana que escapa a todos los moldes y clasificaciones. Trata sobre un director que prepara una cinta policial y sus pensamientos se enlazan a una serie de imágenes hipnóticas, propias de un sueño difuso. En esta entrevista, el director Raúl del Busto nos cuenta cómo concibe su propuesta e invita a los espectadores a sentirse en la libertad de interpretar y seguir creando.

Al inicio de la película, una voz en off le pide a los espectadores que "no piensen, sólo sientan". ¿Esta sugerencia invita a desconectar completamente la razón?

Invita a no condicionar, a que afrontemos las cosas sin los filtros, los filtros son los pensamientos. Invitamos a ver y oír sin pensar.

El ganador de la Palma de Oro Apichatpong Weerasethakul dijo sobre la película: "Por momentos sentí que mis sueños saltaban a la pantalla". ¿Concebiste el film como un viaje onírico?

Sí, algo así, una especie de travesía mental donde no hay arraigo, donde no hay seguridades de lugar y tiempo, donde no podemos predecir qué será lo siguiente. Ese flujo constante, esa falta de permanencia que es propia del sueño y de la ilusión, me interesaba para El espacio entre las cosas.

¿El guion sufrió grandes cambios durante la filmación, a partir de los hallazgos que encontraste con la cámara?

La cámara prácticamente ha sido mi guión, gran parte de la película ha sido escrita directamente con la cámara. Me entreno en la reacción, no en la planificación.

Destaca la gran variedad de locaciones: Iquitos, Cuzco, México, Barcelona, etc. ¿Qué elementos tienen en común todas estas ciudades?

Creo que los elementos comunes son el simple hecho de que sean espacios y que haya una presencia. En el fondo, todo es lo mismo.

En la película se marcan distintos contrastes: ficción y documental, sueño y realidad, campo y ciudad, silencio y ruido. ¿Intencionalmente buscabas mostrar extremos opuestos?

Buscaba la inefabilidad, buscaba lo que está más allá de las palabras, lo que está más allá de la clasificación. Buscaba confianza en el caos y, finalmente, buscaba pero sin buscar, simplemente estando presente. Ser presencia con la cámara.

El sonido del film es uno de sus grandes atractivos: la música, el sonido ambiental, la voz en off. ¿Consideras que el cine contemporáneo nos ha acostumbrado más a ver que a prestar atención a lo que oímos?

Quizás se le dé más importancia a la imagen que al sonido, pero ambos, imagen y audio se potencian mutuamente, hay que formar el hábito de la atención plena, es dañino jerarquizar uno por sobre el otro. El asunto está en tratar de ver las cosas de manera propia, sin creencias de otro. Sentirse en la libertad de interpretar, de construir, de continuar creando, creo que eso es lo que se le quiere brindar al espectador con la película.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

 Por la experiencia vivida, prefiero no referirme a futuros proyectos, que se conozcan cuando estén listos.

7 sept. 2013

Presencias invisibles

El conjuro es un film sobre fenómenos paranormales que es, al mismo tiempo, un fenómeno en sí mismo: ha sido un notable éxito de taquilla, ha conquistado a la crítica y ha venido a reivindicar a un género tan desgastado como el terror. Desde hace varios años, ninguna cinta de terror hecha en Hollywood generaba tanta bulla y, sobre todo, tantos sustos.

Ed y Lorraine Warren son una pareja de investigadores paranormales que acuden ante la llamada de auxilio de la familia Perron, quienes viven en una casa aparentemente embrujada en Rhode Island. El hallazgo de los Warren pone en peligro a ambas familias y desata la ira de varias presencias demoníacas.

El director James Wan (Saw, Insidious) crea una atmósfera tensa y cargada de ansiedad desde la primera escena, con la perturbadora subtrama de la muñeca Annabelle. Luego, cuando la familia Perron empieza a experimentar extraños sucesos en su nueva casa, Wan dosifica adecuadamente el terror, haciendo que se vuelva cada vez más asfixiante.

No es casualidad que la historia esté situada en los años 70, una década dorada para el cine de terror, con grandes exponentes como El exorcista y La profecía. El conjuro toma algunas referencias de estos filmes y luce orgullosamente su factura clásica, sus técnicas de la “escuela antigua” al crear terror a partir de ruidos sutiles o presencias invisibles.

Vera Farmiga y Patrick Wilson lucen totalmente creíbles como Ed y Lorraine Warren. El guion aprovecha muy bien su rol de expertos y acierta al insertar sus explicaciones sobre cosas tan cotidianas como el sonido de los tablones de madera o la posesión de los espíritus malignos sobre personas vivas.

Si en algo falla El conjuro, es en el precipitado tramo final, porque la resolución se ve empañada por el sentimentalismo facilón.  Aun así, se trata de una película que podría tranquilamente reclamar su lugar de honor entre las mejores representantes del terror en lo que va de esta década.

Título original: The Conjuring
País y año: Estados Unidos 2013
Director: James Wan
Actores: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Lili Taylor, Ron Livingston, Shanley Caswell, Hayley McFarland, Joey King, entre otros.
Calificación: *** 1/2.

25 ago. 2013

Fronteras mínimas II

En el post anterior, comenté las cintas peruanas y argentinas que vi en el Festival de Cine de Lima 2013. El recuento continúa con las películas de México e Italia.

México

La jaula de oro cuenta el épico trayecto de tres adolescentes guatemaltecos, que quieren atravesar todo México para llegar a Estados Unidos. En el camino, deben enfrentar una serie de peligros que ponen a prueba su fortaleza y su propia vida.

El tema de los sacrificios que pasan los migrantes ilegales para cruzar la frontera entre México y EEUU, no es nuevo en el cine latinoamericano. Sin embargo, el director Diego Quemada-Diez logra aportar nuevos ángulos (las estafas, los secuestros, etc.) y concibe este viaje como un rito de pasaje hacia la madurez, como una  pérdida de la inocencia y una abrupta llegada de la adultez. Delinea muy  bien el arco narrativo de sus personajes y esto permite que nos identifiquemos con sus penurias. La jaula de oro obtuvo 3 premios en el Festival de Lima, entre ellos mejor ópera prima. Calificación: *** ½.


Heli es la historia de un joven del mismo nombre que vive con su familia en una zona desértica y desolada. Su hermana Estela está enamorada de un cadete, con el que quiere escaparse. En ese intento, roban unos paquetes de cocaína y las consecuencias desencadenan una ola imparable de violencia.

Esta controvertida película causó sensación en Cannes (Amat Escalante ganó el premio a mejor director) y en Lima fue elegida mejor película por el jurado. Sin duda, tiene algunos aciertos, sobre todo en la presentación de esta familia marcada por la carencia, el abandono y la añoranza. No obstante, en su afán de subrayar la violencia que azota México, Escalante muestra escenas de tortura que caen en el sensacionalismo más depravado, sólo comparable con los diarios que exponen vísceras en sus portadas. No se trata de ocultar la realidad, pero tampoco se puede magnificar los sucesos más cruentos como un espectáculo sádico. Calificación: **.


Tercera llamada es una comedia sobre un montaje teatral accidentado. Pocas semanas antes del estreno de la obra “Calígula”, la directora tiene un bloqueo creativo, decide cambiar toda la escenografía, despide al protagonista y la productora está borracha todo el tiempo.

En medio de los dramas tan complejos que suelen poblar la cartelera de los festivales de cine, siempre es refrescante encontrar comedias disparatadas como esta, tan bien escritas y actuadas. Al burlarse de todo y de todos (desde las divas decadentes hasta las soberbias estrellas en ascenso), Tercera llamada muestra con un certero humor negro las crisis, indecisiones y tormentos que suelen acompañar el proceso creativo, desde la concepción de una obra hasta su primer contacto con el público. En el numeroso reparto, es grato encontrar a Ricardo Blume en el papel de un veterano actor que tiene dificultades para recordar sus líneas. Calificación: *** ½.

Italia (Muestra paralela “La vuelta al mundo en 8 días”)


César debe morir (Cesare deve morire) es una ficción con elementos de documental sobre la formación de un taller de teatro en una cárcel de Roma. Los reclusos ensayan la obra “Julio César” de Shakespeare y, durante el proceso, descubren muchos puntos en común con su propia situación.

Esta interesante cinta ganadora del Oso de Oro en Berlín, nos abre las puertas de una prisión para presentarnos un ángulo diferente de estos hombres condenados por distintos delitos como el narcotráfico o el asalto a mano armada. Su descubrimiento del arte y su liberación momentánea sobre las tablas tienen un gran impacto emocional, sobre todo cuando deben volver a su encierro. Calificación: *** ½.

22 ago. 2013

Fronteras mínimas I

El XVII Festival de Cine de Lima acertó al organizar merecidos homenajes al cineasta estadounidense Alexander Payne, la actriz peruana Élide Brero y la actriz brasileña Gloria Pires. La nota discordante la puso el director del festival, Edgar Saba, quien expresó su malestar de que existan más festivales de cine en Lima porque, según él, “generan confusión”. Felizmente, estas desafortunadas e inoportunas declaraciones, no opacaron el principal atractivo de este encuentro: el buen cine.

Perú


Sigo siendo (Kachkarinaqmi) es un documental sobre la riqueza cultural y musical que brota en distintos rincones del Perú. Intercala los testimonios de músicos, cantantes y bailarines con la demostración de su arte.

La película de Javier Corcuera conecta las distintas historias de estos artistas que viajan por el Perú y cambian de ambiente, pero conservan intacta su identidad y la preservación de sus tradiciones. Zapateadores, danzantes de tijeras y violinistas se entrecruzan con cantantes de huaynos y música criolla en un colorido recorrido, lleno de ritmo y sentimiento. Aunque en la parte intermedia la cinta se dispersa un poco, en el tramo final alza vuelo con espectáculos impecables. Calificación: *** ½.


Rocanrol´68 es una comedia nostálgica sobre tres amigos (Sergio Gjurinovic, Jesús Alzamora y Manuel Gold)  que viven su último verano antes de la universidad, añorando ir por primera vez a un concierto de rock. Su rutina cambia cuando se muda al barrio Emma (Mariananda Shempp), una guapa chica que se autodefine como “cool” y que se convierte en la ilusión de Manolo.

El director y guionista Gonzalo Benavente Secco logra manejar de manera fluida y dinámica las interacciones entre sus protagonistas, retratando la complicidad propia de los amigos de barrio y la ingenuidad del primer enamoramiento. Sin embargo, algunos personajes secundarios no pasan de ser exagerados clichés como el padre militar anticomunista e intransigente o la feminista que repite de paporreta las reivindicaciones de su género. Merece un especial reconocimiento la enérgica banda sonora, que contribuye a crear una adecuada atmósfera vintage. Calificación: ***.

Argentina


Wakolda es un potente drama con elementos de misterio ambientado en Bariloche en los años 60. Un médico alemán se obsesiona con ayudar a crecer a Lilith, una niña de 12 años de baja estatura, que es hija de una pareja que maneja el hospedaje donde él vive. Lo que ellos no sospechan es que están albergando a uno de los criminales más despiadados de la historia.

La directora Lucía Puenzo (XXY, El niño pez) adapta para el cine su propia novela sobre Josef Mengele, un médico nazi que huyó de Europa y se escondió en Argentina. La cinta muestra cómo su afán científico se ve opacado por su obsesión por la raza pura, la perfección y la belleza. El thriller va generando una tensión invisible pero agobiante, mientras la sensación de peligro inminente se cierne sobre la familia. El sólido reparto, comandado por Alex Brendemühl, Natalia Oreiro y Diego Peretti, encaja a la perfección con el impecable guión y la sobria dirección, para lograr que Wakolda se corone como el mejor film que vi este año en el Festival de Lima. Calificación: ****.


Tesis sobre un homicidio
cuenta la historia de Roberto (Ricardo Darín), un abogado que da clases sobre derecho penal. Una noche, hay un crimen afuera de la facultad y Roberto cree conocer la identidad del asesino. Poco a poco, su sospecha se convierte en certeza y su búsqueda de la verdad se transforma en una obsesión destructiva.

Por momentos, parece que  Darín estuviese repitiendo el mismo personaje que tuvo en El secreto de sus ojos: un investigador que debe esclarecer un asesinato y va en búsqueda de pistas para comprobar sus teorías. Sin embargo, el guión de Tesis sobre un homicidio no deja lugar para muchas sorpresas, revela todas sus cartas muy temprano y luego le resulta más complicado mantener el interés hasta el final. Calificación: ** ½.

En el siguiente post, escribiré sobre las películas de México e Italia.

31 jul. 2013

Desconcierto general

Siguiendo los pasos de Asu Mare (el mayor éxito de taquilla de todos los tiempos en Perú), se acaba de estrenar otro film nacional que ya está batiendo récords a diestra y siniestra: Cementerio general. Ha logrado ser la cinta de terror con el mayor número de espectadores (218 mil) en su primer fin de semana (superando a toda la saga de Actividad paranormal). Pero allí no acaban las similitudes entre Asu Mare y Cementerio general: ambas privilegian la cantidad por encima de la calidad.

En Iquitos, un grupo de adolescentes se aventuran a jugar a la ouija para poder contactar al padre fallecido de una de ellos. No se les ocurre mejor idea que ir a un cementerio de noche, lo que desencadena sucesos trágicos y paranormales.

Recogiendo el estilo de otras cintas como El proyecto de la bruja de Blair, Rec o Cloverfield, Cementerio general también muestra material supuestamente filmado por uno de los personajes, con la cámara en mano. No obstante, después de que un personaje anuncie que lo que veremos a continuación es lo que él ha gradado con su cámara, es ilógico que la edición alterne tomas filmadas por él, con otras donde él aparece en el encuadre supuestamente filmando lo que está en pantalla. Este constante cambio de punto de vista no sólo distrae, sino que además le resta coherencia a la propuesta.

El guión maneja algunos ases bajo la manga, para desconcertar a los espectadores. Lamentablemente, en ese afán de sorprender, sacrifican y abandonan la trama de la niña poseída por una melodramática historia de venganza e intriga pasional, que no termina de ensamblarse bien al argumento.

El elenco tiene un par de sorpresas agradables, especialmente Airam Galliani y Nikko Ponce, quienes son los que más se acercan a lograr una actuación creíble. En cambio, Marisol Aguirre y Diva Rivera tienen algunas escenas tan mal actuadas que provocan risas involuntarias.

La experiencia de Asu Mare y Cementerio general demuestra que el cine de género (puntualmente la comedia y el terror) funcionan muy bien en la taquilla y su gran mérito es haber logrado que por fin los espectadores peruanos acudan en masa a ver su propio cine.

Pero así como ambas producciones tienen una cuidada escenografía y fotografía, el reto es que en el futuro las películas peruanas de género busquen mejores guionistas, que sepan narrar una historia consistente, sin cabos sueltos que evidencien improvisación ni facilismo.

Título original: Cementerio general
País y año: Perú 2013
Director: Dorian Fernández
Actores: Airam Galliani, Nikko Ponce, Leslie Shaw, Marisol Aguirre, Jürgen Gömez, Diva Rivera, entre otros.
Calficación: **.

27 jun. 2013

Acero fundido

¿Es un videojuego? ¿Es una película de Michael Bay? No, es El hombre de acero, la nueva versión de una vieja franquicia, adaptada a los requerimientos del cine comercial contemporáneo: a más explosiones por minuto, mayor impacto y mayor aturdimiento.

Tras una guerra en el planeta de Krypton, Jor-El envía a su hijo Kal a la tierra para evitar que muera. Allí es adoptado por la familia Kent, quienes le dan el nombre de Clark. Él intenta vivir como cualquier humano, pero sus poderes especiales lo agobian y lo motivan a buscar su origen. Cuando el General Zod llega de Krypton dispuesto a destruir la tierra, Clark debe enfrentarlo para salvar al planeta que lo acogió.

Debido al gran éxito que tuvo Christopher Nolan al resucitar la saga de Batman, el estudio Warner Bros. lo contrató para hacer lo mismo con Superman. Sin embargo, en El hombre de acero Nolan asume los roles de productor y guionista, pero le cede la silla de director al hiperactivo Zack Snyder, responsable de 300 y Watchmen.

El resultado final refleja que ambos cineastas quisieron aportar sus marcas registradas. Por un lado, el guión de Nolan evidencia un interés por ahondar en el costado más frágil, desconcertado y atormentado de Superman, lo cual funciona sobre todo en los flashbacks que nos llevan a su niñez y adolescencia. Sin embargo, falla cuando el personaje de Jor-El se convierte en un fantasma sabelotodo que aparece de la nada para ofrecer soluciones prácticas o atajos convenientes.

Por otro lado, el director Zack Snyder siente la imperiosa necesidad de potenciar y alargar las escenas de batalla con una serie de explosiones múltiples y acrobacias imposibles, especialmente en la última media hora. Es allí cuando salen a relucir los efectos visuales para destruir todo lo que encuentren a su paso.

Henry Cavill luce una musculatura de fisicoculturista que opaca su actuación ligeramente por encima del promedio. La mayoría de sus compañeros de reparto son todos ganadores o nominados al Oscar: Russell Crowe, Kevin Costner, Amy Adams, Diane Lane y Michael Shannon, todos correctos, pero ninguno sobresaliente.

El hombre de acero es una película que narra el origen de un mito y deja el terreno fértil para desarrollar a los personajes y sus motivaciones en las próximas secuelas. Sirve como un capítulo introductorio, pero no llega a aportar la misma frescura y desenfado que sí lograron otras franquicias de superhéroes recientemente recicladas, como X-Men o el mismo Batman.


Tìtulo original: Man of Steel
País y año: Estados Unidos 2013
Director: Zack Snyder
Actores: Henry Cavill, Russell Crowe, Kevin Costner, Amy Adams, Diane Lane, Michael Shannon, Antje Traue, Laurence Fishburne, entre otros.
Calificación: ** 1/2.

23 jun. 2013

Fantasmas en la selva

En el Festival de Cannes 2010, el jurado presidido por Tim Burton eligió como mejor película a la tailandesa El tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas. Tres años después, por fin pudimos apreciar en nuestro país esta interesante cinta, que formó parte de la programación del Festival Internacional de Cine Lima Independiente. Incluso, el director Apichatpong Weerasethakul estuvo presente en la proyección y contestó las preguntas del público.

En un paraje de la selva tailandesa, el tío Boonmee está desahuciado debido a una deficiencia renal. Mientras se acerca al final de sus días, es cuidado por sus familiares más cercanos y se reencuentra con los fantasmas de su esposa y de su hijo, al que creía perdido.

Como digna ganadora de la Palma de Oro en Cannes, esta película no tiene una narrativa tradicional, ni se ajusta a las nociones preconcebidas que podemos tener los espectadores de Occidente. Por el contrario, nos desafía a imbuirnos en una atmósfera enrarecida, en la que lo bizarro se entremezcla con lo cotidiano y lo barniza con un nuevo sentido.

El director y guionista Weerasethakul se vale de personajes fantásticos (como un hombre mono o un bagre parlante) para hablar de la transformación y la reencarnación como formas de prolongar la vida en otro cuerpo o en otra dimensión. También demuestra cómo una misma persona asume vidas paralelas, como aquel monje tibetano que se escapa del convento para tener una noche mundana.

El karma es otro tema que aparece a lo largo del relato. El protagonista reflexiona sobre aquellos actos de su vida, como su participación en la guerra, que tienen una incidencia directa en su deteriorada salud. Se pregunta a sí mismo (y a la audiencia) si las consecuencias de sus actos se convierten en un castigo imposible de escapar.

El tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas es una película que nos invita a interpretar con libertad sus distintas capas narrativas. No pretende que comprendamos las escenas desconcertantes de manera literal, sino como espejos deformados que se proyectan hacia el pasado o futuro, para contarnos cómo la vida se transforma y evoluciona.

Título original: Loong Boonmee raleuk chat
País y año: Tailandia 2010
Director: Apichatpong Weerasethakul

Actores: Thanapat Saisaymar, Jenjira Pongpas, Sakda Kaewbuadee, entre otros.
Calificación: *** 1/2.

30 may. 2013

El gran garbo

Tantas veces Gatsby. La clásica novela de F. Scott Fitzgerald, El gran Gatsby, es adaptada al cine por sexta vez, ahora bajo las hiperactivas manos del australiano Baz Luhrmann. En su afán de correr riesgos, esta versión puede resultar algo excesiva, lo cual no necesariamente es un defecto.

Nick Carraway (Tobey Maguire) es un muchacho que se instala en Long Island en los años 20 y que visita constantemente a su prima Daisy (Carey Mulligan), quien vive en una mansión con su esposo Tom al otro lado de la bahía. El vecino de Nick es el misterioso Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio), un magnate que organiza unas fiestas apoteósicas.

En la primera media hora, cuando Gatsby aún no entra en escena, el interés por conocerlo va ascendiendo a medida que escuchamos distintas historias sobre su origen. Cuando por fin aparece, la fascinación se multiplica, primero por su mundo de lujos y extravagancias; luego, por el renacer de un romance prohibido.

Leonardo DiCaprio explota nuevamente su faceta seductora, aquella que lo volvió popular al inicio de su carrera, pero ahora está mucho más asentado como actor y puede incorporar a su personaje matices más oscuros y retorcidos, lo que demuestra su evolución como intérprete.

Carey Mulligan está correcta como la ingenua Daisy, torturada por su propia indecisión. Y Elizabeth Debicki es una revelación como la elegante golfista Jordan. El único que desentona en el reparto es Tobey Maguire, quien evidencia su escasa capacidad de transmitir emociones genuinas o de tomar las riendas de una escena, porque siempre habrá alguien que lo opaque.

Al igual que en su vanguardista musical Moulin Rouge!, el director Baz Luhrmann inserta música contemporánea como pop o hip hop a un escenario de otro siglo. Aquí la estrategia funciona bien en la mayoría de casos, sobre todo gracias a las poderosas canciones de Florence + The Machine, Lana Del Rey o Sia. El soundtrack es un espectáculo tan atractivo que por momentos llega a opacar al desarrollo narrativo.

Lo mismo podríamos decir de los efectos visuales, las vistosas escenas de baile, el ostentoso diseño de producción o la cámara siempre inquieta, que nos invita a disfrutar la explosión de estímulos y colores. El gran Gatsby es una fiesta majestuosa en la que cada detalle ha sido planeado para el máximo deleite de los invitados, pero es comprensible que algunos puedan sentirse mareados o embriagados antes de llegar a la puerta de salida.

Título original: The Great Gatsby
País y año: Australia / Estados Unidos 2013
Director: Baz Luhrmann
Actores: Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan, Tobey Maguire, Joel Edgerton, Elizabeth Debicki, Isla Fisher, entre otros.
Calificación: ***.

27 abr. 2013

Un infomercial moralista


Asu Mare se ha convertido en un fenómeno social sin precedentes en la historia del cine peruano, porque está a punto de coronarse como el film más taquillero de todos los tiempos en nuestro país y porque ha atizado las brasas del debate sobre el aporte económico del Estado a los proyectos locales. Sin embargo, al margen de toda la bulla que ha generado, estamos ante una película mediocre, con más limitaciones que aciertos.

“Cachín” (Carlos Alcántara) es un chico pobre que sueña con ser una estrella de televisión y que debe superar ciertos complejos para conquistar a una chica de otro estrato social. En todo momento, su mamá lo apoya incansablemente y le inculca disciplina.

El film está basado en el espectáculo de stand-up comedy del mismo nombre. De hecho, intercala algunos extractos del show de Alcántara con otras escenas que recrean distintos pasajes de su vida. Lamentablemente, ese paralelo resulta forzado porque cuando una escena empieza a generar interés, por ejemplo, Cachín se acerca a la chica que le gusta para sacarla a bailar, se corta la escena y la edición nos lleva a un pub en el que Alcántara le cuenta a los espectadores qué pasó esa noche, qué se dijeron y cómo bailaron. 

Entiendo que el carisma de Alcántara es el punto fuerte de su espectáculo y han querido mantener ese atributo intacto en el film. Pero transmitir extractos de su stand up comedy en vez de desarrollarlos como una ficción, es un desperdicio tan grande como si en la película de una adaptación literaria, se interrumpieran las escenas para mostrar al autor de la novela sentado en un sofá leyendo en voz alta.

Y si hablamos de leer, ¡qué inoportuno el rol del narrador moralista! Toda la gracia y picardía que Alcántara despliega en su show, se opaca cuando su voz en off recita desgastados textos de manuales de autoayuda, sobre la superación personal y la lucha por un sueño. La arbitrariedad y el afán educativo llegan a un punto crítico cuando Cachín abandona las drogas repentinamente porque un niño de la calle le regala una nariz roja y acto seguido, él va a un taller de claun para rehacer su vida y purgar sus penas.

Donde sí acierta el film es en la recreación de los años 80 y 90, al captar de manera convincente el look de esas décadas, en cuanto a la dirección de arte, maquillaje y vestuario. Algunos personajes secundarios también saben aprovechar sus fugaces apariciones para crear los momentos más divertidos del film, especialmente Wendy Ramos como una mujer con diferentes oficios: vidente, costurera y usurera. 

Como mencionaba al inicio, Asu Mare ha revivido el debate sobre el financiamiento del cine en nuestro país. La mayoría de películas peruanas sufren para conseguir apoyo económico y a duras penas se las arreglan con el escaso apoyo del Estado, pero este film ha tenido la bendición de conseguir el auspicio de varias empresas privadas. De todos modos, resulta excesivo que muestren primeros planos de esas marcas y las inserten gratuitamente en la trama, porque la película pasa a ser un infomercial descarado. 

Al final, resulta evidente que es un producto hecho por un equipo de publicistas y no por un cineasta de oficio. Será por eso que han hecho estudios de mercado para conocer a su público y han elaborado un entretenimiento extra light, con buen empaque pero un contenido pobre.

Título original: Asu Mare
País y año: Perú 2013
Director: Ricardo Maldonado
Actores: Carlos Alcántara, Ana Cecilia Natteri, Gisela Ponce de León, Emilia Drago, Wendy Ramos, Johanna San Miguel, Carlos Carlín, Tatiana Astengo, Gonzalo Torres, entre otros.

Calificación: **.

3 abr. 2013

La ciudad fantasma


Una epidemia trae consigo muerte, ausencia, abandono, desconfianza e incertidumbre. Pero también representa un acercamiento entre los sobrevivientes. De eso trata El limpiador, la estupenda ópera primera de Adrián Saba, que nos muestra una Lima arrasada por una enfermedad contagiosa que está desapareciendo a la población.

La película es narrada desde la perspectiva de Eusebio, un limpiador forense encargado de levantar los cadáveres de las víctimas de la epidemia. Inesperadamente, en una de las casas que debe “limpiar”, encuentra a Joaquín, un niño que acaba de quedar huérfano. Sin proponérselo, decide hacerse cargo de él, al menos hasta que encuentre algún pariente del niño.

Tanto Eusebio como Joaquín tienen en común una relación ausente y/o distante con sus respectivos padres. Esa carencia los hermana. La soledad los obliga a acompañarse. Su inicial incomunicación va desapareciendo sutilmente para dar paso a una relación de complicidad y mutua dependencia.

En el rol de Eusebio, Víctor Prada logra una actuación de emociones contenidas, que empiezan a aflorar en medio de la catástrofe. Por su parte, el debutante Adrián Du Bois acierta como el desorientado Joaquín. En un rol fugaz, Ana Cecilia Natteri se roba la atención como una mujer que se sorprende al encontrar gente viva en el metro.

Lima aparece irreconocible. Está más gris que nunca, devastada y vacía. La fotografía, que privilegia los tonos opacos y sombríos, contribuye a crear la atmósfera de una ciudad fantasma.

El director y guionista Adrián Saba no pretende ahondar en el origen de la epidemia, tan sólo presenta algunos datos sueltos a través de las transmisiones de los noticieros locales. Prefiere concentrarse en mostrar cómo a pesar de que la ciudad es consumida por la muerte, dos personas solas se aferran juntas a la vida.

Título original: El limpiador
País y año: Perú 2013
Director: Adrián Saba
Actores: Víctor Prada, Adrián Du Bois, Miguel Iza, Carlos Gassols, Mario Velásquez, Ana Cecilia Natteri, Milena Alva, entre otros.
Calificación: ****.

31 mar. 2013

La experiencia surreal de Adrián Saba


Tiene sólo 24 años y ya es una de las grandes promesas del cine peruano. Su ópera prima, El limpiador, recibió una mención especial en la categoría Nuevos directores en el Festival de San Sebastián y también triunfó en la categoría New Voices / New Visions en el Festival de Palm Springs. En esta entrevista nos cuenta sobre el proceso de escritura y filmación, las satisfacciones que le ha dado su primer film y su experiencia actual en Cannes.  

¿En qué te inspiraste para escribir el guión de El limpiador?

La inspiración es un proceso imposible de entender. No recuerdo el día preciso que nació la idea. Tenía ganas de hacer una película sobre una epidemia en Lima y justo un día vi en la tele un documental sobre limpiadores forenses. Me pregunté: ¿Qué es lo peor que le puede pasar a alguien que se dedica a eso? Encontrar un pedacito de vida entre tanta muerte.

¿Qué fue lo más complicado del proceso de filmación?

Conseguir ciertas locaciones. En muchos casos, teníamos que filmar un domingo de madrugada para que ciertas zonas de Lima estén vacías. En otros casos, lo logramos con la magia del cine, porque si bien en una escena no se ve nadie, detrás de cámaras hay mucha gente pasando por ahí. Además, recuerdo haber tenido pesadillas para conseguir el auto del protagonista, por distintos motivos tuvimos que usar tres autos diferentes durante la filmación. 

¿Cómo lograste que surgiera tanta complicidad entre los dos protagonistas, Víctor Prada y Adrián Du Bois?

Antes de filmar, tuvimos ocho ensayos en total. También ayudó mucho el hecho que ambos son muy talentosos y muy lindas personas. Una película de por sí es un proceso super intenso y todo el equipo termina muy unido.

¿Cómo descubriste al niño protagonista, Adrián Du Bois?

Lo vi en una obra de teatro, unos tres o cuatro años antes de filmar la peli. Contacté a su mamá, vinieron a mi casa, nos conocimos y jugamos Play. Ahora soy muy amigo de él y sus papás, todos están muy contentos con la peli.

¿Cuál ha sido la mayor satisfacción que te ha dejado tu primera película?

Que a pesar de haber estado en muy pocas salas, ha tenido un buen recibimiento. La cantidad de espectadores ha superado mis expectativas. Además, poder estar ahora en la residencia de Cannes, siento que se lo debo a El limpiador.

Actualmente estás becado en Cannes escribiendo tu nueva película. ¿Cómo describirías esta experiencia?

¡Es surreal! Hace 5 meses, cuando estrenamos la película en San Sebastián, yo me sentía perdido, no sabía dónde estaba. Ahora en Cannes, he aprendido un montón y sigo aprendiendo. He conocido gente muy linda y espero seguir estableciendo contactos que duren toda la vida. Me siento muy contento y afortunado.

Después del éxito que ha tenido El limpiador en varios festivales internacionales, ¿crees que podría ser la representante del Perú en los Oscar?

(Risas) Sí, sería increíble. Pero no sé, porque este año se vienen varias pelis peruanas muy buenas, de los hermanos Vega, Enrica Pérez, entre otros. De que me encantaría, por supuesto que sí. Así que ojalá que la persona que decide eso, lea esta entrevista.

21 mar. 2013

La permanencia del amor


En una de las escenas más memorables de Amour, el protagonista le cuenta a su esposa sobre la gran impresión que le dejó cierto film cuando era un niño y cómo a pesar de no recordar bien la película, aún tenía muy presente la sensación que tuvo al verla. Como espectador, me puedo identificar plenamente con ese relato y estoy seguro que dentro de muchos años, seguiré recordando las sensaciones que ha generado en mí esta obra maestra.

Georges (Jean-Louis Trintignant) y Anne (Emmanuelle Riva) son una pareja de músicos retirados y octogenarios. Repentinamente, ella sufre una grave parálisis y su salud empieza a deteriorarse vertiginosamente. Georges se dedica exclusivamente a atenderla, aunque ella se resiste a que ambos tengan que pasar por ese martirio.

El cineasta alemán Michael Haneke ya me había deslumbrado con sus inquietantes y magníficos filmes Escondido y La cinta blanca. Con Amour demuestra una vez más que es uno de los mejores exponentes contemporáneos del cine de autor, por su gran maestría narrativa y su capacidad de conmocionar sin llegar a lo grotesco. En las escenas más cotidianas, sabe infiltrar un elemento que quiebra repentinamente el orden y nada vuelve a ser como antes.

En esta ocasión, Haneke pone en evidencia los sacrificios extremos y agobiantes que uno está dispuesto a hacer por amor. Cuando el sufrimiento es insoportable y el dolor reemplaza a cualquier otra sensación, ¿es justo para el enfermo y para su pareja seguir aferrándose a la vida a través de un hilo muy frágil? Cualquiera que ha tenido a un ser querido sufriendo una enfermedad terminal, sabe lo duro que es verlo apagarse lenta e irremediablemente.

Georges y Anne son una pareja icónica, porque en cada gesto se evidencia el entendimiento mutuo que llega tras haber compartido toda una vida. En el devastador acto final, se demuestra cómo la búsqueda del bienestar de ella, condena a él a una culpa insoportable e imposible de cargar sobre sus hombros.

Los dos protagonistas ofrecen actuaciones impecables y grandiosas. Emmanuelle Riva está fenomenal mostrando el estoicismo de Anne cuando se enfrenta a su enfermedad. Jean-Louis Trintignant conmueve con la enorme entrega y dedicación de Georges. En un rol secundario, la tremenda actriz Isabelle Huppert destaca como la única hija de la pareja.

Amour es una película que puede resultar muy chocante para ciertos espectadores, porque el desenlace es desconcertante y sobrecogedor. Sin embargo, esa conmoción no debe opacar la belleza de un film que muestra un romance tan puro y tan honesto, tan cómplice y tan incondicional.

Título original: Amour
País y año: Austria, Francia y Alemania 2012
Director: Michael Haneke
Actores: Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, Alexandre Tharaud, William Shimell, Ramón Agirre, Rita Blanco, entre otros.

Calificación: *****.

12 mar. 2013

Temporada de caza

La noche más oscura nos muestra la larga cacería del terrorista más buscado del mundo, mientras que The Master analiza cómo un hombre sin rumbo es captado por una secta religiosa.

La hora de Chastain

La directora Kathryn Bigelow retrató el miedo y la paranoia de un equipo especializado en desactivar bombas en Irak en su film anterior The Hurt Locker. En La noche más oscura (Zero Dark Thirty) nos enseña un ángulo diferente de este conflicto: cómo durante una década la CIA rastrea y persigue a Osama Bin Laden.

Cuando la agente Maya (Jessica Chastain) llega a Pakistán, presencia impactada cómo se tortura a los detenidos para obtener información. Sin embargo, su piel empieza a endurecerse a medida que, internamente se enfrenta a una barrera de prejuicios y obstáculos burocráticos y, externamente, sus compañeros son víctimas de ataques terroristas.

Después de interpretar a personajes más ingenuos (Historias cruzadas) o maternales (El árbol de la vida), Jessica Chastain continúa sorprendiéndonos con su gran versatilidad, logrando una actuación vibrante como una mujer consumida por su obsesión y enfocada en lograr su objetivo hasta el final. Es notable la evolución de su personaje y la manera cómo carga con todo el peso dramático del film.

Aunque conocemos el desenlace de antemano, por ser un hecho histórico tan reciente, Bigelow maneja estupendamente la tensión, involucrando al espectador en la labor de inteligencia y en la persecución de pistas aparentemente imposibles de ubicar. La impecable edición contribuye a alternar con buen pulso narrativo todas las idas y venidas de esta búsqueda exhaustiva y extenuante.

Título original: Zero Dark Thirty
País y año: Estados Unidos 2012
Directora: Kathryn Bigelow
Actores: Jessica Chastain, Joel Edgerton, Chris Pratt, Jason Clarke, Kyle Chandler, Jennifer Ehle, Édgar Ramírez, James Gandolfini, entre otros.
Calificación: ****.


La maestría de Phoenix y Hoffman

Paul Thomas Anderson es uno de los directores más interesantes del cine norteamericano actual, porque experimenta constantemente y exige tanto de sus actores como de los espectadores. Luego de su obra maestra Petróleo sangriento (There Will Be Blood), continúa indagando en los extremos del fanatismo religioso en su último film, The Master

Aunque nunca se le menciona directamente, la película estaría basada en la historia de la Iglesia de la Cienciología.
Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) es un carismático intelectual que funda su propio culto religioso en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Freddie Quell (Joaquin Phoenix) es un veterano de guerra desorientado y sumido en el alcohol, que tras ser captado por la secta de Dodd, se convierte en su conejillo de indias.

The Master maneja una estructura narrativa poco convencional, lo que resulta demandante para ciertos espectadores. Está encadenada por episodios que a simple vista parecen no tener mucha relación entre sí, pero que conforman un todo intrigante. La sucesión de métodos que utiliza Dodd para transformar y acaso hipnotizar a Freddie, terminan convirtiéndolo en poco menos que un animal domesticado. Es una crítica abierta y directa a la manera en que muchos cultos religiosos adoctrinan y adormecen a sus seguidores.

Haciendo honor al título, este film es una verdadera clase maestra de actuación. Philip Seymour Hoffman aporta su experiencia de viejo zorro con amplia capacidad persuasiva. En contraposición, Joaquin Phoenix nos recuerda con esta electrizante interpretación que no hay nadie mejor que él para darles vida a estos personajes quebrados, vulnerables y torturados en busca de una sanación o una ruta de escape.

Título original: The Master
País y año: Estados Unidos 2012
Director: Paul Thomas Anderson
Actores: Philip Seymour Hoffman, Joaquin Phoenix, Amy Adams, Laura Dern, entre otros.
Calificación: ****.

3 mar. 2013

De la miseria a la gloria

El musical Los miserables y la comedia Juegos del destino tienen como denominador común un protagonista masculino que sale de su encierro para reintegrarse a la sociedad. Sin embargo, quienes más destacan son las actrices Anne Hathaway y Jennifer Lawrence. Ambas resultaron ganadoras en la última ceremonia del Oscar, como mejor actriz de reparto y actriz principal, respectivamente. 

Sueños truncos 

Los miserables es una adaptación de la obra teatral, que a su vez se basó en la novela de Victor Hugo. Nos sitúa en la Francia del Siglo XIX, cuando Jean Valjean (Hugh Jackman) sale de prisión e intenta rehacer su vida. Sin embargo, el vehemente inspector Javert (Russell Crowe) lo persigue buscando una excusa que le permita devolverlo a la cárcel. 

Hugh Jackman es una acertada opción para interpretar a Valjean: es muy buen cantante, tiene un gran dominio escénico y conmueve cuando el melodrama lo amerita. En papeles secundarios, Eddie Redmayne (Marius) y Samantha Barks (Éponine) son gratas revelaciones. En cambio, Russell Crowe es un error de casting: entona sus temas con dejadez y un perpetuo ceño fruncido.

Anne Hathaway logra el pico más alto de su carrera gracias a su interpretación de Fantine, una madre soltera obligada a prostituirse. Su versión del clásico tema “I dreamed a dream” es sencillamente brillante: en un primer plano y sin cortes de edición, deja fluir un maremoto de emociones que no le permite al espectador quedarse indiferente. Cuando desaparece de escena, es imposible no echarla de menos.

Dentro del género musical, Los miserables se diferencia de las grandes exponentes del género por su tono solemne y sombrío. Es una épica producción con grandes interpretaciones y canciones memorables sobre sueños truncos, amores perdidos e ideales contrapuestos. No obstante, resulta desconcertante y hasta agotador que prácticamente toda la película sea cantada; se extraña la inclusión de más diálogos hablados que nos den un respiro.

Título original: Les Misérables
País y año: Reino Unido - Estados Unidos 2012
Director: Tom Hooper
Actores: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen, Eddie Redmayne, entre otros.
Calificación: *** 1/2.

Romance bipolar

Cuando le dan de alta en el hospital psiquiátrico, Pat (Bradley Cooper) se muda con sus padres e intenta regresar con su esposa. Sus planes se complican cuando se cruza en su camino Tiffany (Jennifer Lawrence), una chica problemática que acaba de enviudar.

Lo mejor de Juegos del destino es que aborda con naturalidad y frescura el tema de las enfermedades mentales, particularmente el trastorno bipolar, mostrando los problemas que generan para el propio individuo y su sociabilización con el entorno.

Bradley Cooper demuestra que puede asumir papeles más demandantes y que su carrera puede continuar despegando. Su coprotagonista Jennifer Lawrence opaca a todo el reparto, incluyendo a Robert De Niro, con un personaje frágil y herido que se defiende con una coraza manipuladora y siempre a la defensiva.

Juegos del destino es una comedia romántica que emociona y entretiene. Pero a pesar de sus grandes aciertos, pierde puntos por la inclusión de algunos clichés y, sobre todo, por una moraleja cuestionable: que el mejor tratamiento es el amor, en vez de la ayuda profesional.

Título original: Silver Linings Playbook
País y año: Estados Unidos 2012
Director: David O. Russell
Actores: Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Jacki Weaver, Chris Tucker, entre otros.
Calificación: ***.

28 feb. 2013

Yo te libero




Django sin cadenas y Lincoln están encadenadas por una serie de similitudes: ambas transcurren en el Siglo XIX, ambas abordan el tema de la esclavitud y ambas triunfaron en las categorías de actuación en el Oscar. 

Abolición vs. Oposición

Lincoln nos sitúa en medio de la Guerra Civil, cuando el Presidente Abraham Lincoln (Daniel Day-Lewis) decide abolir la esclavitud, pero su propuesta encuentra opositores dentro de su gabinete y en la Cámara de Representantes.

Las mejores escenas de Lincoln son las enmarañadas negociaciones que se hacen entre los demócratas y republicanos para llegar a un acuerdo que les permita alcanzar el número de votos necesario para aprobar la ley. Los conflictos de intereses y la compra de voluntades nos resultan familiares, porque siguen gozando de una envidiable vigencia.

El director Steven Spielberg nos muestra un estilo más reflexivo y contenido, lo cual demuestra su madurez como cineasta. Sin embargo, la película llega a tornarse un poco reiterativa y da vueltas en círculos, lo que alarga el metraje más de lo necesario.

Sally Field está fantástica como la Primera Dama Mary Todd Lincoln y Tommy Lee Jones brilla como un senador combativo. Sin embargo, éste es el show de Daniel Day-Lewis, quien tiene una actuación sublime y transmite la sabiduría de un líder inspirador. Ha logrado el tercer Oscar de su carrera por este papel y se lo merece: es un brillante camaleón capaz de adoptar el acento, los movimientos y gestos de cualquier personaje, para conferirle una nueva vida y un renovado significado. 


Tìtulo original: Lincoln
País y año: EEUU 2012
Director: Steven Spielberg
Actores: Daniel Day-Lewis, Sally Field, Tommy Lee Jones, David Strathairn, Joseph Gordon-Levitt, James Spader, Hal Holbrook,John Hawkes, entre otros.
Calificación: *** 1/2.

El negocio de la revancha 

En los años previos a la Guerra Civil, un cazador de recompensas, el doctor alemán King Schultz, libera a un esclavo llamado Django para que lo ayude a identificar a unos buscados criminales. Tras convertirse en socios y aliados, se embarcan en la misión de rescatar a la esposa de Django, quien trabaja como esclava en una brutal plantación en Mississippi.

Quentin Tarantino es uno de los cineastas que mejor ha graficado las historias de venganza y reivindicación. Basta recordar la épica revancha de la Novia en Kill Bill y de Shosanna en Bastardos sin gloria. Aunque Django sin cadenas tiene un desenlace que destila cierta sensación de dèja vu, tiene como contrapeso una notable galería de personajes memorables.

Jamie Foxx cumple lo justo y necesario con su papel de héroe vengador, pero es opacado por sus tres compañeros de reparto: Leonardo DiCaprio, quien confecciona un villano obsesivo; Samuel L. Jackson, quien siembra el terror con una sola mirada de desconfianza; y, sobre todo, Christoph Waltz, quien es bendecido con las mejores líneas de diálogo y toma por asalto cada escena con su ironía y magnetismo. Waltz ganó el Oscar a mejor actor de reparto por Django sin cadenas, el mismo premio que obtuvo hace 3 años por otro film de Tarantino, Bastardos sin gloria


Sobre todo durante el inicio e intermedio de la película, el excelente guión nos depara escenas de gran tensión y suspenso, matizadas con las dosis justas de humor negro. Tarantino nos ha acostumbrado a esperar que las escenas más cotidianas y aparentemente distendidas, pueden tornarse repentinamente en un ajuste de cuentas o una explosiva confrontación. Y mientras siga sorprendiéndonos, seguiremos asistiendo a sus festines sangrientos.

Tìtulo original: Django Unchained
País y año: EEUU 2012
Director: Quentin Tarantino
Actores: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Samuel L. Jackson, Kerry Washington, Walton Goggins, entre otros.
Calificación: ****.