27 dic. 2014

El costo de la codicia

Si en la trilogía de El señor de los anillos, Peter Jackson supo mantener la calidad en cada entrega y se guardó lo más espectacular para el tercer capítulo, El retorno del rey; en la trilogía de El Hobbit, sus mejores armas se agotaron en la segunda entrega, La desolación de Smaug, mientras que el tercer y último episodio de la saga, La batalla de los cinco ejércitos, parece destinada a satisfacer sólo a los fanáticos más acérrimos, aquellos capaces de perdonar todos los excesos de Jackson.

Sin demasiados preámbulos, la cinta se inicia con una tensa secuencia de acción: el dragón Smaug vuela hacia la Ciudad del Lago para destruirla. Posteriormente, Sauron envía un contingente de orcos hacia la Montaña Solitaria en un ataque furtivo, mientras los enanos, los orcos y los hombres se pelean por la posesión de los tesoros que esta montaña esconde.

En esa corta pero inquietante secuencia inicial, Smaug confirma su poder de atracción como el personaje más interesante de toda la trilogía y, una vez que desaparece de escena, se siente un vacío que ningún orco deforme, ni enano ambicioso, ni elfo perfectamente peinado puede llenar.

Toda la mística especial que Peter Jackson logró crear en la trilogía anterior, ahora se diluye en la neblina a causa de sus excesos. La celestial Galadriel (Cate Blanchett) se transforma brevemente en un terrorífico fantasma gótico que recuerda a Samara de El aro; la elfa Tauriel (Evangeline Lilly) llora desconsolada como sufrida heroína de melodrama y se pregunta por qué el amor duele tanto; Legolas (Orlando Bloom) tiene más armas escondidas en el cuerpo que el agente 007 y hace saltos imposibles en el aire mientras intenta atravesar un puente que se cae a pedazos.

En la larga batalla final, Jackson recupera parcialmente la energía y ritmo que sabe imprimir cuando está inspirado. Mejor aún, deja sembradas las claves y conexiones que generan la continuidad narrativa con La comunidad del anillo. Por ejemplo: Legolas define su próximo destino, mientras que Bilbo recibe a un viejo amigo en el desenlace.

Indudablemente, el tema recurrente de los tres capítulos de El hobbit es la codicia, como motivación principal del dragón y de todas las razas que desean repartirse el botín de la Montaña Solitaria. No deja de ser irónico que esa misma codicia sea la que ha empujado a Peter Jackson y los otros productores de la saga a alargar innecesariamente esta historia en tres películas que bien pudieron ser una sola o a lo mucho dos. Pero no, les ganó la tentación de generar más taquilla y luego echarse como Smaug encima de su cuantioso tesoro.



Título original: The Hobbit: The Battle of the Five Armies
País y año: Estados Unidos / Nueva Zelanda 2014
Director: Peter Jackson
Actores: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, Aidan Turner, Orlando Bloom, Evangeline Lilly, Cate Blanchett, Luke Evans, entre otros.
Calificación: ** 1/2.

22 dic. 2014

Fantasmas incestuosos

Hace 13 años, David Lynch mostró en Mulholland Dr. a Hollywood como una pesadilla perversa y retorcida en la que todos son contaminados. Ahora, David Cronenberg expone en Polvo de estrellas (Maps to the Stars) otra faceta tóxica de la industria del cine, un imperio construido en base al egocentrismo, la ambición, la codicia y hasta el incesto.

Dos familias disfuncionales son la base de la película. Por un lado, está Havana Segrand, una actriz obsesionada con interpretar el mismo papel que hizo famosa a su madre Clarice. Ella falleció hace muchos años en un incendio, pero su fantasma visita a Havana para atormentarla. Poco a poco se revelan los maltratos y abusos que cometía con su hija mientras vivía.

Por el otro lado, está la familia Weiss: el padre es un terapeuta que ha hecho una fortuna vendiendo libros de autoayuda, su esposa maneja la carrera de su hijo Benjie, un majadero actor adolescente. El enlace entre ambas familias es la otra hija, Agatha Weiss, una pirómana recién salida de rehabilitación que consigue trabajo como asistente de Havana.

El director David Cronenberg y el guionista Bruce Wagner se proponen traerse abajo el mito idílico de la supuesta fábrica de sueños que es Hollywood y muestran todos los vicios que la corrompen. Allí están, por ejemplo, la poca disposición a correr riesgos probando las fórmulas seguras de los remakes y las secuelas; los caprichos absurdos de actores jóvenes y consagrados, que se creen dioses todopoderosos; la fecha de caducidad a la que se enfrentan las actrices a medida que empiezan a envejecer; las adicciones que consumen a los actores, sus entradas y salidas de los centros de rehabilitación, etc.

A lo largo de su carrera, Cronenberg se ha especializado en mostrar la complejidad del ser humano, así como sus comportamientos extremos y vehementes, como en La mosca, Una historia violenta, Un método peligroso, entre otras. En Polvo de estrellas analiza la personalidad de actores con egos colosales, dispuestos a aplastar a quien sea con tal de triunfar. También muestra cómo las obsesiones deforman físicamente a una persona: Agatha está desfigurada por las marcas de un incendio que ella misma provocó.

Julianne Moore, una actriz valiente y acostumbrada a tomar riesgos en su carrera, ofrece una actuación electrizante como Havana. Está fantástica en toda la película, pero hay una escena especialmente poderosa, que saca a relucir sus mejores armas como actriz: en plena sesión de yoga, recibe una llamada telefónica en la que le informan el resultado de la audición para el papel que tanto esperaba. Su rostro se va transformando a lo largo de la llamada y sus emocionan entran en ebullición hasta provocar una explosión.

El aspecto menos logrado de este retrato siniestro de las perversiones de Hollywood, es la continua aparición de fantasmas, quienes no producen ni terror ni ninguna emoción, sólo son un mecanismo obvio del guion para expresar los temores de los personajes. Asimismo, la terquedad de cierto personaje por continuar con la tradición incestuosa de su familia y el trágico incendio en que muere otro personaje se sienten como meras réplicas caprichosas del guion para probar que todo se mueve en círculos viciosos y ponzoñosos.


Título original: Maps to the Stars
País y año: Canadá, EEUU 2014
Director: David Cronenberg
Actores: Julianne Moore, Mia Wasikowska, John Cusack, Evan Bird, Olivia Williams, 
Robert Pattinson, entre otros.
Calificación: ***.

27 nov. 2014

La nueva dimensión de Nolan

Después de dotar al cine de superhéroes de una mayor humanidad y una intensa oscuridad en la última trilogía de Batman, para luego introducirnos en el laberíntico mundo de los sueños en El origen, el director Christopher Nolan ahora nos lleva a otra dimensión en Interestelar, su proyecto más ambicioso hasta la fecha. El resultado es un viaje asombroso y estimulante durante la mayor parte del metraje, pero también toma ciertos desvíos decepcionantes.

Cuando la Tierra se vuelve cada vez más inhabitable en un futuro no muy lejano, el agricultor y ex piloto espacial Cooper (Matthew McConaughey) es reclutado por la NASA para dirigir una expedición que vaya a rescatar la información recopilada por otros astronautas que han investigado tres planetas potencialmente habitables. Un agujero negro permite llegar a estos planetas, pero aún así los trayectos demandan un período de tiempo impredecible.

A bordo de la nave espacial Endurance, Cooper viaja con dos robots y tres astronautas, entre los que se encuentra la fría Amelia (Anne Hathaway). En la Tierra, aunque los hijos de Cooper crecen lejos de su padre, ambos heredan algo de él: Tom (Casey Affleck) se dedica a la agricultura, mientras que Murphy (Jessica Chastain) se vuelve una brillante científica reclutada por la NASA.

Los dos primeros tercios de Interestelar son fascinantes por varios motivos. El inicio constituye una interesante exposición de los problemas que empujan a los hombres a buscar un hogar fuera de la Tierra, mientras se muestra la complicidad entre Cooper y su hija Murphy. Más adelante, las explicaciones científicas se alternan de manera didáctica y fluida con los conflictos que se gestan en la Tierra y el espacio sideral.

Los nuevos planetas a los que llegan los exploradores resultan aterradores, por su imprevisibilidad y los peligros latentes que golpean sin avisar. El diseño de producción y los efectos visuales se lucen especialmente en la recreación de estos espacios y en la animación del robot TARS, dueño de los porcentajes justos de humor y sinceridad.

Sin embargo, toda esa fascinación se pierde en el tercer acto, cuando se produce una forzada vuelta de tuerca en el guion que parece concebida por M. Night Shyamalan (Señales, La aldea). Es una revelación ciertamente inesperada, pero que deja un sabor agridulce. Si bien en el género de ciencia ficción el espectador sabe que debe aceptar como creíble un universo de ficción con escenarios que podrían resultar improbables en el mundo real, aquí se ata pasado, presente y futuro en un pasadizo mágico que sirve como tapón para arreglar los huecos del guion.

En cuanto al reparto, Matthew McConaughey demuestra que sigue gozando de una buena racha en su carrera y tiene una escena particularmente desgarradora cuando está frente a una pantalla recibiendo unos mensajes almacenados durante varios años. Del elenco femenino, destacan las tres actrices que interpretan a Murphy a lo largo de su vida, especialmente la intuitiva Jessica Chastain. Anne Hathaway, en cambio, aparece ligeramente apática en la mayoría de sus escenas.

Con sus aciertos y pasos en falso, Interestelar es una propuesta digna de celebrar por su osadía y ambición; porque invita a abrir un debate sobre el futuro que nos espera a nosotros y nuestros descendientes en la Tierra; y porque nos lleva a dimensiones desconocidas, a vivir nuevas e impresionantes experiencias fuera de este mundo.


Título original: Interstellar
País y año: Estados Unidos 2014
Director: Christopher Nolan
Actores: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Casey Affleck, Michael Caine, Matt Damon, Ellen Burstyn, entre otros.
Calificación: *** 1/2.

12 nov. 2014

Avance de la temporada de premios 2015

Falta poco para que empiece la mejor época del año: la temporada de premios. En este post, repaso cinco películas que prometen causar un gran impacto en las ceremonias y premiaciones que se avecinan.


Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)
Director: Alejandro González Iñárritu (Trabajos anteriores: Amores perros, 21 gramos, Babel)
Actores: Michael Keaton, Edward Norton, Emma Stone, Naomi Watts, Zach Galifianakis, entre otros.
País: Estados Unidos
Sinopsis: Después de hacerse famoso interpretando a un célebre superhéroe, un actor (Michael Keaton) trata de recuperar esa gloria perdida, al estrenar una obra teatral en Broadway. Pero su propio ego y algunos problemas familiares se interponen en su ansiado retorno a la fama.
Por qué promete: Cuando Birdman se estrenó en el Festival de Venecia, la crítica aplaudió esta incursión del director mexicano Alejandro González Iñárritu en la comedia, después de dramas tan intensos y sombríos como Babel y Biutiful. Asimismo, alabaron mucho el trabajo de Michael Keaton, quien en la vida real interpretó al Batman de Tim Burton y luego su carrera se mantuvo quieta durante años… hasta ahora, que su nombre suena fuerte para ser nominado al Oscar a mejor actor. Igualmente se vaticinan nominaciones para Edward Norton (actor de reparto) y Emma Stone (actriz de reparto). Por último, la fotografía también ha causado grandes elogios pues la película simula ser un largo plano secuencia, es decir, una sola toma sin cortes.




The Imitation Game
Director: Morten Tyldum (Trabajos anteriores: Fallen Angels, Headhunters)
Actores: Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Matthew Goode, Charles Dance, Mark Strong, entre otros.
País: Reino Unido
Sinopsis: Biopic del matemático británico Alan Turing (Cumberbatch), conocido por ser el responsable de descifrar los códigos secretos de la máquina Enigma de los nazis, que tanta influencia tuvo en el devenir de la Segunda Guerra Mundial. Lejos de ser aclamado como un héroe, Turing fue procesado por el gobierno británico acusado de ser homosexual.
Por qué promete: Los biopics y las cintas enmarcadas en la Segunda Guerra Mundial son parte del menú habitual que degusta la Academia y esta película parece tener los ingredientes necesarios para llamar su atención. The Imitation Game se llevó el premio del público en el Festival de Toronto, un trofeo que en varios casos suele coincidir con el Oscar a la mejor película (El discurso del rey y 12 años de esclavitud son ejemplos recientes). Se especula que Benedict Cumberbatch figurará de todas maneras en la terna de nominados al Oscar a mejor actor y Keira Knightley también tiene oportunidades de ser nominada como actriz de reparto.

 

En el bosque (Into the Woods)
Director: Rob Marshall (Trabajos anteriores: Chicago, Memorias de una geisha, Nine)
Actores: Meryl Streep, Emily Blunt, Johnny Depp, Chris Pine, Anna Kendrick, entre otros.
País: Estados Unidos
Sinopsis: Es un musical que entremezcla los argumentos de algunos cuentos de los Hermanos Grimm (como Cenicienta, Caperucita Roja o Rapunzel), con el destino de un panadero y su esposa, quienes han recibido la maldición de una malvada bruja (Meryl Streep).
Por qué promete: Rob Marshall logró que después de varias décadas un musical como Chicago se alzara con el Oscar a la mejor película. Sin embargo, aunque sus siguientes cintas, Memorias de una geisha y Nine, no estuvieron a la misma altura, de todos modos tuvieron un acabado visual impecable y consiguieron nominaciones y triunfos en las categorías técnicas del Oscar. Así que eso es exactamente lo que podemos esperar de En el bosque: una nominación a mejor película de comedia/ musical en los Golden Globes y nominaciones a mejor diseño de vestuario y diseño de producción en el Oscar. ¿Podrá Meryl Streep conseguir su nominación número 19 por el papel de una bruja de aspecto desaliñado? Su larga historia de amor con la Academia parece no tener fin, pero la última vez que Streep hizo un musical (Mamma Mia!), la ignoraron.



Still Alice
Directores: Richard Glatzer y Wash Westmoreland (Trabajos anteriores: The Fluffer, Quinceañera, The Last of Robin Hood)
Actores: Julianne Moore, Alec Baldwin, Kristen Stewart, Kate Bosworth, entre otros.
País: Estados Unidos
Sinopsis: La doctora Alice Howland es una prestigiosa catedrática. Felizmente casada y madre de tres hijos, no da mucha importancia a los pequeños lapsus mentales que padece cada vez con más frecuencia, hasta que descubre que está sufriendo la etapa inicial de la enfermedad de Alzheimer.
Por qué promete: Julianne Moore es una de las mejores actrices de Hollywood y, a pesar de haber tenido una carrera nutrida de actuaciones brillantes, jamás ha ganado un Oscar. Eso podría cambiar en esta próxima temporada de premios, pues Julianne cuenta con dos opciones que la colocan en una posición expectante. Por un lado, está Maps to the Stars, la película de David Cronenberg por la que ganó el premio a mejor actriz en el Festival de Cannes. Pero su opción más prometedora es Still Alice, un drama que tomó por sorpresa a todos en el Festival de Toronto y automáticamente la prensa especializada empezó a hablar de Julianne como favorita para el Oscar. La película en sí también ha tenido muy buenos comentarios, así que podría conseguir otras nominaciones además de mejor actriz.



La teoría del todo (The Theory of Everything)
Director: James Marsh (Trabajos anteriores: The King, Man on Wire, Project Nim)
Actores: Eddie Redmayne, Felicity Jones, David Thewlis, Emily Watson, entre otros.
País: Reino Unido
Sinopsis: La película se centra en la relación entre el reputado astrofísico Stephen Hawking y su esposa Jane, desde que se conocen hasta que deben enfrentarse a la enfermedad degenerativa que postra al genio en una silla de ruedas.
Por qué promete: La Academia tiene una fascinación por aquellas películas sobre personajes que deben enfrentarse a una enfermedad: Mi pie izquierdo, Philadelphia, Dallas Buyers Club, etc. Este año, tenemos por un lado a Julianne Moore batallando contra el mal de Alzheimer en Still Alice y, por el otro, está Eddie Redmayne, quien interpreta a un joven Stephen Hawking enfrentado a una enfermedad degenerativa. Las críticas han sido bastante favorables tanto para Redmayne como para Felicity Jones, quien tiene el rol de su esposa Jane y se espera que ambos sean nominados como mejor actor y mejor actriz, respectivamente. El director inglés James Marsh ganó un Oscar por el sensacional documental Man on Wire. ¿Repetirá la proeza ahora con una ficción?

11 oct. 2014

El juego de las apariencias

El director David Fincher suma un nuevo triunfo a su impecable filmografía con Perdida (Gone Girl) y retoma los temas que le apasionan. Al igual que en Seven y Zodiaco, hay una enrevesada búsqueda de la verdad, que se distorsiona por las pistas falsas que deja una mente criminal. Como en Red social, hay una crítica feroz del exhibicionismo que motiva a muchos a alcanzar una notoriedad efímera.

En la mañana de su quinto aniversario de bodas, Nick Dunne (Ben Affleck) reporta la extraña desaparición de su esposa Amy (Rosamund Pike). Colabora con la policía en las pesquisas, pero pronto su comportamiento se torna sospechoso y se levantan los dedos acusadores contra él, señalándolo como el culpable.

A partir de esa premisa inicial, el guion nos conduce por un vertiginoso laberinto de vueltas de tuerca que nos obligan a replantear cada escena previa y cada motivación de los personajes. De pronto, se torna casi imposible tomar partido por alguno de los involucrados: ambos son víctimas del otro, pero también son capaces de cometer la más indignante traición o de perpetrar la más cruel venganza.

Basándose en la novela homónima de Gillian Flynn, Fincher toma en Perdida la imagen utópica de un matrimonio feliz y la deconstruye de a pocos: desnuda las mentiras de cada uno, expone las apariencias que ellos están dispuestos a crear para satisfacer las expectativas del otro, presenta los límites a los que están dispuestos a llegar con tal de recuperar su espacio perdido o su poder mermado.

Esa mirada sarcástica sobre la institución del matrimonio se torna aún más cínica cuando se analiza el patético rol que ejercen los medios de comunicación al generar escándalos que destruyen la reputación de una persona y manipulan a la opinión pública. Es una crítica bastante pertinente que genera un triste eco en nuestro país, tan acostumbrado a las telenovelas que nos venden los noticieros, en los que el presentador elige aleatoriamente quién es el villano y cuál es su sentencia, para que el público pida la cabeza del acusado.

La actriz inglesa Rosamund Pike (Orgullo y prejuicio) sorprende en el rol de “la increíble Amy” y le saca el jugo a un personaje deliciosamente complejo e irresistible, que nos confunde constantemente con su juego de máscaras. Su impresionante actuación seguro será reconocida con nominaciones en la temporada de premios.

El resto del elenco masculino cumple su rol con bastante eficiencia. Ben Affleck transmite la ambigüedad y desesperación necesarias, Tyler Perry se luce como un abogado experto en manejar escándalos mediáticos y Neil Patrick Harris tiene una presencia inquietante.

David Fincher se entretiene jugando en Perdida. Juega con los géneros cinematográficos, pasando del romance al thriller y del policial a la comedia negra. Juega con las apariencias, las que la sociedad se impone a sí misma para demostrar el éxito y la felicidad. Y finalmente juega con los espectadores, sorprendiéndonos en cada esquina, desafiando nuestras expectativas y recompensándonos con una película sensacional, rica en misterios e interpretaciones.

Título original: Gone Girl
País y año: Estados Unidos 2014
Director: David Fincher
Actores: Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick Harris, Tyler Perry, Carrie Coon, Kim Dickens, entre otros.
Calificación: ****.

4 oct. 2014

Colección de recuerdos

Boyhood es uno de los proyectos más ambiciosos en la historia del cine. Durante 12 años consecutivos, el director Richard Linklater filmó a sus actores algunos días al año y fue construyendo así la historia de una familia disfuncional desde el punto de vista de un niño, desde los 6 hasta los 18 años. Pero en vez de utilizar a varios actores para representar las diferentes etapas en la vida de una persona, vemos a los mismos intérpretes creciendo y madurando de un año a otro.

Mason (Ellar Coltrane) vive con su madre (Patricia Arquette) y su hermana Samantha en Texas. De vez en cuando, su padre (Ethan Hawke) los visita. A lo largo de los años, Mason experimenta una sucesión de mudanzas, nuevos colegios, padrastros, amores, desilusiones y descubrimientos que forman y afianzan su personalidad.

A partir de los momentos y situaciones más íntimas, vamos conociendo la evolución de Mason, quien pasa de ser un niño algo retraído a un adolescente deseoso de experimentar. El director nos muestra anécdotas de la vida cotidiana de Mason, en las que vive diferentes sensaciones: la decepción, el miedo, la ilusión, el asombro, el hartazgo. Juntando todos esos retratos ricos en detalles, Linklater arma un mosaico muy expresivo sobre el proceso de crecimiento de una persona.

Ese recorrido tiene como telón de fondo los cambios que afectaron a Estados Unidos durante la última década: las guerras de Irak y Afganistán, la elección de Obama, la adicción a las redes sociales, etc. Esos sucesos se infiltran en la vida de los personajes, generando puntos de vista contrarios que animan debates muy interesantes sobre sus causas y consecuencias.

La ecléctica banda sonora también es un testamento de la música que marcó la pauta en estos años, desde Coldplay a Gotye, pasando por Britney Spears, Vampire Weekend y Arcade Fire. Asimismo, fenómenos culturales como el legado de la saga de Harry Potter también forman parte de los episodios que calan hondo en la niñez de Mason.

El protagonista Ellar Coltrane tiene un registro convincente y logra mantener en todas las etapas una actitud de curiosidad siempre latente. Ethan Hawke está magnífico como el papá que busca ganarse la complicidad de sus hijos, para compensar los largos períodos de ausencia. Sin embargo, quien se convierte en el corazón de la película es Patricia Arquette, quien logra una actuación brillante como la mamá protectora y perseverante, pero que no puede evitar tomar malas decisiones en el amor.

En el hermoso tríptico compuesto por Antes del amanecer, Antes del atardecer y Antes de la medianoche, el director Richard Linklater presentó la evolución de una pareja a lo largo de varias décadas, poniendo énfasis en las sensaciones que aparecen o se intensifican en cada etapa. Ahora en Boyhood, consigue capturar con maestría el proceso de madurez de un niño para poner al espectador frente al espejo. Es imposible detener la avalancha de recuerdos que genera esta película, porque invita a hurgar en la memoria para hallar esos momentos que aparentemente no significan mucho, pero que marcaron nuestra propia niñez y adolescencia.

Boyhood cierra con dos conclusiones opuestas, pero válidas. La mamá sufre al comprobar que el ciclo de la vida conduce cada cierto tiempo a la soledad y la incertidumbre. En una nota más optimista, Mason también reflexiona sobre la necesidad de disfrutar al máximo cada momento. Porque “siempre es ahora mismo”.


Título original: Boyhood
País y año: Estados Unidos 2014
Director: Richard Linklater
Actores: Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Lorelei Linklater, Marco Perella, entre otros.
Calificación: **** 1/2.

19 sept. 2014

Perro con rabia

Perro Guardián es como un can que resulta del cruce de dos razas: es una agradable sorpresa y, al mismo tiempo, es una mediana decepción. La ópera prima de los directores Baltazar Caravedo y Daniel Higashionna es un thriller que denota ambición y dedicación, pero a la vez, tiene algunos elementos que desentonan.

La cinta está ambientada en el año 2001, en la época en que se derogó la ley de amnistía militar. Perro (Carlos Alcántara) es un militar retirado que ahora trabaja como sicario, alejado de su familia. Uno de sus últimos encargos lo lleva a la Iglesia “Soldados de Cristo” y esa experiencia cambia el curso de su vida.

Los directores Caravedo e Higashionna provienen de la publicidad (al igual que en el caso de Asu Mare y Viejos amigos) y eso se percibe claramente en el cuidado formal de la propuesta: los aspectos técnicos son destacables, en cuanto a dirección de arte, fotografía y edición, al igual que la música. Lima luce un costado tenebroso y putrefacto que representa muy bien la atmósfera en que se desenvuelven los personajes: sicarios y pastores religiosos dispuestos a limpiar la ciudad de pecadores.

Carlos Alcántara asume el reto de abandonar el género de la comedia, que tan buenos réditos le ha traído, para asumir un personaje con una fuerte carga dramática y una seriedad que esconde ira y obsesión. Su caracterización funciona mejor cuando está dominado por un impenetrable silencio, que es la mayor parte de la película.

Sin embargo, las pocas veces que Alcántara habla, no convence, porque su entonación no transmite la suficiente fuerza ni determinación que se espera de un ex militar/sicario. Es como si estuviese afónico, cansado o simplemente confundido por el registro que debe lograr.

Las mejores escenas de la cinta ocurren al interior de la Iglesia “Los soldados de Cristo”, cuyo ambiente se ve enrarecido por un fanatismo ciego y apasionado. Reynaldo Arenas se roba la película con una actuación vibrante como el pastor religioso que busca borrar su siniestro pasado. En roles secundarios, también destacan Mayra Goñi como la niña mujer que combina sensualidad e inocencia; y Ramón García como el fiel seguidor de la Iglesia, que esconde sus verdaderas motivaciones.

Perro Guardián tiene momentos de genuina inspiración, como por ejemplo los primeros asesinatos que comete el protagonista. No obstante, también cae en el exceso y la monotonía. Hay una innecesaria repetición de encuadres de una gotera en la habitación del Perro, que evidentemente pretenden funcionar como una alegoría pero terminan llevando al hartazgo. Del mismo modo, en la parte final, se repite hasta la saciedad la frase “Tengo ojos en la espalda”. Querer subrayar algo tantas veces hace que se pierda el impacto del mensaje.


Título original: Perro Guardián
País y año: Perú 2014
Directores: Baltazar Caravedo y Daniel Higashionna
Actores: Carlos Alcántara, Reynaldo Arenas, Mayra Goñi, Ramón García, Miguel Iza, Juan Manuel Ochoa, entre otros.
Calificación: ***.

30 ago. 2014

Identidades perdidas II

En el post anterior, analicé las películas de Perú y Argentina que vi en el Festival de Cine de Lima 2014. Ahora es el turno de comentar las cintas de México, Turquía, Japón y Francia.

México (Competencia oficial ficción)


Güeros es una comedia ambientada a fines de los años 90. Sombra y Santos son dos jóvenes que no tienen literalmente nada que hacer porque su universidad (la UNAM) está en huelga y ellos no saben qué posición tomar ni cómo ocupar su tiempo. Su monotonía se ve alterada con la llegada de Tomás, el hermano menor de Sombra, quien los convence de ir a buscar a su ídolo Epigmenio Cruz, un cantante de los años sesenta que está internado en un hospital.

El director Alonso Ruizpalacios ofrece una propuesta fresca, lúdica e ingeniosa. Con sarcasmo y algunos toques de ingenuidad, muestra a los perdidos integrantes de una generación que no sabe muy bien qué ideales defender y que, quizá por eso, se aferra a un pasado cada vez más extinto. Lamentablemente, su afán de empujar los límites y burlarse de todo puede llegar a ser excesivo, cuando por ejemplo incluye una absurda escena en la que un personaje secundario discute sobre el guion de la propia película, como si fuese un espectador que de pronto irrumpe en la ficción. Calificación: ***.

Turquía (Sección Galas)


Winter Sleep (Kis uykusu) nos aloja en un hotel de Anatolia central, manejado por Aydin, un escritor y actor retirado; su esposa Nihal, una idealista mujer mucho menor que él; y su hermana Necla, recientemente divorciada y constantemente insatisfecha de todo. El invierno no sólo congela la estepa, sino también sus relaciones y estados de ánimo.

La gran ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2014 es una cinta que retrata las distintas formas de humillación, sometimiento y dependencia que se generan en un grupo de personas. Con más de tres horas de duración, el director Nuri Bilge Ceylan logra mantener el interés e involucrar al espectador, a través de diálogos afilados e hirientes, unos paisajes grandiosos que parecen devorarse a los actores y una tensión creciente que carcome las relaciones entre los personajes, hasta dejarlos solos ante una catarata de dudas sobre el poder, la fe y el perdón. Calificación: ****.

Japón (Sección La vuelta al mundo en 8 días)


Like Father, Like Son (Soshite chichi ni naru) es un emotivo relato que cuestiona el verdadero significado de la paternidad. Ryota es un ejecutivo adicto al trabajo y concentrado en el éxito profesional, cuya armoniosa vida se viene abajo cuando el hospital donde nació su hijo le informa, seis años después del parto, que por error le dieron al niño equivocado.

Esta magnífica película de Hirokazu Koreeda toca las fibras más sensibles y, a la vez, maneja un humor que camina entre lo tierno y lo sarcástico, pero sin pisar nunca los terrenos de la manipulación sentimental ni la vulgaridad. Al mostrar dos tipos diametralmente opuestos de crianza, el director invita a reflexionar sobre el balance del trabajo y la vida familiar, el legado que se debe dejar a los hijos y la construcción de aquellos lazos afectivos que marcan de por vida a un hijo. Calificación: ****.

Francia (Sección En busca del tiempo perdido: Clásicos franceses renovados)


Jules et Jim es una de las joyas más representativas en la filmografía de François Truffaut y, en general, de la Nueva Ola Francesa. En 1912, Jules (Oskar Werner) y Jim (Henri Serre) se conocen y se vuelven amigos inseparables. La llegada de la hermosa Catherine (Jeanne Moreau) los seduce e hipnotiza. Los dos la aman y ella ama a ambos, pero no es una mujer que pueda estar quieta mucho tiempo.

Este clásico de 1962 ha sabido superar la prueba del tiempo, conservando intacto su encanto y romanticismo. Es un triángulo amoroso que escapa a todas las convenciones, puesto que los conflictos no surgen por la rivalidad entre los amigos, sino por la impulsividad de una incontrolable e impredecible Catherine. No sólo los dos protagonistas parecen estar locamente enamorados de Jeanne Moreau, Truffaut y su cámara le dedican preciosos encuadres que magnifican su elegancia y sensualidad. Calificación: ****.

23 ago. 2014

Identidades perdidas I

La edición número 18 del Festival de Cine de Lima contó con una programación sumamente atractiva en sus diferentes secciones, lo que incluyó algunos estrenos mundiales y una copiosa cosecha de otros festivales como Cannes, Berlín, Bafici, San Sebastián, entre otros.

Una tendencia interesante que se ha repetido en varias cintas este año ha sido el tema de la identidad: una hija que busca a su padre, unos padres que conocen a su verdadero hijo cambiado al nacer, unos cadáveres exhumados que resultan difíciles de identificar, una generación que protesta y añora el pasado, etc.

Perú


Viejos amigos es una comedia sobre las aventuras de tres octogenarios que roban las cenizas de su amigo recién fallecido para llevarlo al estadio a ver el partido de su equipo favorito, el Sport Boys. La viuda los busca para recuperar las cenizas y ellos, a su vez, también buscan a la hija ilegítima del difunto.

La ópera prima de Fernando Villarán funciona mejor cuando deja fluir la interacción y complicidad de los tres protagonistas. Sin embargo, el humor entrañable se torna de pronto vulgar y homofóbico, el guion cae en caprichosas incoherencias y los actores secundarios parecen estar actuando para una producción teatral de bajo presupuesto, especialmente Teddy Guzmán y Lorena Caravedo. Es una lástima, porque el gran talento y carisma de Ricardo Blume, Carlos Gassols y Enrique Victoria merecía una mejor vitrina que esta. Calificación: ** ½.


NN muestra, por un lado, a un equipo de profesionales que trabaja exhumando cadáveres y tratando de descubrir su identidad. En paralelo, una mujer busca el cadáver de su esposo, quien desapareció durante los años de la violencia política en el Perú.

Al igual que en el documental Lucanamarca y su estimable primer largometraje Paraíso, el director Héctor Gálvez continúa explorando las heridas del conflicto armado que desangró nuestro país. Esta vez, muestra el calvario de aquellos que aún siguen buscando el cuerpo ausente de sus seres queridos misteriosamente desaparecidos, así como los daños internos que van carcomiendo a las personas que se enfrentan al diario hallazgo de esqueletos con huellas de tortura. Paul Vega logra una actuación contenida cuando debe serlo y, a la vez, atormentada e inquietante. Resultan sobrando una subtrama romántica que se siente desconectada del conjunto y algunos personajes secundarios que no tienen mucho que aportar. Calificación: ***.


Climas está integrada por tres cortometrajes. En el primero, una adolescente de la selva se siente atraída por su tío. En el segundo, una mujer de la clase alta limeña atraviesa una depresión por un hecho del pasado que aún la atormenta. En el tercero, una anciana de la sierra recibe la inesperada visita de su hijo, recién salido de la cárcel.

La directora Enrica Pérez (entrevistada en nuestro post anterior) logra generar atmósferas en las que se percibe la sensibilidad que maneja la mujer en las distintas etapas de su vida. A pesar de que el primer y el tercer episodio utilizan actrices no profesionales, son los que transmiten mayor autenticidad y permiten redondear mejor la evolución de sus personajes en comunión con el entorno. En cambio, el segundo, protagonizado por Fiorella De Ferrari, no ahonda lo suficiente en el conflicto central y sólo nos deja una sensación de frialdad e indiferencia. Calificación: ***.

Argentina


Ciencias naturales es una historia de búsqueda de las raíces. Lila, una niña de 12 años, pasa sus días en una remota escuela rural, obsesionada con la idea de conocer a su padre, del cual ni siquiera sabe el nombre. Cuando se escapa para ir a buscarlo, su profesora decide ayudarla y acompañarla en la aventura.

El director debutante Matías Lucchesi nos entrega una admirable road movie, cuyas rutas inesperadas y emocionantes conducen a las protagonistas hacia un viaje de descubrimiento personal. Paula Hertzog y Paola Barrientos están fantásticas en la creación de ese cálido vínculo que se forma entre la maestra y la impetuosa niña, un lazo casi maternal que les termina dando otro sentido a sus vidas. De lejos, fue la mejor película latinoamericana que vi de la competencia oficial de ficción.  Calificación: ****.

En el siguiente post, comentaré las películas de México, Turquía, Japón y Francia.

19 ago. 2014

Climas femeninos y distantes

En la más reciente edición del Festival de Lima, se estrenó la película peruana Climas, la cual muestra tres historias protagonizadas por personajes femeninos: una adolescente de la selva, una mujer adulta de la clase alta limeña y una anciana de la sierra. En esta entrevista, la directora Enrica Pérez nos cuenta el origen de esta ópera prima, nos explica por qué aún no tiene fecha de distribución y comparte cuáles fueron sus películas favoritas del festival.

¿Cómo surgió la idea de contar una historia de tres mujeres en etapas diferentes de su vida?
Venía de hacer un corto llamado Taxista (adaptación de un cuento de Fernando Ampuero), que era bastante masculino, todos los personajes eran hombres. Entonces, para mi primer largometraje decidí por oposición hacer algo diferente: femenino y original, es decir, a partir de una inquietud mía y no una adaptación. Justo en ese momento, estaba viviendo un rollo de identidad bastante fuerte, porque había vivido fuera del Perú 7 años. Empecé a investigar, a viajar y a preguntarme qué tan diferentes somos todos los peruanos. Y luego me fui dando cuenta que los temas que me interesan a mí como mujer son bastante universales: la sexualidad, la entrada a la adolescencia, la fertilidad, la maternidad, el amor de madre, la soledad de la tercera edad.

La primera historia habla sobre el despertar sexual en una adolescente de la selva. ¿Cómo encontraste a la actriz Claudia Ruiz del Castillo?
Con Claudia tuvimos un trabajo muy intenso. Primero hacer el casting fue muy difícil, se presentaron 300 niños. Luego, hicimos una segunda audición para 40 y de ese grupo, formé un taller de actuación para 15 y finalmente quedaron 10, que son los que aparecen en la película. Claudia y Elizabeth Trigoso, quien hace de su mejor amiga, hicieron el casting juntas a pesar de que no se conocían e hicieron una improvisación muy buena. Ya en el taller comprobé que eran las mejores en concentración, disciplina, en todo.

La segunda historia aborda un relato de depresión y pérdida ambientada en Lima. ¿Consideras que el ambiente gris de esta ciudad condiciona el ánimo de los limeños?
Siempre me he cuestionado la importancia del lugar donde te toca vivir, donde naces y donde creces y cómo esa atmósfera te toca. Cómo, por ejemplo, en los países caribeños la gente es tan alegre y abierta. Y en los países más fríos, la gente es más hosca y más trabajadora. En Lima, el cielo gris nos deprime, nos da ganas de quedarnos en casa. Y visualmente, es muy rico. Yo quería jugar bastante con la fotografía en la película y que los climas vayan de la mano con estas historias para comunicarlos visualmente.

La tercera historia muestra a una mujer de la tercera edad que vive en los Andes. ¿Cómo afrontaste el reto de trabajar con María Unocc, una actriz no profesional que no sabe leer?
Fue un reto muy complicado. Yo ignoraba que ella no sabía leer cuando hicimos el casting, pero la había visto en la película Paraíso de Héctor Gálvez, donde interpreta a la mamá del protagonista. Al final, ella tuvo que aprenderse los textos con ayuda de su hija. Lo lindo de María es que es muy inteligente, entendía muy bien las escenas y lo que era hacer una película. Además, tiene ángel y unos ojos que comunican mucho.

Las tres historias tienen como telón de fondo las elecciones presidenciales de 2006. ¿Por qué decidiste enmarcarlas en ese contexto?
Presenté el guion en distintos talleres y mercados cinematográficos y siempre me pedían que englobara las tres historias o que las mezcle. Yo siempre peleé porque estas tres historias nunca se conectaran narrativamente, porque esa es la metáfora de la película, trata sobre la desconexión y la división que uno tiene con el otro. Lo que sí me preocupaba es que mucha gente no entendía que las tres historias sucedían en el Perú en un determinado momento, había gente que pensaba que la parte de la sierra sucedía hace 100 años o que el fragmento de la selva transcurría en Brasil. Entonces, decidí poner como telón de fondo la elección de Humala, no con un afán político, sino para saber que las tres historias ocurren una detrás de la otra en el mismo país.

Las tres funciones de Climas en el Festival de Lima fueron a sala llena. ¿Cómo evalúas el recibimiento del público?
Estamos felices. Sentí bastante calor y emoción de la gente. Algunos espectadores salían emocionados, incluso llorando. Eso para mí es un regalo. Es una película tan chiquitita, es el underdog del festival. No tenemos mucha plata ahora, ni tenemos distribución confirmada. Vamos a participar en otros festivales, pero para mí lo más importante es que guste en Perú.

¿Cuál es el siguiente paso para asegurar el estreno de Climas en las salas de cine?
Ganarnos el fondo de distribución (risas). La Dirección del Audiovisual, la Fonografía y los Nuevos Medios (ex Conacine) del Ministerio de Cultura está lanzando cerca de tres convocatorias de distribución al año. Postulamos hace poco y estamos a la espera de los resultados, que se darán en setiembre. Son tres fondos; si nos ganamos alguno de ellos, nos vamos por el estreno.

¿Ya tienes en mente tu siguiente película?
Tengo la idea, pero no quiero saber nada de la cinematografía por ahora (risas). He conversado con muchos amigos jóvenes directores que han hecho su segunda película sintiendo la presión de la gente que siempre les preguntaba por su siguiente proyecto. Lo que sucede es que entras a una vorágine de "Esto es lo que toca hacer" y terminas haciendo algo no por una necesidad personal sino externa a ti. Entonces, yo siento que ahora no tengo esa necesidad personal. Para mí, el cine es un arte, es un regalo hacerlo. No vivo del cine y no pretendo hacerlo. Esta película me ha tomado tanto tiempo y ha sido tanto desgaste que quiero terminarla y distribuirla para poder recién con tranquilidad tomarme el tiempo para escribir el siguiente proyecto.

¿Qué películas de esta edición del Festival de Lima te han gustado más?
He visto varias y he quedado maravillada con la selección de películas, como la mexicana Güeros, la argentina Refugiado, la cubana Conducta, la japonesa Like Father, Like Son, la peruana NN de Héctor Gálvez, entre otras. Me da pena porque me he perdido varias, pero bueno, así es el festival.

20 jul. 2014

El acertijo de las arañas

"El caos es un orden por descifrar" es la cita con la que abre la película El hombre duplicado y es casi una advertencia de lo que viene a continuación: una historia demandante y enigmática, marcada por una fuerte ambigüedad. Sus pistas falsas, narración desordenada y final abrupto pueden resultar una experiencia frustrante para ciertos espectadores, pero particularmente me pareció un acertijo desafiante.

Adam (Jake Gyllenhaal) es un profesor de historia que descubre, viendo una película, a un actor que es idéntico a él. Este hallazgo lo motiva a buscar y encarar al actor, llamado Anthony. El encuentro entre ambos tiene consecuencias inesperadas para ellos y sus respectivas parejas.

El director canadiense Denis Villeneuve parece estar obsesionado con los enigmas. En Incendies, unos hermanos deben revelar el oscuro secreto de su madre recién muerta, mientras que en La sospecha, un detective debe resolver el caso de dos niñas desaparecidas. El hombre duplicado va más allá, pues toda la película es un gran acertijo que el espectador debe descifrar. Las respuestas no están a simple vista, sino que hay señales que llevan a múltiples interpretaciones y destapan distintas teorías.

La compleja estructura del guion, que adapta una novela homónima de José Saramago, recoge algunos de los mayores temores del ser humano: ¿somos seres únicos e irrepetibles? ¿O alguien más puede compartir nuestra identidad, modificarla o transgredirla? Por otro lado, ¿hasta dónde llegan los riesgos y consecuencias de llevar una doble vida?

Jake Gyllenhaal tiene una actuación que combina muy bien la inseguridad y la obsesión, como ocurría en la indescifrable Donnie Darko, una de sus primeras películas. También aportan la dosis justa de misterio la canadiense Sarah Gadon, la francesa Mélanie Laurent y la italiana Isabella Rossellini.

Hablando de Rossellini, se siente en este film una influencia directa de David Lynch y David Cronenberg, dos cineastas con una gran fascinación por lo raro y lo grotesco. La constante aparición de arañas de todos los tamaños refuerza el ambiente de fantasía escalofriante, sueño macabro o amenaza inevitable. Aunque no todas las piezas encajan y algunos cabos sueltos no conducen a ninguna conclusión definitiva, El hombre duplicado es una experiencia que no deja de ser fascinante.


Título original: Enemy
País y año: Canadá 2013
Director: Denis Villeneuve
Actores: Jake Gyllenhaal, Mélanie Laurent, Sarah Gadon, 
Isabella Rossellini, entre otros.
Calificación: *** 1/2.

12 jul. 2014

Azul intenso

Gracias a la 4ta Semana del Cine Francés, se pudo apreciar uno de los eventos cinematográficos del año en Lima: el estreno de La vie d'Adèle - Chapitres 1 et 2. Ganadora de la Palma de Oro en Cannes y de un sinnúmero de premios más, se trata de una intensa e inolvidable historia de amor, madurez y despertar sexual.

Adèle es una adolescente que sale con chicos y aunque la pasa bien, no se siente completa. Cuando Emma aparece en su vida, Adèle no puede evitar sentirse atraída, enamorada y necesitada de ella. Su relación con Emma le abre la puerta a un revelador mundo de sensaciones nuevas.

Las casi tres horas de metraje muestran la evolución y crecimiento personal de Adèle, a partir del descubrimiento de su identidad sexual. Al inicio, ella experimenta un proceso de miedo, confusión, angustia y vergüenza, para pasar paulatinamente a un estado de aceptación en el que su alma de libera de ataduras y se abraza desesperadamente a la pasión.

Y justamente esta es una cinta que filma la pasión como muy pocas veces se ha visto. Las extensas e intensas escenas eróticas muestran cómo estos dos cuerpos femeninos se funden en uno solo. Esa misma tensión recorre toda la película como una descarga eléctrica y se reproduce en las escenas de peleas, desencuentros y reencuentros.

Las dos protagonistas están fenomenales y completamente entregadas al difícil reto de hacer verosímil esta apasionada historia de amor. La hermosa Adèle Exarchopoulos es una revelación y está convincente en cada escena, desde el desconcierto inicial hasta la nostalgia resignada de su caminata final. Léa Seydoux, a quien hemos visto en pequeños papeles en Bastardos sin gloria y Medianoche en París, encarna a una mujer que emana seducción a partir de su seguridad en sí misma.

El azul es el color dominante a lo largo de toda la película (por algo su título en inglés es Blue Is the Warmest Color), desde el cabello de Emma hasta las pinturas de su exposición, pasando por los vestidos que ambas utilizan. Y el azul, un color que ha estado siempre asociado al poder y la elegancia, es el tono preciso para expresar el enorme poder que deja esta cinta en el espectador: su belleza sublime se queda profundamente impregnada en la memoria y estimula todos los sentidos.

Título original: La vie d'Adèle - Chapitres 1 et 2
País y año: Francia 2013
Director: Abdellatif Kechiche
Actores: 
Adèle Exarchopoulos, Léa Seydoux, Salim Kechiouche, Jérémie Laheurte, Catherine Salée, entre otros.
Calificación: **** 1/2.

15 jun. 2014

Héroes y villanos en mutación

¿Puede un villano reivindicarse cometiendo un acto heroico? ¿Puede un héroe salvar a su especie cometiendo un acto criminal? Estas interrogantes coinciden en dos estrenos recientes: X-Men: Días del futuro pasado y Maléfica.


Volver al pasado

X-Men: Días del futuro pasado reúne a las versiones jóvenes y maduras de los mutantes con el fin de luchar juntos por su supervivencia. En 2023, ellos son perseguidos por unos robots asesinos llamados centinelas. La mente de Wolverine es enviada a su mismo cuerpo en 1973, para prevenir un acontecimiento que podría evitar la cacería de mutantes en el futuro.

Si en X-Men: Primera generación, el conflicto giraba alrededor de Charles y Magneto tomando plena conciencia de sus poderes, esta vez el dilema se concentra en la posible aniquilación de la raza mutante y en la manera de asegurar una convivencia pacífica con los humanos. Mystique encarna la ambigüedad moral, al debatirse entre ser la encargada de detonar la bomba que desate la guerra o ser la única que detenga a tiempo esa explosión.

Un aspecto que siempre ha destacado en esta saga y que le hace marcar distancia de otras cintas de superhéroes, son las notables actuaciones de su elenco, conformado por ganadores y nominados al Oscar, desde Michael Fassbender hasta Ian McKellen, pasando por Hugh Jackman, Halle Berry, Jennifer Lawrence, Ellen Page, entre otros. Las acertadas incorporaciones al universo mutante incluyen a Peter Dinklage (como Bolivar Trask), Evan Peters (el veloz e irreverente Quicksilver) y Omar Sy (Bishop).

El director Bryan Singer, quien también estuvo a cargo de las dos primeras entregas de la saga, logra un acertado balance entre la exposición de los conflictos y el dinamismo de las espectaculares escenas de acción (como el escape del Pentágono o la movilización del estadio), potenciadas por unos efectos visuales realmente impresionantes. Más aún, se trata de un "blockbuster" que combina la emoción, la diversión y la exploración de temas bastante pertinentes en nuestra sociedad, como la tolerancia, el ataque a los grupos desconocidos y los sacrificios que deben hacer los individuos en nombre del bien común.

Título original:
 X-Men: Days of Future Past
País y año: Estados Unidos y Reino Unido 2014
Director: Bryan Singer
Actores: Patrick Stewart, Ian McKellen, Hugh Jackman, Michael Fassbender, James McAvoy, Halle Berry, Jennifer Lawrence, Ellen Page, Peter Dinklage, entre otros.
Calificación: *** 1/2

La beata del bosque

Siguiendo la tendencia reciente del estudio Disney de reivindicar a sus princesas, dotándolas de un espíritu guerrero y aspecto desaliñado (Valiente) o de poderes sobrenaturales que las convierten en seres marginales (Frozen), ahora toca el turno de reformular a una de sus villanas más icónicas: Maléfica, la antagonista de La bella durmiente. Esta nueva versión se propone contar el origen del personaje, especialmente la traición de la que es víctima y que se vuelve en el motivo de su venganza.

Sin embargo, mientras que el nuevo barniz de las princesas resultó acertado en las dos cintas mencionadas, Maléfica no corre la misma suerte. Comienza siendo un ser prácticamente angelical hasta que es traicionada y su corazón se vuelve de piedra. Lanza una maldición a la princesa Aurora en el bautizo y poco tiempo después, su frío carácter empieza a derretirse rápidamente. Se extraña un cambio más paulatino en su comportamiento, no tan brusco ni volátil. Pasa de ser villana a beata en cuestión de minutos.

Si bien a nivel de guion y desarrollo de personajes, Maléfica no convence, donde sí acierta es en el acabado visual, ya sea la recreación de los míticos personajes del bosque encantado o en el maquillaje y vestuario de Angelina Jolie. Y no sorprende que resalte la forma sobre el fondo, porque el director es Robert Stromberg, quien ganó 2 Oscars por la dirección artística de Avatar y Alicia en el país de las maravillas.

Angelina Jolie luce especialmente cómoda cuando su personaje es cruel y desafiante. En la escena del bautizo, la actriz hace gala de su magnetismo irresistible. Concentra toda la atención con esa mirada encendida que promete llevarnos a otros mundos. Jolie es el principal motivo para disfrutar parcialmente de Maléfica y sus buenas intenciones, que resultan demasiado buenas, en realidad.


Título original: Maleficent
País y año: Estados Unidos y Reino Unido 2014
Director: Robert Stromberg
Actores: Angelina Jolie, Elle Fanning, Sharlto Copley, Imelda Staunton, Lesley Manville, Juno Temple, entre otros.
Calificación: ** 1/2.

25 may. 2014

"En cine y en teatro, me gusta ver cosas que me inquieten"

Sofía Rocha es una actriz peruana con una destacada trayectoria en teatro, TV y un par de películas. Actualmente, la tenemos en cartelera interpretando a la sarcástica ejecutiva Barbara en la comedia A los 40 de Bruno Ascenzo. En esta entrevista, nos cuenta qué es lo que más le atrajo de este proyecto, cuáles son sus actrices favoritas y con qué directores sueña con trabajar.

¿Qué te atrajo de participar en A los 40?
Hacer cine en Perú es una suerte para un actor o una actriz, así que yo no dudé mucho en aceptar, primero porque quería hacer cine, luego por la gente que estaba en el proyecto y también porque es una producción de Tondero, que es la empresa que me representa.

¿En qué te inspiraste para crear el personaje de Barbara?
En realidad, el personaje fue escrito por Bruno (Ascenzo). Me escogió a mí en todo caso porque sabe que tengo un poco del personaje, esa pesadez, esa actitud de "no quiero ver a nadie" y ese sentido del humor muy sarcástico. Lo que he hecho es tomar la idiosincracia del personaje y exagerarla.

¿Qué es lo que más te divirtió del rodaje?
Las escenas con Johanna San Miguel fueron muy divertidas, teníamos mucha libertad para improvisar. El tema con Gianella también me gustó, cuando Bruno me lo ofreció le dije: "¿Estás seguro que es ella la que me persigue?" (Risas). Creo que a Gianella eso también le pareció paja.

A los 40 es la segunda película más taquillera en la historia del cine peruano. ¿Esperabas ese enorme éxito?

Sinceramente, sí. Por el cuidado que había y por cómo se movía la productora para hacer lo mejor posible, sabía que iban a realizar todo lo que tuvieran a su alcance para hacer de esta película un éxito, casi como Asu Mare.

Esta es tu segunda película, primero actuaste en El acuarelista, que fue un proyecto con un perfil más bajo. ¿Qué rescatas de esa experiencia?
Para ser mi primera película, fue muy bacán. Yo no sabía mucho de cine y todavía no sé mucho de cine, así que estaba a disposición de lo que ellos me dijeran. Felizmente el director Daniel Ró fue muy profesional, incluso mi personaje tenía un semidesnudo frente a una ventana y él fue muy cuidadoso con eso. Me sentí muy bien. Fueron un poco largas las sesiones, porque eran de madrugada y llegaba a mi casa a las 7 de la mañana.

Cuentas con una formación en The London Academy of Music and Dramatic Art. ¿Cuál es la mejor enseñanza que obtuviste de tus clases en Londres?
En Londres llevé talleres aislados, de bufón, máscaras y clown, no llevé toda la carrera. Había gente de todo el mundo: franceses, españoles, yugoslavos, etc. Las clases eran todo el día y pude aprender muchísimo, los profesores eran estupendos. Me he llevado lo mejor que he podido.

¿Qué actrices admiras, ya sea del Perú o del extranjero?
Me gustan mucho las actrices como Tilda Swinton, Jennifer Jason Leigh o Kathy Bates. Por supuesto que también soy fanática de Meryl Streep, como todo el planeta. De las peruanas, hay muchísimas actrices que me gustan y que no necesariamente son muy conocidas. Prefiero no mencionar a nadie, pero en general siempre rescato el trabajo de las actrices y los actores en el Perú.

Si pudieses trabajar con un director de cine internacional, ¿a quién escogerías?
Me gustan mucho los directores como Lars von Trier o David Lynch. A mí me gusta tanto en el cine como en el teatro, ver cosas que me incomoden, que me inquieten, que me golpeen, no me gustan las cosas "light".

Actualmente estás actuando en la obra de teatro Calígula. ¿Cuáles son tus siguientes proyectos en la actuación? ¿Hay alguna propuesta para hacer cine?
Estoy por filmar una de mis últimas escenas en la película Atacada de Aldo Miyashiro, mi personaje es la abogada de Jason Day. Luego de Calígula, tengo una obra de teatro que se llama Esta criatura de Alberto Ísola y luego tengo la obra Casa ajena con Jorge Villanueva, así que este año felizmente tengo bastante teatro.

11 may. 2014

Reencuentro de estereotipos

Después del arrollador éxito de Asu Mare, la empresa Tondero Producciones presenta su nueva propuesta: la comedia A los 40. Al igual que su predecesora, es un gran suceso de taquilla que reúne a un elenco de figuras mediáticas provenientes de la televisión y tiene un agresivo esquema de distribución que atiborra los multicines. En cuanto a las limitaciones, también repite la inconsistencia del guion, la apariencia de spot publicitario y la intromisión de los auspiciadores.

El argumento es bastante sencillo: un grupo de amigas se reúnen para celebrar su reencuentro de promoción, 25 años después de salir del colegio. El almuerzo sirve para reavivar viejas rencillas, romances interrumpidos y conflictos familiares que estallan justo ese día.

A los 40 es una comedia que funciona sólo en contadas escenas, especialmente cuando fluye el talento de Wendy Ramos, quien interpreta a una entusiasta mujer que se gana la vida como modelo de órganos. Al igual que en Asu Mare, Ramos se las arregla para ser la actriz más divertida del conjunto. Su humor se siente más auténtico y espontáneo, menos ensayado y viciado que el de actores como Carlos Alcántara o Johanna San Miguel.

Las estupendas Gianella Neyra y Sofía Rocha se esfuerzan por crear personajes con un cierto grado de complejidad, aunque su historia tiene un desenlace brusco. Cuando el conflicto entre ellas promete desenvolverse, de pronto interrumpe Carlos Alcántara para cumplir con la cuota de payasadas que satisfaga a la audiencia.

Si algo afecta el guion de A los 40 es la falta de frescura y originalidad. El pretexto del reencuentro de promoción abre la posibilidad de desarrollar la interacción entre estas mujeres cuarentonas, pero esa promesa queda trunca, porque el director y guionista Bruno Ascenzo prefiere distraerse en personajes secundarios, como el novio bufón, el hermano idiota o la hija rebelde y temperamental.

A este desfile de estereotipos, se suman situaciones trilladas como la del personaje que actúa de manera disparatada después de haber comido brownies con marihuana. En realidad, es sólo una excusa para que Carlos Alcántara repita su gastado repertorio de chistes, muecas y frases hechas ("¿Y tú cómo te llaaamas?"), que ha paseado por otros medios hasta la saciedad.

Si bien en las grandes producciones de Hollywood es común la colocación sutil de marcas y productos en alguna escena ("product placement"), en A los 40 esta práctica se hace de manera intrusiva y exagerada. Uno de los principales auspiciadores del film es un banco que aparece de manera arbitraria en varias escenas: hay planos cerrados del cajero automático, la tarjeta de crédito, la carta de presentación del banco y así sucesivamente.

Está muy bien que Tondero Films apueste por hacer cintas que revienten la taquilla, pero podrían animarse por arriesgar más en los guiones, evitar la corrección política y darle a sus actores estrella la oportunidad de salir del molde y crear personajes diferentes. Probar fórmulas no convencionales también puede resultar muy rentable.


Título original: A los 40
País y año: Perú 2014
Director: Bruno Ascenzo
Actores: Katia Condos, Carlos Alcántara, Gianella Neyra, Sofía Rocha, Wendy Ramos, Carlos Carlín, Johanna San Miguel, Andrés Wiese, Patricia Portocarrero, Lali Espósito, entre otros.
Calificación: **.

4 may. 2014

El fantasma de la pérdida

No cabe duda que Ralph Fiennes es un gran actor dramático. Lo ha demostrado en cintas como La lista de Schindler, El paciente inglés, El jardinero fiel, entre otras. Pero también es un solvente actor de comedia, como quedó evidenciado en In Bruges y ahora en El Gran Hotel Budapest, donde ofrece una actuación apasionante, forjada a partir de pequeños gestos y detalles.

Fiennes interpreta a Monsieur Gustave, el conserje de un refinado hotel en la república ficticia de Zubrowka, en 1932. Especializado en seducir mujeres ancianas y millonarias, pronto se convierte en sospechoso de un crimen, cuando una de las clientas del hotel fallece en circunstancias misteriosas y, en su testamento, le deja como herencia un valioso cuadro.

El cómplice de Gustave es el servicial y dedicado Zero, un chico que trabaja para él en el hotel, pero que luego se convierte en su acompañante en todas las aventuras que le toca afrontar. Es una relación que transita de lo paternal (Gustave es el jefe que impone su autoridad) a lo fraternal (se establece una sociedad con pactos y trueques). Ambos son seres marcados por la soledad y la devoción a su trabajo.

Aunque la estrella del espectáculo es Ralph Fiennes, el elenco que lo acompaña es realmente de lujo. F. Murray Abraham conmueve como Zero en su etapa adulta, Adrien Brody y Willem Dafoe son deliciosamente perversos, Tilda Swinton está irreconocible como una anciana afligida, Mathieu Amalric y Jeff Goldblum son piezas clave que dan información valiosa tanto con lo que dicen, como con que lo callan.

El director Wes Anderson (Los excéntricos Tenenbaums, Moonrise Kingdom) ofrece sus peculiares marcas personales, como los zooms repentinos que enfatizan determinadas emociones, el impecable diseño de producción que incluye miniaturas delicadas y decorados de colores vibrantes, la música lúdica y los montajes rápidos que agilizan la historia, como la notable secuencia de la Sociedad de las Llaves Cruzadas.

Más aún, Anderson llena cada ambiente de El Gran Hotel Budapest con su característico humor que se disfraza de absurdo y disparatado, pero que esconde una gran melancolía e incluso dolor. No en vano la película está ambientada en el período de entreguerras y está marcada por el fantasma omnipresente de la pérdida. Por eso, Monsieur Gustave y Zero disfrutan cada bocado y cada aroma, porque en cualquier momento un evento fortuito puede descascarar las paredes y minar las estructuras.

Título original: The Grand Budapest Hotel
País y año: Estados Unidos y Alemania, 2014

Director: Wes Anderson
Actores: Ralph Fiennes, Tony Revolori, Tilda Swinton, Bill Murray, Edward Norton, Jude Law, Adrien Brody, Willem Dafoe, F. Murray Abraham, Mathieu Amalric, Saoirse Ronan, Jeff Goldblum, Harvey Keitel, entre otros.
Calificación: ****.

21 abr. 2014

Diluvio tóxico

Después de dirigir las excelentes cintas The Wrestler y Black Swan, había muchas expectativas por conocer qué rumbo tomaría la carrera del director Darren Aronofsky. Su siguiente paso es un proyecto ambicioso y arriesgado: Noé, la adaptación del conocido relato bíblico. Lamentablemente, carece de la coherencia de sus trabajos anteriores y, por el contrario, es un híbrido sin inspiración.

Noé (Russell Crowe) vive con su familia, alejado del resto de personas. De pronto, empieza a tener sueños proféticos, en los que Dios le muestra señales de una gran inundación. Entonces, él construye una enorme arca en la que él, su familia y dos representantes de cada especie animal, puedan permanecer a salvo mientras dura el inminente diluvio.

Si bien se agradece la intención de Aronosky y su coguionista Ari Handel de querer elaborar una versión actualizada de un relato clásico, el rumbo que toma el personaje principal es inverosímil y forzado. Noé se convierte en un loco obsesivo y vehemente, tan ensimismado en mensajes divinos que interpreta y reinterpreta a su antojo, que no le importa asesinar a su propia familia. Es decir, que de pronto nos encontramos con un thriller psicológico del Antiguo Testamento.

Peor aún resulta la innecesaria incorporación de unos gigantes de pieda (supuestamente ángeles caídos) que se convierten en aliados de Noé. Sólo me explico su presencia como un gancho para atraer al mismo sector demográfico que delira con las proezas de los Transformers. El villano interpretado por Ray Winstone también es una caricatura unidimensional.

Russell Crowe y Jennifer Connelly vuelven a interpretar a una pareja de esposos, 13 años después de Una mente brillante. Esta vez sus actuaciones no son tan memorables, porque son víctimas de un guion flojo. Llama la atención que mientras Crowe enfrenta distintos cambios de look y maquillaje que evidencian el envejecimiento y decadencia de Noé, Connelly no envejece en toda la cinta, está idéntica de comienzo a fin por más que pasen las décadas. Es como un vampiro que se equivocó de película.

Donde sí acierta Aronofsky es en la recreación de ciertos conflictos familiares que aportan mayor peso a las acciones de los personajes: los celos entre hermanos, la rebeldía del hijo que se siente ignorado, la fertilidad asociada a la utilidad como persona. Estos temas hacen que Noé se mantenga a flote por momentos, aunque sus pesadas ambiciones terminan llenando el arca de tantas inclusiones absurdas que al final el hundimiento es inevitable.


Título original: Noah
País y año: Estados Unidos 2014
Director: Darren Aronofsky
Actores: Russell Crowe, Jennifer Connelly, Anthony Hopkins, Ray Winstone, Emma Watson, Logan Lerman, entre otros.
Calificación: **.

26 mar. 2014

Prisión de máxima inseguridad

Jake Gyllenhaal y Hugh Jackman son dos actores que han seguido una evolución interesante en sus respectivas carreras, alternando las películas de acción con dramas, comedias y cintas de suspenso. La sospecha (Prisoners) es un policial que los reúne por primera vez y que los encuentra en un buen nivel interpretativo.

Keller (Jackman) es un padre de familia que se enfrenta a la desesperación tras la súbita desaparición de su hija de 6 años y una amiga de ella. El detective Loki (Gyllenhaal) es el policía encargado de resolver el caso, pero conforme pasan los días y las niñas continúan desaparecidas, Keller decide hacerse cargo de la situación.

Uno de los sospechosos es un hombre trastornado y obsesionado con dibujar laberintos. Otro de los posibles captores hace referencia a un laberinto como un acertijo que hay que descifrar. De manera similar, la narración nos conduce por un laberinto de hipótesis y pistas falsas, que contribuyen a aumentar el clima de incertidumbre e impotencia.

También aporta a lograr esa atmósfera enrarecida, la excelente fotografía, que privilegia los encuadres sombríos, lluviosos y desenfocados. El responsable de ese gran trabajo es el maestro Roger Deakins, quien ha sido nominado al Oscar a mejor fotografía once veces (incluyendo La sospecha), pero hasta ahora el premio le ha sido esquivo.

Entre los principales aciertos del director Denis Villeneuve, está la dirección de actores, porque logra que todos brillen sin opacarse entre sí. Junto a Jackman y Gyllenhaal, destacan Maria Bello, Viola Davis y Terrence Howard como los padres de las niñas desaparecidas. Paul Dano es un sospechoso armado de un silencio perturbador e impenetrable. Y Melissa Leo es una vecina que arrastra su propia historia de pérdida familiar.

A pesar de que el metraje tiende a extenderse en el tramo final, La sospecha es un thriller eficiente y que sabe involucrar al espectador en la búsqueda de la verdad. Mejor aún, le hace honor a su título original (Prisoners), al mostrar cómo cada personaje vive prisionero, ya sea de la angustia, su instinto asesino, sus dilemas morales o su propio sentido de la justicia.


Título original: Prisoners
País y año: Estados Unidos 2013
Director: Denis Villeneuve
Actores: Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Maria Bello, Viola Davis, Terrence Howard, Paul Dano, Melissa Leo, entre otros.
Calificación: *** 1/2.

16 mar. 2014

Vínculos inesperados

Dallas Buyers Club y Ella (Her) son dos películas que resultaron triunfadoras en la última entrega del Oscar. Una mira al pasado, la otra al futuro. En ambos casos, el protagonista pasa por un proceso de descubrimiento que lo lleva a entablar vínculos inesperados y decisivos.

Las grandes transformaciones

Dallas Buyers Club está ambientada a mitad de los años 80, en Texas. Ron Woodroof (Matthew McConaughey) es un vaquero drogadicto, mujeriego y homofóbico al que le diagnostican VIH positivo y le pronostican 30 días de vida. El único medicamento que le proporcionan no hace efecto, por lo que emprende una búsqueda de otras medicinas que puedan mejorar su vida y la de otros pacientes.

Desde hace un par de años, Matthew McConaughey cambió el rumbo de su carrera, abandonando las comedias románticas que lo hicieron famoso, para optar por papeles más demandantes en cintas de mayor prestigio, como Killer Joe, Mud, El lobo de Wall Street, entre otras. En Dallas Buyers Club, se evidencia una doble evolución: la de él como actor y la de su personaje, que pasa de ser un despreocupado e irresponsable vividor a un héroe que se enfrenta con valentía a todo un sistema de salud.

Al igual que McConaughey, Jared Leto también logra una impresionante transformación física para interpretar a Rayon, un transexual enfermo de SIDA. El maquillaje y la gran pérdida de peso ayudan a ambos actores a crear un mayor impacto, pero al margen del cascarón, sus actuaciones destacan por las emociones que evocan y la increíble capacidad de mimetizarse con sus personajes.

El director Jean-Marc Vallée nos muestra el coraje de este grupo de pacientes que se enfrentan a distintos obstáculos: el rechazo ajeno, la propia desesperación y la mezquindad de un ente gubernamental negligente. Dallas Buyers Club es, sobre todo, un triunfo interpretativo, pero también es un inspirador relato sobre cómo encontrarle un nuevo sentido a la vida y abrazarse a ella, precisamente en las circunstancias más difíciles.


Título original: Dallas Buyers Club
País y año: Estados Unidos 2013
Director: Jean-Marc Vallée
Actores: Matthew McConaughey, Jared Leto, Jennifer Garner, Denis O'Hare, Dallas Roberts, entre otros.
Calificación: ****.

Tecnología seductora

Ella (Her) ocurre en un futuro no muy lejano. Theodore (Joaquin Phoenix) acaba de separarse de su esposa. Adquiere un avanzado sistema operativo, que recibe el nombre de Samantha (voz de Scarlett Johansson), la cual es perspicaz y muy inteligente. Theodore y Samantha congenian de inmediato y, sin proponérselo, se enamoran irremediablemente.

Aunque en un inicio cuesta creer que Theodore y su sistema operativo pueden entablar una relación amorosa, pronto empezamos a identificarnos con todo lo que viven como pareja: se ríen juntos, comparten confesiones, tienen celos, discuten, intercambian piropos y practican juegos eróticos. Funciona como una relación a distancia, en la que la creatividad tiene que suplir la ausencia de cercanía física.

Y su romance es creíble gracias a las precisas actuaciones de Joaquin Phoenix y Scarlett Johansson, quien sólo con su voz crea un personaje seductor, encantador y cálido. El guion de Spike Jonze (galardonado con el Oscar) muestra los desafíos de las relaciones sentimentales en tiempos donde todo es inmediato y pasajero. Lamentablemente, hacia el final ocurre un evento con los sistemas operativos que se siente como una salida abrupta y no del todo convincente.

Mucho se ha dicho sobre lo profética que resulta esta película. Hoy es una escena común ver en todos lados a la gente totalmente compenetrada con sus smartphones o tablets. En Ella el apego a la tecnología llega a un nuevo nivel, convirtiéndose en una relación de total dependencia. No es un escenario muy improbable que algún día los humanos terminen enamorándose de un sistema operativo que llene sus vacíos de afecto y satisfaga sus necesidades de compañía, comprensión y placer.

Título original: Her
País y año: Estados Unidos 2013
Director: Spike Jonze
Actores: Joaquin Phoenix, Scarlett Johansson, Amy Adams, Rooney Mara, Olivia Wilde, Chris Pratt, entre otros.
Calificación: *** 1/2.