25 dic. 2015

Posts publicados en Cinencuentro noviembre y diciembre

Estas son mis seis colaboraciones más recientes publicadas en Cinencuentro


La Academia anunció la lista de 9 semifinalistas para el Oscar a mejor película extranjera: siete europeas, una de Jordania y una latinoamericana (la colombiana El abrazo de la serpiente). En este post, comparto un completo análisis de cada una: sinopsis, premios que han ganado hasta ahora y sus posibilidades de triunfo. Además, hago un recuento de las películas que quedaron fuera de competencia (leer el post completo).


La nueva versión de Macbeth no pasará a la historia como la adaptación más memorable, pero tiene suficientes aciertos que justifican su existencia. Con una fotografía elegante y estilizada, esta película se concentra en los límites siniestros de la ambición y cierra con una conclusión implacable: cada acto de venganza contribuye a movilizar una espiral de violencia sin fin, en la que la sangre derramada justifica la siguiente batalla (leer la crítica completa).


A propósito del estreno de Secretos de una obsesión (innecesario remake de El secreto de sus ojos), elaboré dos listas: 15 remakes que Hollywood nunca debió hacer y 15 remakes que sí lograron superar (o por lo menos igualar) a la versión original.

En la lista de 15 remakes que sí lograron igualar o hasta superar a la versión original, destacan películas como Ben-Hur (1959) de William Wyler, Caracortada (1983) de Brian De Palma y Temple de acero (2010) de Ethan y Joel Coen, entre otras. También menciono el caso de 5 directores que hicieron remakes de sus propias cintas (leer el post completo).


En la lista de 15 remakes que Hollywood nunca debió hacer, encontramos títulos como Psicosis (1998) de Gus Van Sant, Vanilla Sky (2001) de Cameron Crowe y El planeta de los simios (2001) de Tim Burton (leer el post completo). 


Mientras que Los Cinéfilos es una propuesta en la que brilla mucho más la incorrección política, Como en el cine arriesga menos en ese aspecto, seguramente porque se propone llegar a un público más amplio. Aún así, es una comedia que se siente auténtica, pues nos invita a reconocernos en esos personajes imperfectos, rebeldes y unidos por una genuina devoción al cine (leer la crítica completa).


A propósito del estreno de Como en el cine, hice un recuento de las cinco comedias más representativas que se han hecho en Perú desde 1990 en adelante, desde Todos somos estrellas hasta Viejos amigos (leer el post completo).

25 nov. 2015

Espectros reales y simbólicos

Tanto en Spectre como en La Cumbre Escarlata se siente el olor de la muerte. En la más reciente película de James Bond, se muestra la celebración del Día de los Muertos en México, como preámbulo a la presentación de un villano a quien todos creían muerto. Y en La Cumbre Escarlata, unos misteriosos fantasmas persiguen a la protagonista e intentan comunicarse con ella para evitar una nueva tragedia. 

Misión fantasma

James Bond (Daniel Craig) debe enfrentarse a una peligrosa organización criminal conocida como Spectre, cuyo líder (Christoph Waltz) es un personaje ligado al pasado de Bond. Para ello, recibe la ayuda de la psicóloga Madeleine Swann (Léa Seydoux). Mientras tanto, M (Ralph Fiennes) debe luchar contra el cierre del programa secreto de agentes “00”.

Lo más logrado de Spectre es su potente inicio en las calles de México, con efectivas escenas de acción que incluyen persecuciones y acrobacias imposibles a bordo de un helicóptero. También destaca la breve pero impactante presencia de Monica Bellucci, quien a sus 51 años se ha convertido en la chica Bond de mayor edad en la historia. 

En cambio, Christoph Waltz decepciona en el rol del villano, pues recicla sus acostumbradas poses de orador privilegiado que siempre sonríe al explicar sus malévolos planes. Pareciera que Waltz es un incontenible huracán de energía que sólo Quentin Tarantino sabe modular y aprovechar. 

La era de Daniel Craig tuvo un auspicioso debut con Casino Royale, siguió con la inofensiva Quantum of Solace y alcanzó su mayor pico con la excelente Skyfall. Después de esa valla tan alta, Spectre palidece en comparación. Ofrece un espectáculo entretenido y bien empaquetado, pero ya se siente el desgaste de Craig, quien pareciera estar aburrido de interpretar al personaje. 

El director Sam Mendes, quien también estuvo al frente de Skyfall, apuesta esta vez por una propuesta más convencional y concentrada en seguir fórmulas conocidas. Por lo menos, podemos agradecerle que en Spectre haya incluido una estructura argumental que conecta líneas narrativas de las tres cintas anteriores.

Título original: Spectre
País y año: Reino Unido y Estados Unidos 2015
Director: Sam Mendes
Actores: Daniel Craig, Christoph Waltz, Monica Bellucci, Léa Seydoux, Ralph Fiennes, Ben Whishaw, Dave Bautista, entre otros.
Calificación: ***.

La casa viviente

La cumbre escarlata (Crimson Peak) está ambientada a inicios del siglo XX. La escritora neoyorkina Edith Cushing (Mia Wasikowska) se enamora del inglés Sir Thomas Sharpe (Tom Hiddleston), con quien se casa y se muda a Inglaterra. Allí comparten con la hermana de Thomas, Lady Lucille Sharpe (Jessica Chastain), una enigmática mansión que esconde secretos y alberga almas en pena.

Así como la impresionante casa en la que viven los protagonistas parece estar en movimiento, la película muta de géneros, del romance gótico al terror, del melodrama al suspenso. Edith es una heroína que escribe historias de fantasmas, a la que los espíritus le hablan en el mundo real y le advierten sobre los peligros de los seres vivos que la rodean. Su realidad supera a las ficciones que ella concibe en su imaginación.

Del trío protagónico, la más destacada es Jessica Chastain. Aunque suele interpretar personajes fuertes y decididos, ahora nos muestra una nueva faceta encarnando a una villana venenosa, manipuladora y posesiva. Su presencia resulta inquietante desde un inicio y se va tornando cada vez más tóxica.

Sin embargo, el mayor atractivo de la película es el fascinante diseño de producción, es decir, la escenografía. La casa embrujada, impecablemente construida y decorada, es un personaje vivo, que susurra, sangra y llora. Es una mansión que atrae y repele al mismo tiempo.

A diferencia de El laberinto del fauno, en la que la historia era tan apasionante y lograda como todo el acabado visual, esta vez el director Guillermo del Toro no logra el mismo balance en La cumbre escarlata. Aunque el guion logra generar una tensión creciente, de vez en cuando se distrae en hechos fortuitos o caprichosos que resultan difíciles de asimilar.

Título original: Crimson Peak
País y año: Estados Unidos y Canadá 2015
Director: Guillermo del Toro
Actores: Mia Wasikowska, Jessica Chastain, Tom Hiddleston, Charlie Hunnam, Jim Beaver, entre otros.
Calificación: ***.

10 nov. 2015

Claudia Sparrow, Puente de espías, Sicario y Lusers

En este post, repaso mis colaboraciones más recientes publicadas en Cinencuentro. En primer lugar, un post sobre la cineasta peruana Claudia Sparrow, directora de la premiada película I Remember You. También comparto mis críticas de las extraordinarias Puente de espías y Sicario, así como la decepcionante Lusers.

Claudia Sparrow es una joven y talentosa cineasta peruana radicada en Los Angeles. Dueña de una poderosa voz propia y un estilo muy intuitivo, Claudia ha estudiado una maestría en Dirección de Cine en el prestigioso American Film Institute y viene cosechando logros importantes desde el inicio de su carrera. Hace un par de meses, su primer largometraje I Remember You, obtuvo el premio a mejor película en el Downtown Film Festival Los Angeles, festival que reconoce lo mejor del cine independiente (leer post completo).


Puente de espías es la mejor película que ha hecho Steven Spielberg en la última década. El director no cae en sentimentalismos ni maniqueísmos, se concentra en el desarrollo de las acciones, así como en los viajes reales y figurados de los protagonistas. En el vibrante desenlace, un puente se convierte en una representación del trayecto que emprenden los personajes hacia un escenario incierto que parece familiar, pero en el que todo ha cambiado (leer la crítica completa).


Sicario es un thriller vibrante que pone al espectador en una frontera borrosa, en la que los conceptos de ética y corrupción se confunden en una tierra de nadie, ahí donde no se aplican las leyes ni hay soluciones sencillas para erradicar las múltiples raíces de un problema que se extiende a muchos territorios. En suma, es uno de los estrenos imprescindibles del año (leer la crítica completa).


Lusers intenta ser un canto a la hermandad entre peruanos, chilenos y argentinos, lo cual es un objetivo loable, sin duda. Y por supuesto que la pasión por el fútbol es la excusa ideal para forjar lazos de amistad. Pero esa premisa es desaprovechada en favor de un sinfín de aventuras absurdas y forzadas. Al final, los tres amigos conforman una sola tribu, perdida en la jungla del sinsentido (leer la crítica completa).

13 oct. 2015

El desierto rojo

El cine de ciencia ficción no sería el mismo sin el extraordinario aporte del director Ridley Scott, a quien le debemos títulos imprescindibles como Alien – El octavo pasajero y Blade Runner. En otros géneros, también nos ha regalado otras cintas muy estimables como Thelma & Louise, Gladiador, American Gangster, entre otras. Demostrando que sigue más vigente que nunca, vuelve a lanzarse a la conquista del espacio en Misión Rescate (The Martian), su cinta más lograda y entretenida en mucho tiempo.

Durante una misión a Marte, se desata una feroz tormenta y el astronauta Mark Watney (Matt Damon) resulta herido. El resto de la tripulación se va, creyendo que Watney ha muerto, pero él ha sobrevivido y debe encontrar la forma de comunicarse con la Tierra, a la vez que debe racionar la comida y buscar estrategias para alargar su vida en ese planeta, pues un posible rescate o escape de ese lugar puede demorar varios años.

En los dos últimos años, Gravedad e Interestelar también nos mostraron historias de astronautas que deben luchar por su vida. Sin embargo, lo que diferencia a Misión Rescate es su inesperado sentido del humor e irreverencia, totalmente bienvenidos en un género como la ciencia ficción, en el que todo suele ser siempre tan solemne.

El mérito del director Ridley Scott y el guionista Drew Goddard es lograr un efectivo acto de equilibrista, al balancear los toques de humor con escenas de gran dramatismo y suspenso. Allí están, por ejemplo, la excelente secuencia inicial de la tormenta y el espectacular desenlace de la aventura en el espacio, tan bien coreografiado que se convierte en una bella y emocionante danza, con dos cuerpos que se buscan y se aferran el uno al otro.

Matt Damon compone uno de los personajes más carismáticos de su carrera: irónico, ingenioso, analítico y curioso. Ya sea cuando registra frente a la cámara sus crónicas de supervivencia o cuando intenta sembrar papas en un desierto o cuando no puede evitar moverse al ritmo de la música disco, Damon carga la película sobre sus hombros y se gana a la audiencia.

Del equipo de astronautas, destaca también Jessica Chastain, como la comandante afligida por la responsabilidad de haber abandonado a Watney en Marte. Por otro lado, aunque es refrescante ver a Kristen Wiig en un papel diferente como la vocera de la NASA, su personaje no tiene muchas oportunidades de lucimiento.

En cuanto a los aspectos técnicos, destaca la fotografía que privilegia los colores cálidos, especialmente en esos impresionantes planos generales del desierto rojo en el que se desplaza Watney. La edición también es lograda, al potenciar el suspenso y alternar de manera fluida los acontecimientos de Marte, la nave espacial Hermes y la base de la NASA en la Tierra. Y los efectos visuales también resultan convincentes en la recreación de Marte.

Salvo la escena final de Matt Damon, que se siente como un epílogo innecesario, Misión Rescate es un auspicioso retorno de Ridley Scott al cine de ciencia ficción. También representa una celebración de la capacidad humana de encontrar formas ingeniosas e inesperadas de aferrarse a la vida y conquistar nuevos territorios con el poder de la imaginación.

Título original: The Martian
País y año: Estados Unidos 2015
Director: Ridley Scott
Actores: Matt Damon, Jessica Chastain, Kristen Wiig, Jeff Daniels, Chiwetel Ejiofor, Michael Peña, Kate Mara, Sebastian Stan, entre otros.
Calificación: *** 1/2.

26 sept. 2015

Mientras somos jóvenes, Dos besos y Ricki and the Flash

Por si te las perdiste, comparto en este post mis colaboraciones más recientes publicadas en Cinencuentro, sobre la comedia Mientras somos jóvenes, la cinta peruana Dos besos y la comedia Ricki and the Flash, con la camaleónica Meryl Streep.


Mientras somos jóvenes tiene ecos del mejor Woody Allen. Es una comedia en la que la melancolía de la adultez y la euforia de la juventud se dan la mano, para luego estrellarse juntas. Sin idealizar ninguna etapa de la vida, Noah Baumbach nos muestra que cada una tiene sus propias ventajas, pero también sus propias frustraciones y desencantos (leer la crítica completa).


Dos besos supone un logro menor en la filmografía de Lombardi, pero es un logro a fin de cuentas, porque aún tiene la capacidad de sorprendernos y envolvernos en una atmósfera enrarecida, en la que las apariencias engañan, pero también seducen (leer la crítica completa).


Ricki and the Flash es como la nueva versión de una canción que suena ligeramente conocida, pues a pesar de que toca una melodía familiar, también es capaz de ofrecer nuevas sensaciones y de tocar fibras internas, a partir de una interpretación vibrante y entregada como la de Meryl Streep (leer la crítica completa).

5 sept. 2015

Reconciliación con la memoria

Así como una herida que no cicatriza es imposible de ignorar, es imperativo seguir haciendo películas sobre el conflicto armado interno y sus consecuencias. Es un ejercicio de memoria más que necesario en un país como éste, en el que la amnesia es un mal común.

Ahora bien, si un director solvente sabe encontrar un nuevo ángulo sobre ese tema y aprovechar una historia que sea emocionante, incómoda y, sobre todo, relevante; nos podemos encontrar con una agradable sorpresa como Magallanes, la mejor película peruana en lo que va del año.

Dejando de lado su habitual faceta de actor, Salvador del Solar ha pasado detrás de cámaras para dirigir y escribir el guion de esta película, basándose en La Pasajera, una novela corta de Alonso Cueto. Harvey Magallanes (Damián Alcázar) es un conductor que lleva un día en su taxi a Celina (Magaly Solier), un rostro que él recuerda de inmediato: es la chica que él conoció en Ayacucho, cuando él era militar y ella, una adolescente. Ella no lo reconoce, pero él no ha podido olvidarla, así que empieza a seguirla. Pronto descubre que Celina está agobiada por las deudas.

Harvey intenta reivindicar las despreciables acciones que él y un grupo de militares hicieron en Ayacucho. Para ello, recurre a medidas desesperadas con las que cree hacer justicia. Estamos entonces ante una historia de redención, de arrepentimiento y reconciliación con la memoria.

El mexicano Damián Alcázar interpreta con emoción contenida a este perdedor que busca redimir sus culpas y limpiar su conciencia. El argentino Federico Luppi se luce en el rol del ex coronel postrado en una silla de ruedas, aparentemente desconectado de la realidad, pero brutalmente confrontado a los recuerdos imborrables. Y de los actores nacionales, podemos mencionar el destacado trabajo de Bruno Odar en el rol de Milton, un mecánico y ex militar que extraña la adrenalina de la guerra.

Sin embargo, la mejor actuación de la película le pertenece a Magaly Solier, quien le da a Celina un conmovedor balance entre fortaleza y dignidad. Dos momentos protagonizados por Solier son los picos más altos de la película. El primero es cuando despierta de una pesadilla y corre cuesta arriba por un cerro, mientras su silueta silenciosa es iluminada por las luces de una ciudad que ignora su sufrimiento. Es como si todos los recuerdos que había escondido en un lugar de su memoria, salieran a atacarla de pronto y ella solo corre, buscando liberarse de ellos.

La otra escena brillante de Solier ocurre en una comisaría, cuando Celina pronuncia un monólogo en quechua, que cuestiona a todos los personajes presentes, pero también a nosotros, el público. No importa que no entendamos cada palabra, pero sí el mensaje: la dignidad humana no tiene precio.

A pesar de sus logros indiscutibles, dos aspectos no terminaron de convencerme en Magallanes. En primer lugar, un par de diálogos se sintieron forzados o irreales (por ejemplo, tras hacer una llamada de extorsión, Magallanes le dice a su hermana: “¡Qué bien lo hiciste! ¡Hasta podrías dedicarte a esto!”). Luego, la gran variedad de acentos latinoamericanos llega a distraer, especialmente en el caso del colombiano Jairo Camargo, inverosímil como policía peruano.

Salvador Del Solar tiene un sólido debut en la dirección, al generar efectivas atmósferas de tensión y suspenso, como por ejemplo ese laberíntico recorrido por el centro comercial Polvos Azules y la reveladora escena de la peluquería, en la que Celina reconoce por fin a Magallanes. También demuestra ser un director que se preocupa por demostrar las motivaciones de sus personajes, no solo en las acciones, sino en los gestos sutiles y las miradas silenciosas, cargadas de dolor, de culpa, de desesperación, pero también de perdón.


Título original: Magallanes
País y año: Perú 2015
Director: Salvador del Solar
Actores: Damián Alcázar, Magaly Solier, Federico Luppi, Christian Meier, Bruno Odar, Jairo Camargo, Liliana Trujillo, Tatiana Astengo, Graciela Paola, entre otros.
Calificación: *** 1/2.

29 ago. 2015

Festival de Lima 2015: Segundo balance

En el primer balance del Festival de Cine de Lima 2015 comenté tres excelentes películas de las muestras paralelas (Mommy, Los paraguas de Cherburgo y La sal de la tierra) y también la chilena El Club.

En este segundo balance, repaso cuatro cintas latinoamericanas de la competencia oficial de ficción: la peruana Rosa Chumbe, la argentina Paulina, la mexicana Carmín tropical y la cubana La pared de las palabras.

Rosa Chumbe


En una Lima hostil, Rosa es una mujer policía adicta al juego y al alcohol que debe cuidar de su nieto cuando su hija huye repentinamente llevándose todos sus ahorros. Rosa descubre en esa relación con el pequeño niño una válvula de escape frente a la depresión y la soledad.

Este es el primer protagónico de Liliana Trujillo, una actriz a quien hemos visto varias veces en papeles secundarios (Tarata, La herencia, Magallanes, etc.). Su destacada actuación está construida a base de silencios cargados de frustración y miradas que demandan atención. Por su parte, el cómico Alejandro Romero (el “Gordo Casaretto”) aporta una necesaria cuota de humor como un conductor de TV.

El director Jonatan Relayze (a quien entrevisté durante el Festival) acierta en la recreación de Lima, mostrando con una gran autenticidad distintos paisajes de la ciudad: las señoras que conversan en el transporte público, las comidas en carretillas y restaurantes de menú, los laberínticos edificios burocráticos, etc. Solo se le podría objetar que el desenlace tenga lugar en la procesión del Señor de los Milagros (como en las recientes Octubre y El evangelio de la carne), pero aquí la mística es diferente a esas películas, porque la fe no se siente tan impostada y la ciudad no es un simple telón, es un personaje más, perverso y envolvente a la vez. Calificación: *** ½.


Paulina


Esta cinta argentina también conocida como La patota nos presenta a Paulina, una abogada idealista que abandona su carrera para dictar clases en la escuela de una zona rural muy pobre. Una noche es violada por una pandilla. Para indignación de su novio y su padre, Paulina decide seguir trabajando en el mismo barrio donde fue atacada, sin imaginar que los agresores están más cerca de lo que sospecha.

Paulina es un remake de La patota, protagonizada por Mirtha Legrand en los años 60. Más de 5 décadas después, aún se mantienen vigentes temas como las profundas desigualdades sociales frente a la administración de justicia, así como las causas y consecuencias de la violencia contra la mujer. El director Santiago Mitre plantea el debate sobre el rol de la víctima frente a la justicia: ¿es ella la única que puede decidir si se castiga al culpable? ¿El supuesto culpable es a su vez víctima de un sistema opresivo y discriminatorio?

Ese debate es verbalizado y podría decir que quizás hasta es demasiado subrayado en los diálogos que tienen Paulina (Dolores Fonzi, excelente) y su padre Oscar Martínez (también notable), pero el director hace lo posible por mostrar ambas posturas para que el espectador saque sus propias conclusiones. Aunque las decisiones de la protagonista pueden llegar a resultar exasperantes e incomprensibles, este es un film que pretende invitarnos a ponernos en el lugar de esta mujer y tratar de entender todas las variables en juego, muchas de las cuales se escapan en el análisis más superficial. Calificación: ***.

Carmín tropical


Esta película mexicana narra una búsqueda y un retorno. Mabel es una chica transexual que regresa después de años a su pueblo natal para indagar sobre el asesinato de su amiga Daniela, quien también era transexual. En el camino, se ve invadida por la nostalgia y tentada por la posibilidad de volver a amar y de retomar su pasión, el canto.

A diferencia de otras cintas que presentan personajes transexuales, Carmín tropical no cae en los estereotipos de mostrarlos como seres marginales o exóticos. Por el contrario, el director Rigoberto Pérezcano opta por crear un entorno inclusivo, en el que la familia y los amigos los aceptan con naturalidad, sin prejuicios.

Los dos primeros tercios de la película son sólidos y convincentes, pues intercalan los rasgos del género policial (las pesquisas, el descubrimiento de pistas y sospechosos) con los intentos de Mabel por reconciliarse con su pasado al honrar a su amiga muerta. En el último tramo la revelación de la verdadera identidad del asesino no resulta tan sorprendente, pero la película recupera fuerza con un desenlace abrupto que deja un enigmático halo de misterio, mientras suena una triste canción de despedida. Calificación: ***.

La pared de las palabras


Luis es un hombre adulto que padece una distonía desde la infancia, lo que le impide comunicarse a través del lenguaje corporal o verbal. Vive internado en una institución médica, pero los fines de semana su madre lo lleva a su casa. Mientras su enfermedad se va haciendo cada vez más aguda, su madre se resiste a ver cómo la vida de su hijo se consume.

Esta cinta cubana pretende rendir homenaje a las abnegadas madres que dedican su vida a cuidar de sus hijos enfermos, dejando de lado todas las demás prioridades y sacrificando sus propios intereses. Sin embargo, esas nobles intenciones se ven parcialmente opacadas por unos minutos finales en los que un personaje habla desde el más allá para pronunciar un innecesario discurso incendiario.

El actor Jorge Perugorría (recordado por Fresa y chocolate) destaca en el papel de Luis y asume el enorme reto de comunicar sus emociones sólo a través de las miradas. El resto del elenco muchas veces opta por un registro exagerado, especialmente algunos de los pacientes del centro médico, como una chica esquizofrénica que lanza diatribas revolucionarias, supuestamente con un propósito cómico, pero que termina resultando un cliché ofensivo de los enfermos mentales. Calificación: **.

23 ago. 2015

Festival de Lima 2015: Primer balance

La edición número 19 del Festival de Cine de Lima incluyó homenajes a Werner Herzog, Arturo Ripstein, Alicia Paz Garciadiego y Gustavo Bueno, de quienes se pudo ver parte de su filmografía. Aparte de las competencias oficiales de ficción y documental que siempre traen buenas representantes de Latinoamérica, este año hubo propuestas interesantes en las muestras paralelas: Clásicos franceses renovados, La vuelta al mundo en 8 días, Ambulante Gira Documental, Semana de la Crítica de Cannes, Turquía en Lima, entre otras.

En este primer post sobre el festival, comparto algunas impresiones sobre tres extraordinarias películas de las muestras paralelas y también sobre la chilena El Club, que formó parte de la competencia oficial de ficción y recibió el premio del jurado al mejor director (Pablo Larraín).

Mommy (Sección La vuelta al mundo en 8 días)


Esta cinta canadiense narra la historia de Diane, una mujer viuda que ama incondicionalmente a su hijo Steve, un adolescente violento con problemas de atención y de conducta. Mientras ellos intentan convivir con sus cambiantes estados de ánimo, su vecina Kyla ingresa a su vida para ayudarlos a encontrar un poco de armonía en medio del caos.

El director Xavier Dolan se vale del formato 1:1 (es decir, cuadrado) para concentrarse en los conflictos de sus tres protagonistas, quienes parecen sentirse encerrados a causa de sus carencias afectivas. Recién cuando empiezan a resolver ciertos problemas juntos y la vida parece sonreírles un poco, se abre el encuadre a un formato horizontal. Los protagonistas Anne Dorval, Antoine-Olivier Pilon y Suzanne Clément interpretan con honestidad e intensidad a estos personajes frágiles y quebrados que al juntarse forman un todo ligeramente más coherente.

Pero Mommy no es una fábula sobre la superación de la adversidad, es un revelador relato de cómo el amor es capaz de sanar ciertas heridas superficiales, pero eso no basta para curar una enfermedad más profunda. Con apenas 26 años, Dolan se confirma como un director con una sensibilidad muy especial, que maneja un meticuloso cuidado de la forma tanto como del fondo y que posee una pasión por la capacidad expresiva del cine como catalizador de emociones. Calificación: **** ½.

Los paraguas de Cherburgo (Sección Clásicos franceses renovados)


Este musical de 1964 presenta uno de esos romances efímeros pero imposibles de olvidar. Geneviève trabaja en una tienda de paraguas junto a su madre y está enamorada de Guy, un mecánico. Cuando él debe partir a la guerra por dos años, Geneviève se queda devastada. Un tiempo después, ella recibe una propuesta de matrimonio por parte de un rico comerciante de joyas. Su madre hace todo lo posible por concretar esa boda y resolver así sus crecientes problemas económicos.

Los paraguas de Cherburgo no cuenta con ningún diálogo hablado, pues toda la historia es narrada a través de canciones, que cambian de tono conforme avanza la película. Inicialmente son dulces e idílicas, pero paulatinamente se tornan agridulces y tristes. Así, se muestran las diferentes facetas del amor, desde el romance hasta la desilusión y la resignación por la pérdida del ser amado.

El director y guionista Jacques Demy nos regala una joya del género musical que emociona a partir de atmósferas que son oníricas primero y melancólicas después. Los protagonistas Catherine Deneuve y Nino Castelnuovo están fantásticos en la representación de estos amantes separados por distintas circunstancias que los obligan a perder la inocencia y enfrentar el mundo real. Calificación: ****.

La sal de la tierra (Sección Ambulante Gira Documental)


Este excelente documental francés nos presenta la obra del fotógrafo brasileño Sebastião Salgado, quien en los últimos 40 años ha viajado por todo el mundo inmortalizando con su cámara diversos sucesos que han transformado a la humanidad (hambruna, éxodos, accidentes) y también la majestuosidad de la flora y fauna que nos rodean.

Los directores Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado (hijo del fotógrafo) alternan los testimonios de Sebastião sobre su vida y su obra, con las poderosas imágenes de sus fotografías, cada una más impactante que la otra. Destacan, por ejemplo, las fotos de mineros cubiertos de oro y de bomberos bañados en petróleo, así como las fotos de cadáveres de desplazados que han muerto en medio de la nada sin agua ni alimentos, sin esperanza y en el más absoluto silencio.

La sal de la tierra (nominado al Oscar a mejor documental) es un homenaje a la fotografía como un arte que es capaz de conmovernos, hacernos reflexionar e invitarnos a apreciar los contrastes con lo que convivimos: la crueldad y la solidaridad de la humanidad, el salvajismo de los hombres y la pureza de la naturaleza. Calificación: ****.

El Club (Sección Competencia Oficial de Ficción)


Esta película chilena narra la historia de cuatro sacerdotes caídos en desgracia, quienes viven en una casa de retiro en un alejado pueblo cerca del mar, bajo la atenta y amable mirada de una guardiana, quien también es religiosa. La llegada de un quinto sacerdote quiebra la armonía y destapa los secretos que ellos creyeron dejar atrás.

El guion hace todo lo posible por no caer en maniqueísmos, al conferirle luces y sombras a cada personaje. Todos pueden tener un momento de fragilidad o de solidaridad, pero al mismo tiempo todos son capaces de manipular, mentir y dañar a otros con tal de proteger su secreto o su estatus actual. Y en eso, la denuncia del director Pablo Larraín no es nada sutil: la Iglesia puede estar muy dividida en ciertos aspectos, pero es muy unida si se trata de cubrirse las espaldas.

El Club es un drama intenso, que maneja un ritmo muy fluido que sabe cuándo acrecentar el suspenso y cuándo relajar el ambiente con unos toques de sarcasmo. Quizá su único pecado es repetir más de la cuenta ciertos testimonios chocantes, con el fin de magnificar su impacto. Pero su redención está en poner sobre el tapete temas sensibles e incómodos para propiciar una discusión. Porque aquello que se esconde no desaparece, sólo está esperando el momento de ser descubierto (leer la crítica completa en este post de Cinencuentro). Calificación: *** ½.

En mi siguiente post, comentaré las otras películas latinoamericanas que pude ver en el Festival de Lima 2015.

16 ago. 2015

Rosa Chumbe, El Club, La herencia y La dama de oro

Por si te las perdiste, comparto en este post mis últimas colaboraciones para la web de Cinencuentro: una entrevista a Jonatan Relayze, director de Rosa Chumbe y críticas de la cinta chilena El club, la peruana La herencia y la inglesa La dama de oro



Rosa Chumbe es una de las cuatro películas peruanas en competencia en la edición N° 19 del Festival de Cine de Lima. Conversé con el director, Jonatan Relayze, sobre su primer largometraje, la historia de una mujer policía que debe encargarse de su nieto, cuando su hija se fuga repentinamente de la casa. A través de su punto de vista, se muestran distintos rincones de Lima, una ciudad en la que conviven la fe y la desesperación (leer la entrevista).


El Club de Pablo Larraín viene de ganar el premio a mejor director en el Festival de Cine de Lima. Narra la historia de cuatro sacerdotes caídos en desgracia, quienes viven en una casa de retiro en un alejado pueblo cerca del mar, bajo la atenta y amable mirada de una guardiana, quien también es religiosa. La llegada de un quinto sacerdote quiebra la armonía y destapa los secretos que ellos creyeron dejar atrás (leer la crítica completa).


La herencia intenta ser una comedia ligera, de enredos y situaciones disparatadas. Pero lo único que consigue es ahogarse en un charco de estereotipos (algunos de ellos hasta resultan ofensivos), situaciones incoherentes e infinitas bromas sobre flatulencias (leer la crítica completa).


La dama de oro es una película correcta y bien intencionada, pero tampoco ofrece mayores riesgos ni sorpresas. Su gracia salvadora es la sobresaliente actuación de Helen Mirren, quien modula de manera correcta la emoción, el coraje y la búsqueda de la justicia. Su trabajo es como una obra de arte que se convierte en el principal atributo de una galería, sin el cual todo el conjunto pierde su valor (leer la crítica completa).

30 jun. 2015

La emoción extinta

Recuerdo claramente la impresión que dejó en mí Jurassic Park, en 1993, cuando salí del cine completamente asombrado. Fue un clásico del cine de aventuras que marcó mi niñez. Los dos siguientes capítulos de la saga no lograron capturar la misma magia y pasaron rápidamente al depósito de secuelas desechables. Allí también podría ir a parar Jurassic World, el inicio de una nueva trilogía que toma como modelo el film original, pero cuyo resultado es tan decepcionante como un Tironasaurio Rex que ruge pero no muerde.

22 años después de los sucesos en la isla Nublar, se instala allí el parque temático Jurassic World, el cual presenta como atracciones distintas especies de dinosaurios. Una nueva especie modificada genéticamente, la Indominus Rex, escapa del lugar donde la tenían en cautiverio y desata el caos en la isla.


La Indominus Rex posee habilidades especiales como la capacidad de camuflarse, manipular su temperatura térmica y -aquí viene la mejor parte- arrancarse trozos de su propio lomo con la precisión de un cirujano. Sin duda, estamos ante el primer dinosaurio en la historia del cine que tiene conocimientos de medicina. Su gran inteligencia muchas veces deja en ridículo a los pobres humanos incapaces de prever las acciones del monstruo asesino que han creado en un laboratorio.

Otra adición interesante al catálogo de dinosaurios es la Mosasaurus, una gigantesca criatura submarina que reside en un lago artificial y que ingiere tiburones como si fuesen bocaditos. Junto a las nuevas adquisiciones, destacan los dinosaurios ya conocidos: los velociraptores, quienes ahora son entrenados para seguir instrucciones humanas, y el Tiranosaurio Rex, quien sólo aparece en el tramo final.

Los personajes humanos, en cambio, son estereotipos unidimensionales. Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) es la directora del parque, una workaholic y maniática del control que no tiene tiempo de atender a sus dos sobrinos, quienes están de visita en el parque. Owen Grady (Chris Pratt) es el heroico entrenador de los velociraptores que se autodefine como su macho alfa. Y Vic Hoskins (Vincent D'Onofrio) es el jefe de seguridad de InGen que encarna todos los clichés que suelen tener los villanos en este tipo de cintas: codicioso, autosuficiente y terco.

En el cine de aventuras y ciencia ficción, existe el concepto de "suspensión de la incredulidad", es decir, la voluntad que tienen los espectadores de aceptar situaciones irreales pero que son coherentes al universo narrativo que crea una determina obra de ficción. Por ejemplo, aunque los dinosaurios estén extintos hace millones de años, aceptamos la fantasía de creer en un parque temático que los tiene como atracciones.

Sin embargo, muchas películas abusan de los límites de la verosimilitud y nos presentan situaciones tan absurdas que arruinan la diversión, como las que abundan en Jurassic World: una mujer en zapatos de tacón corriendo más rápido que un T-Rex, unos niños arreglando en minutos un vehículo abandonado hace dos décadas, unos fósforos que prenden mágicamente después de haber estado sumergidos en agua y así sucesivamente.

Si hay algo que podemos rescatar de Jurassic World son los efectos visuales, sobre todo en la animación de los nuevos dinosaurios y en las expresiones faciales de los velociraptores. También funcionan bien un par de escenas de acción: el ataque de la Indominus Rex a la giroesfera en la que están atrapados los dos niños y el vuelo amenazador de los pterosaurios que agreden a los visitantes del parque, lo cual es un claro homenaje a The Birds de Hitchcock.

Si Jurassic Park es una de las cintas más recordadas de los años 90 es porque supo integrar a los dinosaurios en el argumento de manera creíble y sorprendente. A Jurassic World le falta ese factor sorpresa y le sobran las situaciones predecibles, repetitivas y absurdas.

Título original: Jurassic World
País y año: Estados Unidos 2015
Director: Colin Trevorrow
Actores: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Vincent D'Onofrio, Irrfan Khan, Omar Sy, Ty Simpkins, Nick Robinson, entre otros.
Calificación: ** 1/2.

23 jun. 2015

Una nueva ventana: Cinencuentro

Hace poco fui invitado a ser colaborador de Cinencuentro, página web especializada en cine que fue creada hace más de 10 años. Estoy entusiasmado por este reto, pues soy lector de esa página desde hace varios años y ahora voy a poder compartir con más gente mis impresiones sobre lo que más me apasiona: el cine.

Eso no quiere decir que dejaré de lado el blog Las Horas Rojas. Por el contrario, mi intención es compartir aquí un resumen de mis posts en Cinencuentro y, en paralelo, escribir algunos posts que serán exclusivos para este blog. Por otro lado, se mantiene vigente la página de Las Horas Rojas en Facebook, en la que diariamente publico noticias, trailers, información sobre los estrenos de la semana, los lunes de soundtrack, entre otros datos de interés.

Por si te los perdiste, estos han sido mis tres primeros posts en Cinencuentro:


Crónicas diplomáticas (Quai d’Orsay) es una mordaz sátira política que nos introduce en el mundo de la diplomacia y, específicamente, en la olla a presión en la que se transforma la oficina del Ministro de Asuntos Exteriores de Francia (leer más).


En Aloft, la directora Claudia Llosa mantiene algunos de los temas desarrollados en sus películas previas, como el misticismo, la superación de un trauma y la necesidad de encontrar una catarsis. También se mantiene la representación del dolor físico y emocional, como motores de una búsqueda personal muy profunda que emprenden los personajes desde la oscuridad hacia la luz (leer más).


Intensa-Mente tiene suficientes elementos de humor y acción para mantener entretenidos a los niños, pero su inesperada profundidad psicológica y acertado retrato del proceso de madurez hacen que su original propuesta conecte con los adultos en un mayor nivel emocional. Esta joya de la animación es un nuevo triunfo artístico de Pixar que merece reclamar un lugar de honor entre los mejores estrenos del año (leer más).

26 abr. 2015

Chiste repetido

Después del monumental éxito comercial de Asu Mare, el reto de la secuela era superar la taquilla de la primera y hasta el momento parece que lo logrará, pues Asu Mare 2 viene acumulando más de 100 mil espectadores cada día. Los auspiciadores celebran y algunos espectadores también. Pero, ¿en cuánto a la calidad, supera a su predecesora? Lamentablemente no... y eso que Asu Mare era mala.

Si la primera parte mostraba distintos aspectos de la vida de “Cachín” (Carlos Alcántara), como la relación con su madre a lo largo de su infancia y adolescencia, así como su ascenso a la fama, la secuela se concentra en el romance de Cachín y Emilia (Emilia Drago), sus diferencias sociales y los obstáculos que amenazan con separarlos.

Se supone que Asu Mare 2 es una comedia, pero no me reí ni una sola vez durante toda la película. El humor es chabacano, predecible y excesivamente repetitivo. ¿Cuántas decenas de chistes de doble sentido se pueden hacer sobre un huevo decorativo? ¿Cuántas veces tiene que escuchar el personaje de Christian Meier su propio tema "Carreteras mojadas" cada vez que sube a su auto? ¿Cuántos personajes adicionales tiene que interpretar Carlos Alcántara porque al parecer uno no es suficiente para lucirse?


Se supone que también es una cinta romántica, pero la química entre Alcántara y Drago simplemente no se materializa. Mientras que él repite su ya conocida rutina de bromas y gestos, ella sólo atina a sonreír durante toda la película, como una modelo de pasta dental. Pareciera que al estar enfundados en el corsé de la comedia romántica, los protagonistas no pudiesen respirar aire fresco.

Algunos de los secundarios tienen mejor suerte. Si bien Christian Meier y Anahí de Cárdenas básicamente interpretan caricaturas de sí mismos (el galán y la chica hueca), al menos se nota que se divierten en el intento de crear un personaje. Y entre los numerosos cameos, destaca sobre todo Pietro Sibille en el papel de un taxista.

Al estar ambientada en los años 90, la película apuesta por transmitir una nostalgia por esa década. Por eso, muestra un desfile intermitente de personajes de esa época que parecen recién sacados de un cajón con naftalina. Muchos de ellos no tienen nada que aportar a la historia, sólo están allí para recordar que alguna vez fueron relevantes, pero que ahora son sólo recuerdos fantasmales.

Así como esos personajes noventeros aparecen gratuitamente, otras situaciones se producen de manera fortuita sin ninguna lógica (la escena de la marinera en el set de TV, por ejemplo) y también hay problemas de continuidad (la escena inicial de la boda entra en contradicción con otras escenas que se ven más adelante). Se nota que el guion fue la última preocupación al momento de hacer Asu Mare 2 y dudo que ese aspecto les importe cuando inevitablemente hagan la tercera parte.


Título original: Asu Mare 2
País y año: Perú 2015
Director: Ricardo Maldonado
Actores: Carlos Alcántara, Emilia Drago, Christian Meier, Rodrigo Sánchez Patiño, Andrés Salas, Franco Cabrera, Ana Cecilia Natteri, Denisse Dibós, Katia Condos, Anahí de Cárdenas, entre otros.
Calificación: * 1/2.

22 mar. 2015

Atrapadas

La Cenicienta y Big Eyes son dos cintas protagonizadas por mujeres prisioneras. En el primer caso, Ella es víctima de una madrastra opresiva y abusiva. En Big Eyes, la pintora Margaret Keane es esclava de una mentira que la obliga a esconderse en las sombras.

El cristal tradicional

Directamente desde el mausoleo de las princesas de Disney, llega una nueva resurrección de La Cenicienta, esta vez de carne, hueso y zapatos de cristal. El argumento es ampliamente conocido: Ella (Lily James) es una huérfana que después de la muerte de su padre, se convierte en la sirvienta de su madrastra y sus dos hermanastras. El destino y una conveniente ayuda de su hada madrina la llevan a la fastuosa fiesta que da el príncipe, donde su suerte cambiará por completo.

A diferencia del afán revisionista de Maléfica y En el bosque, La Cenicienta se ciñe fielmente a la tradición del cuento original, sin incorporar grandes cambios en el fondo (el argumento), sino más bien en la forma (el ambicioso estilo visual). Sin embargo, sí presenta sutiles incorporaciones que intentan modernizar la historia, como la sensibilidad del príncipe, quien no tiene reparos en llorar una pérdida.

El director Kenneth Branagh es más conocido por su faceta como actor (Henry V, My Week with Marilyn) y quizá por eso, dirige con tan buena mano a Cate Blanchett, quien destaca en el papel de Lady Tremaine. Blanchett no es una villana de caricatura (como Julia Roberts en Espejito espejito) o una amargada incapaz de sonreír (como Charlize Theron en Blancanieves y el cazador), sino se trata de una manipuladora que cambia de comportamiento dependiendo del entorno y siempre busca una escalera para seguir ascendiendo.

La protagonista Lily James es parcialmente encantadora, pero no puede evitar ser opacada por Blanchett, sobre todo porque el guion la condena a ser un personaje unidimensional: tan buena que jamás se queja, tan ingenua que acepta todos los maltratos con vocación de mártir. Por lo menos, se da el lujo de dejar boquiabiertos a todos cuando hace su entrada triunfal al baile. Y gran parte de ese impacto radica en el diseño de vestuario, un trabajo tan espectacular que seguramente recibirá una nominación al Oscar.

Título original: Cinderella
País y año: Estados Unidos 2015

Director: Kenneth Branagh
Actores: Lily James, Cate Blanchett, Richard Madden, Helena Bonham Carter, Stellan Skarsgård, entre otros.
Calificación: ***.

Ojos marginales

El director Tim Burton sale de su zona de confort en Big Eyes, pues no se trata de una historia del género fantástico ni trabaja con sus actores fetiche (¡felizmente!). Sin embargo, sí trae consigo un rasgo reconocible de su filmografía: cuenta la historia de dos seres considerados marginales por la sociedad, que de pronto convierten esa extravagancia en su clave para buscar diferenciarse, como ocurrió en Ed Wood o Charlie y la fábrica de chocolate.

El argumento está basado en la historia real de la pintora Margaret Keane (Amy Adams), cuyos cuadros de niños con ojos grandes se volvieron muy populares en los años 50 y 60. Pero durante mucho tiempo, su esposo Walter (Christoph Waltz) se robó los créditos de estas obras y las presentó como suyas, convenciendo a Margaret de que él tenía más talento para promocionarlas y venderlas.

A pesar de que no es la primera vez que Amy Adams interpreta a una chica ingenua que cae en una trampa, su actuación no deja de ser digna de reconocimiento: su mirada transmite la misma tristeza y abandono de los niños que pinta en sus cuadros, su voz va tomando fuerza y determinación a medida que se libera de la opresión. En el otro extremo, Christoph Waltz hace una variación chillona de su usual personaje de encantador de serpientes: grita sus diálogos y exagera en su gesticulación hasta provocar una sensación de hastío. 

Big Eyes intenta reivindicar la obra de esta artista marginal, que gozó desde la oscuridad del éxito comercial que tenían sus cuadros, a pesar de la desaprobación de los críticos de la época. Y Burton sabe mejor que nadie que no siempre se necesita del visto bueno de los expertos, para satisfacer a gran parte del público con historias de perdedores que no se conforman con seguir las normas. Total, la pintura y el cine, como todo el arte en general, son subjetivos.

Título original: Big Eyes
País y año: Estados Unidos y Canadá 2014

Director: Tim Burton
Actores: Amy Adams, Christoph Waltz, Danny Huston, Jason Schwartzman, Terence Stamp, entre otros.
Calificación: ***.

28 feb. 2015

Latigazo musical

Whiplash es una intensa película sobre la pasión por la música y el arte en general. Como una droga, esa pasión puede convertirse en una adicción que genera una incontrolable obsesión por la excelencia, así como sangre y dolor en unas manos tercas que se resisten a dejar de tocar. No obstante, esa adicción también engendra una incomparable satisfacción de saber que has logrado la perfección.

Andrew Neiman es un talentoso baterista de jazz  que estudia en un Conservatorio de Música en New York. Terence Fletcher es un profesor sumamente exigente y perfeccionista que dirige el mejor conjunto de jazz del Conservatorio. Cuando Andrew es invitado a ingresar a esta banda de música, su vida da un giro irreversible.

Aunque Whiplash comienza como un drama sobre un estudiante que recibe la oportunidad de pulir su talento, gradualmente se va transformando en un thriller en el que el profesor Fletcher se revela como un monstruo que humilla, insulta y exige cada vez más a los miembros de su conjunto musical, con la absoluta seguridad de que así los empuja a esforzarse a ser mejores. Porque, según él, no hay palabras más dañinas que “Bien hecho”. Eso no es suficiente. O es perfecto o no sirve.

El director y guionista Damien Chazelle compone un relato inspirado en su propia experiencia como estudiante de música. Su guion nunca desafina y más bien desafía todas las expectativas sorprendiendo en cada nota, más alta que la anterior. También conduce con maestría a sus actores y los hace trabajar en sincronía.

Después de haber demostrado su talento en otras cintas independientes como Rabbit Hole y The Spectacular Now, el joven actor Miles Teller se entrega por completo a la tarea de personificar la devoción de Andrew por el jazz y deja sangre, sudor y lágrimas sobre la batería. Es un actor del que seguramente podremos esperar otras actuaciones impresionantes en el futuro.

Por su parte, J.K. Simmons logra una de las interpretaciones más electrizantes y escalofriantes del año. Fletcher es cruel y despiadado, pero a veces resulta imposible no sucumbir ante su ácido humor. Es uno de esos villanos que amamos odiar, como el Coronel Hans Landa de Bastardos sin gloria o Miranda Priestly de El diablo viste a la moda.

Whiplash nunca pierde el ritmo y, por el contrario, mantiene la intensidad hasta llegar a un desenlace de antología que corta la respiración de los espectadores. Los inolvidables últimos 10 minutos presentan una batalla encarnizada entre dos rivales que no están dispuestos a ceder ni un milímetro y que no descansarán hasta demostrar quién lleva la batuta y quién puede dominar al otro así como domina su propio arte.

Título original: Whiplash
País y año: Estados Unidos 2014
Director: Damien Chazelle
Actores: Miles Teller, J.K. Simmons, Melissa Benoist, Paul Reiser, Austin Stowell, Nate Lang, entre otros.
Calificación: **** 1/2.

21 feb. 2015

Ambición vs. pretensión

¿Dónde termina la ambición creativa y empieza la insoportable pretensión de llamar la atención a como dé lugar, sin importar el arte? Esa pregunta está implícita en el conflicto del protagonista de Birdman. Pero el debate también es válido para los espectadores que salimos de ver la arriesgada puesta en escena de esta película.

Riggan Thomson es un actor que alcanzó la gloria en Hollywood interpretando hace muchos años al superhéroe Birdman en una trilogía. Pero ahora su carrera está estancada y condenada al olvido. En un intento por recuperar la fama y el prestigio, se prepara para estrenar una obra de teatro en Broadway, que él mismo dirige y protagoniza. 

Desde una perspectiva técnica, Birdman es un triunfo digno de admiración. La fotografía simula ser un largo plano de secuencia de dos horas, como si no tuviese cortes de edición. La idea no es completamente original, pues Alfred Hitchcock hizo lo mismo con el thriller La soga (Rope) hace 66 años. Sin embargo, en Birdman la técnica sirve para nutrir a la historia de un sentido de urgencia y dinamismo, así como de la ambigüedad propia de un sueño o una fantasía, como las que crea el protagonista en su afiebrada imaginación.

Desde el punto de vista actoral, estamos ante una suma de logros individuales que crean un conjunto asombroso. Michael Keaton, un actor famoso por interpretar a Batman en los años 90 y luego relegado a producciones menores, vuelve a volar por todo lo alto con una actuación electrizante, que pasa de la histeria a la melancolía en una sola escena. La película descansa sobre sus alas y él la eleva a otro nivel.

Así como Keaton se mira en el espejo de su propia carrera, Edward Norton interpreta con total entrega a un actor pedante e impredecible, adjetivos que no están lejos de su reputación en la vida real. Por otro lado, Emma Stone deja un enorme impacto, especialmente cuando dispara un monólogo portentoso sobre el deseo de trascender de los actores versus los verdaderos problemas de la gente común y silvestre. En papeles más pequeños, Naomi Watts, Andrea Riseborough y Amy Ryan también dan todo de sí mismas.

Desde el punto de vista narrativo, esta comedia negra tiene un pulso acelerado, marcado por intercambios rápidos y punzantes. El guion se burla de muchos aspectos y vicios del mundo del espectáculo, desde los críticos prejuiciosos que se proponen tumbar una creación artística sin siquiera haberla visto, hasta los espectadores incapaces de disfrutar una obra teatral en vivo sino es a través de la pantalla del celular, pasando por los actores egocéntricos y las productoras de Hollywood obsesionadas con maximizar sus ganancias apostando por secuelas de películas exitosas.

El director mexicano Alejandro González Iñárritu por fin se animó a abandonar los dramas sombríos y deprimentes como 21 gramos, Babel y Biutiful para introducirse con solvencia en el género de la comedia. Su audacia y ambición son innegables, así como su necesidad de empujar los límites con tal de sobresalir. Si tan solo se hubiese ahorrado la tentación de incluir esa innecesaria escena en la que el superhéroe interactúa con un robot gigante y explosiones chirriantes, estaríamos ante una obra mucho más redonda y balanceada.

Título original: Birdman
País y año: Estados Unidos y Canadá 2014
Director: 
Alejandro González Iñárritu
Actores: Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Zach Galifianakis, Naomi Watts, Amy Ryan, Andrea Riseborough, entre otros.
Calificación: ****.

11 feb. 2015

La paradoja de los códigos

Todos los años, la temporada de premios trae consigo el estreno de películas que recrean distintos pasajes de la Segunda Guerra Mundial. Esa receta, cuando tiene los ingredientes correctos, siempre es del gusto de la Academia. Este año Corazones de hierro (Fury) no logró ninguna nominación e Inquebrantable (Unbroken) logró apenas tres candidaturas en categorías técnicas. La que dio en el blanco fue El código enigma (The Imitation Game), nominada a 8 Oscars, incluyendo mejor película.

El código enigma narra tres etapas de la vida del matemático inglés Alan Turing (Benedict Cumberbatch): sus años de adolescencia en el colegio, el encargo que recibe del gobierno de descifrar los mensajes encriptados de los nazis y, finalmente, la década posterior a la guerra, cuando es detenido por ser homosexual.

La edición alterna acertadamente los tres períodos y muestra cómo conversan entre ellos. Por ejemplo, la dificultad que tiene Turing de adulto para comunicarse de manera normal con los demás se explica por el acoso que sufre de parte de sus compañeros de colegio, hasta que llega Christopher, un amigo que le presenta el mundo de la criptografía. Y esa pasión por los mensajes cifrados determina el devenir de su vida.

La película ha sido acusada de ser muy tibia o superficial en cuanto a la homosexualidad de Turing. No creo que sea el caso. Un hecho inesperado le impide confesar su amor platónico en la adolescencia. Este evento lo marca de por vida y guía su comportamiento hasta la adultez. Incidir en algún romance tortuoso durante los años de la guerra o postguerra, hubiese desviado el foco de la misión que él desempeñó junto a su equipo.

El guion se sirve de manera eficiente de distintos elementos que aportan a crear el suspenso y a volver más intensa la carrera contra el tiempo: fricciones y celos en el equipo, desconfianza de los superiores, etc. Sin embargo, también cae en ciertos lugares comunes, como la aparición de un espía infiltrado en el grupo o la clásica escena en la que un personaje suelta una frase aparentemente trivial y acto seguido, se le prende el foco al héroe porque encontró la solución que tanto buscaba.

Tanto Benedict Cumberbatch como Keira Knightley están formidables y conforman una pareja caracterizada por el respeto y apoyo mutuo, aunque la pasión sea un fin imposible. Cumberbatch neutraliza el carisma que usualmente emana, para configurar un personaje apático, hermético y autosuficiente, que opta por esconderse en su armadura para no resultar herido.

En ese sentido, El código enigma ofrece una paradoja interesante: el hombre que ayudó a ganar la guerra al descifrar los códigos del bando enemigo, nunca obtuvo el reconocimiento en vida por su labor y, por el contrario, perdió la batalla contra un sistema intolerante, que lo juzgó y condenó por no seguir los rígidos códigos de moralidad exigidos en aquella época. Algunas guerras se terminan y otras se continúan peleando hasta hoy.

Título original: The Imitation Game
País y año: Reino Unido, Estados Unidos 2014
Director: Morten Tyldum

Actores: Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Matthew Goode, Charles Dance, Mark Strong, entre otros. 
Calificación: *** 1/2.