31 dic. 2016

Sully, las extranjeras finalistas al Oscar y el soundtrack de Guerrero

Comparto mis tres posts más recientes publicados en Cinencuentro en diciembre.


En Sully Clint Eastwood prioriza la contención de las emociones y la exposición de los hechos de manera documentada, sin que nada sobre ni falte. El octogenario cineasta pilotea esta cinta con la mano firme de un experto que sabe cómo generar tensión a pesar de que sepamos el desenlace de antemano y sin atravesar jamás los caminos fáciles del sentimentalismo y el discurso moralista (leer la crítica completa).


Realicé un completo análisis de las 9 finalistas para el Oscar a mejor película extranjera, incluyendo la alemana Toni Erdmann (en la foto), que parte como favorita. Comparto sinopsis, trailers y premios obtenidos por cada película, así como mis predicciones de cuáles serán las 5 nominadas y un repaso por las grandes ausentes en la lista (leer post completo).


La nostálgica banda sonora de Guerrero nos lleva de regreso a los 90s, con un repertorio que va desde McHammer hasta Miki González. En este post hago un repaso por otras cintas peruanas y latinas que tienen en común el presentar escenas en las que los personajes principales comparten una canción mientras viajan en un automóvil, en un momento que suele ser clave en cada película (leer el post completo).

29 nov. 2016

Un viaje hipnótico al corazón de la Amazonía

El abrazo de la serpiente hizo historia a inicios de este año al convertirse en la primera película colombiana en ser nominada al Oscar en la categoría de mejor cinta extranjera. Esta excelente cinta en blanco y negro representa un sentido homenaje a esos pueblos de la Amazonía cuyas voces se extinguieron en la primera mitad del siglo XX, llevándose consigo una sabiduría milenaria.

El director y guionista Ciro Guerra entreteje dos narraciones paralelas, ambientadas en 1909 y 1940. Ambas están conectadas por el chamán amazónico Karamakate, quien en cada historia acompaña a un científico del mundo “desarrollado”, primero el alemán Theodor Koch-Grünberg y luego el estadounidense Richard Evans Schultes. En décadas distintas, ambos viajan a las profundidades de la selva en busca del yakruna, una planta sagrada.

En los dos viajes que realiza Karamakate junto a los exploradores, vemos cómo la fiebre de la explotación del caucho y la consecuente colonización van depredando la Amazonía y transformando la vida de sus habitantes. Incluso la imposición de la religión católica llega acompañada de severos castigos y torturas si los niños indígenas se atreven a hablar en su lengua materna.

La influencia de Werner Herzog se siente en la manera en que Ciro Guerra filma la arriesgada aventura de estos hombres que dejan de lado la civilización para sumergirse en los lugares más recónditos de la selva. Incluso el guiño a Fitzcarraldo se hace más evidente cuando Richard y Karamakate escuchan un disco de música clásica teniendo como telón de fondo el río y los árboles que parecen cobijarlos en su regazo.

Pero Guerra no es un mero imitador de Herzog, sino que se revela como un cineasta con una voz propia y un estilo que combina la búsqueda de la simplicidad y la elegancia en sus imágenes, con un esfuerzo por cruzar distintas capas en la narración hasta lograr un conjunto que seduce tanto por lo que muestra como por aquello que queda sugerido.

La fotografía de David Gallego aprovecha los contrastes del blanco y negro para regalarnos encuadres de una belleza impactante. La selva amazónica es filmada con curiosidad y admiración, mientras que los reflejos de los personajes en el río funcionan como espejos de sus propios pensamientos o añoranzas.

Si bien la edición que salta de una década a otra y los distintos subtextos sociales, económicos y religiosos que nutren la narración pueden resultar un poco desafiantes para algunos espectadores, vale la pena dejarse llevar por el efecto hipnótico que ofrece El abrazo de la serpiente. Es un viaje fascinante al corazón de una Amazonía que se muestra imponente y majestuosa.

Título original: El abrazo de la serpiente
País y año: Colombia, Venezuela y Argentina 2015
Director: Ciro Guerra
Actores: Nilbio Torres, Antonio Bolívar, Jan Bijvoet, Brionne Davis, entre otros.
Calificación: ****.

24 nov. 2016

Solos, Calichín, Siete semillas, La hora azul y Kubo y la búsqueda del samurái

Estos fueron mis 5 posts publicados en Cinencuentro entre setiembre y noviembre.

Entrevistas


Conversé con Joanna Lombardi, directora de Solos y Gerente de Producción de Tondero. En la entrevista, hablamos sobre su original su plan de distribución para Solos que combina la proyección en salas comerciales y en espacios al aire libre, sobre el exceso de estrenos en Perú que hace que las películas de autor salgan casi de inmediato de cartelera, entre otros temas (leer la entrevista).


También entrevisté a Giovanni Ciccia y Jackelyn Vásquez, protagonistas de La hora azul, ópera prima de Evelyne Pégot-Ogier basada en la novela homónima de Alonso Cueto. Conversamos sobre sus motivaciones para participar del proyecto, sus diferentes estrategias para preparar sus personajes, el largo proceso para que una cinta como esta llegue a la cartelera y las diferencias entre La hora azul y Magallanes, otra reciente adaptación de una obra de Alonso Cueto (leer laentrevista).

Críticas


Al igual que su protagonista, la película Calichín es una promesa que no llega a desarrollar todo su potencial. Probablemente si se hubiese concentrado en ser una comedia pura y dura, el resultado sería más redondo. No siempre la combinación de comedia y drama funciona, porque si uno se excede en el azúcar, como en este caso, el producto termina empalagando (leer la crítica completa).


Siete semillas es la quinta colaboración entre Tondero Films y su actor más rentable, Carlos Alcántara, quien protagonizó anteriormente las comedias Asu Mare, A los 40, Asu Mare 2 y Lusers. Esta vez apuestan por un drama con ciertos toques de comedia que intenta sembrar edulcorados mensajes de autoayuda, sin embargo lo hacen en un terreno infestado de clichés e incoherencias, en el que nada llega a florecer (leer la crítica completa).


Kubo y la búsqueda del samurái representa un doble homenaje. Por un lado, al don que tienen los narradores para construir mundos fascinantes con el poder de la imaginación. Y por otro lado, es una celebración de los valores que distinguen a los héroes japoneses: el coraje infatigable, el honor y la compasión, como paso necesario para sanar y crecer. Sin duda, estamos ante la mejor película animada en lo que va del año (leer la crítica completa).

12 oct. 2016

Las esquirlas del Baguazo


El documental El choque de dos mundos (When Two Worlds Collide) analiza el contexto político y social en el que se produjeron los trágicos enfrentamientos que sucedieron en Bagua el 5 de junio de 2009 y que dejaron como saldo 33 fallecidos (23 policías y 10 civiles), así como un agente desaparecido.

Los directores Heidi Brandenburg y Mathew Orzel siguen de cerca a los distintos actores del conflicto y recogen sus testimonios antes, durante y después de la crisis: el dirigente Alberto Pizango, el ex Primer Ministro Yehude Simon, la ex Ministra del Interior Mercedes Cabanillas, entre otros.

En imágenes de archivo, también aparece el ex Presidente Alan García brindando varias declaraciones a los medios de comunicación, como aquella desafortunada frase en la que afirmó que los nativos “no son ciudadanos de primera categoría”.

El documental tiene una estructura bastante ordenada, que demuestra un buen trabajo de investigación. Primero, se concentra en los orígenes del conflicto (los decretos legislativos firmados por el gobierno de García que causaron el malestar de las poblaciones amazónicas), las espinosas conversaciones que sostuvieron el gobierno y los líderes nativos, el sangriento enfrentamiento entre policías y civiles en la zona denominada la Curva del Diablo y las consecuencias de esa trágica jornada.

Lejos de caer en la tentación de tomar partido por alguno de los dos bandos, los directores muestran los excesos cometidos por el gobierno (la soberbia del presidente, la indiferencia de los congresistas oficialistas), pero también evidencian el egoísmo y cobardía del dirigente Alberto Pizango, quien huye por una ventana cuando el conflicto escala y pide asilo político en Nicaragua.

Otro aporte valioso de la película es presentar las esquirlas dejadas por el conflicto en sus víctimas. Allí están por ejemplo los deudos de policías y civiles que lloran a sus muertos mientras que ninguno de los responsables es juzgado ni sentenciado. Y en medio del fuego cruzado, el padre del Mayor Felipe Bazán, desaparecido en Bagua, emprende una titánica búsqueda de su hijo, ante la indiferencia del gobierno y de Pizango.


Hasta el momento, esta producción ha ganado varios premios en festivales internacionales, como un Premio Especial del Jurado en Sundance, el premio del público en Zurich, etc. Su recorrido por festivales aún continúa y sus directores esperan enviar la película a otras premiaciones como el Oscar, el BAFTA, entre otras.

El choque de dos mundos
es un documental indispensable para entender desde diferentes aristas por qué se produjo el "Baguazo". Es un duro recordatorio de que el Perú continúa siendo un país resquebrajado, en el que la ambición, la indiferencia y la incapacidad de siquiera escuchar a aquellos que tienen una cosmovisión distinta, siempre son un caldo de cultivo para que los conflictos sociales terminen con el derramamiento de sangre y la depredación de nuestros recursos naturales.

Título original: When Two Worlds Collide
País y año: Perú, Estados Unidos y Reino Unido 2016
Directores: Heidi Brandenburg y Mathew Orzel
Calificación: *** 1/2.


4 sept. 2016

Videofilia, La bronca, El candidato y Demolition

Comparto en esta entrada mis cuatro posts más recientes publicados en Cinencuentro en los meses de julio y agosto.


Videofilia (y otros síndromes virales) es una de las propuestas más originales y estimulantes que han aparecido en el panorama del cine peruano en los últimos años. Ganadora del Tiger Award en el Festival de Rotterdam y del premio a la mejor película en el Festival Lima Independiente, es también una experiencia demandante, que ofrece múltiples lecturas sobre nuestra interacción con el mundo digital (leer la crítica completa).


Los peruanos Daniel y Diego Vega, directores de las galardonadas Octubre y El mudo, filmarán su siguiente película titulada La bronca enteramente en Canadá. Basándose en una experiencia previa de uno de los directores, Daniel Vega, La bronca tiene lugar a lo largo de 6 meses, cuando un joven peruano visita a su padre en Canadá, tras años de estar distanciados (leer la nota completa).


Como un político en campaña, la película El candidato ofrece promesas pomposas y se presenta como una alternativa refrescante. Promete parodiar a nuestros políticos y periodistas, promete tomar el pulso de los procesos electorales, promete ridiculizar a aquellos personajes patéticos que se pelean por el poder. Sin embargo, las promesas se quedan en pálidos esbozos y la audiencia es subestimada con propuestas improvisadas (leer la crítica completa).


Demolition tiene un sólido inicio, un interesante desarrollo y un desenlace más bien convencional, menos arriesgado que los dos primeros tercios. Sin embargo, incluso cuando el guion no convence en algunos tramos, Jake Gyllenhaal carga la película sobre sus hombros y logra que estemos de su lado en todo momento, viendo cómo destruye todo para volver a construirse a sí mismo (leer la crítica completa).

31 ago. 2016

Festival de Cine de Lima 2016: Segundo recuento

En el primer recuento, comenté algunas de las mejores películas de la Competencia Oficial de Ficción: las latinoamericanas La luz incidente, Aquarius, Boi Neon, Alba y La última tarde.

En este segundo y último recuento, repasaré seis cintas que estuvieron este año en el Festival de Cannes y que formaron parte de algunas secciones del Festival de Lima como "Imprescindibles: Las del 2016", "La vuelta al mundo en 8 días" y "Retrospectiva Luc Dardenne".

Loving (Reino Unido / Estados Unidos)


En 1958, Richard (Joel Edgerton) y Mildred Loving (Ruth Negga) son encarcelados por el solo hecho de haberse casado, pues ese derecho les era negado a las parejas interraciales. La película muestra la batalla legal que los Loving emprenden contra el estado de Virginia y cómo esta lucha por los derechos civiles se convierte en un referente.

El director Jeff Nichols (Take Shelter, Mud) apuesta por un tono bastante sobrio y discreto. Muestra la frustración de la pareja, pero no se regodea en el sentimentalismo ni en la repetición de discursos moralistas. Lejos de eso, muestra un romance que se siente auténtico en sus dudas, temores y  sacrificios. Y, sobre todo, retrata a una pareja que poco a poco entiende que están haciendo historia. Joel Edgerton y Ruth Negga logran notables actuaciones, impregnadas de una gran naturalidad y sensibilidad. Seguramente Loving será muy apreciada por la Academia cuando llegue la temporada de premios, por su estilo clásico y la relevancia de su historia.

Elle (Francia)


Michèle Leblanc (Isabelle Huppert) es la exitosa directora de una empresa de videojuegos. Un día, es brutalmente atacada en su casa por un desconocido encapuchado. Michèle decide rastrearlo y descubrir su identidad, mientras se van deteriorando las relaciones con las personas de su entorno más cercano: su madre, su ex esposo, su hijo, su mejor amiga y su amante.

Al cineasta holandés Paul Verhoeven siempre le han fascinado las historias en las que el erotismo y el suspenso se confunden en una atmósfera tan estimulante como peligrosa, como ocurría en Bajos instintos y Black Book. En Elle, Verhoeven lleva esa exploración a nuevos terrenos y se atreve a convertir un hecho tan traumático como una violación, en el gatillo que desencadena un juego de seducción y dominación, salpicado de un irreverente humor negro que suaviza la tensión del relato. Isabelle Huppert está sencillamente soberbia e impecable, logrando que una mujer que puede resultar despreciable para algunos y deseada para otros, no deje nunca de ser una figura fascinante y poderosa.

Forushande (The Salesman, Irán)


Rana (Taraneh Alidoosti) y Emad (Shahab Hosseini) son una pareja de esposos que se ven obligados a mudarse a otro departamento, porque el edificio en el que viven está en riesgo de derrumbarse. En su nuevo hogar, un violento incidente relacionado con la inquilina anterior altera la vida de la pareja y pone a prueba su relación.

Después de la obra maestra Una separación, el director iraní Asghar Farhadi vuelve a rodar en su país natal. Nuevamente presenta un guion muy bien estructurado que pone al espectador en un rol de testigo y juez frente a conflictos morales tan complejos que merecen ser analizados desde diferentes perspectivas. En Forushande, hay dos niveles en la narración, pues la pareja protagonista participa en la obra de teatro Muerte de un viajante de Arthur Miller, en la que ambos actúan cada noche. Y los textos de la obra van reflejando ecos inesperados con la dramática realidad que la pareja protagonista vive en casa. El desenlace, ambiguo al igual que el de Una separación, nos deja la misma sensación de haber asistido a un juicio en el que no hay ganadores absolutos, solo quedan unos cimientos fuera de lugar.

Capitán fantástico (Captain Fantastic, Estados Unidos)


Ben (Viggo Mortensen) ha criado a sus seis hijos junto a su esposa en un bosque, alejados de la civilización. Allí les han proporcionado una educación que combina la estimulación de su intelecto con estrictas rutinas de ejercicios. Tras un trágico suceso, Ben y sus hijos deben volver a la ciudad y enfrentar un mundo desconocido.

Con una mirada bastante crítica y sarcástica, el director y guionista Matt Ross analiza los diferentes vicios de la sociedad estadounidense contemporánea, que se pueden aplicar en realidad a la mayoría de países de Occidente. Además, se vale de diferentes géneros como el drama familiar, la comedia de situaciones, la aventura y la "road movie" para ofrecer un resultado que se siente cálido y genuinamente emocionante. Viggo Mortensen está electrizante, como este patriarca carismático y autosuficiente, que sin duda es uno de los mejores personajes que le ha tocado interpretar en su carrera.

La fille inconnue (The Unknown Girl, Bélgica)


Jenny (Adèle Haenel) es una doctora que una noche escucha el timbre de su consultorio, pero decide no abrir porque ya terminó su turno. Al día siguiente, le informan que una mujer sin identificación ha sido encontrada muerta muy cerca de allí. En el video de seguridad descubren que fue ella quien tocó el timbre. Motivada por la culpa, Jenny decide hacer todo lo posible por saber el nombre de esta mujer y encontrar a su familia.

Los hermanos belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne (este último fue el homenajeado principal del Festival de Lima este año y presentó la película ante el público) vuelven sobre los temas que recorren su filmografía: las angustias y desventuras de los menos favorecidos, aquellos que deben luchar para sobrevivir en entornos hostiles y excluyentes. Esta vez incorporan al drama social un inquietante toque de suspenso, pues paulatinamente la doctora Jenny se convierte en una detective que va descubriendo pistas y atando cabos hasta llegar a un clímax que corta la respiración. Es una de las películas más accesibles de los Dardenne y aunque tiene una narración fluida y envolvente, no tiene el mismo impacto dramático de algunas de sus obras anteriores, como El niño o Dos días, una noche.

Ma Loute (Slack Bay, Francia)


En el verano de 1910, varios turistas desaparecen misteriosamente mientras descansan en las hermosas playas de la bahía Slack al norte de Francia. En ese lugar vive una pequeña comunidad de pescadores y granjeros de ostras. Al tiempo que la policía investiga las desapariciones, los destinos de la modesta familia Bréfort y la aristocrática familia Van Peteghem se entrecruzan cuando los jóvenes Ma Loute y Billie inician un romance.

Después de realizar dramas intensos como Flandres y Camille Claudel 1915, el realizador francés Bruno Dumont vira hacia la comedia negra con Ma Loute, con resultados mixtos. Opta por un registro exagerado y absurdo que funciona mejor en los dos primeros tercios, cuando ofrece situaciones divertidas e impredecibles. Pero hacia el desenlace, la película se convierte en un caballo desbocado que da patadas en todas las direcciones. Del nutrido elenco, destacan Fabrice Luchini y Juliette Binoche como dos hermanos aristocráticos irresistiblemente patéticos y entrañables.

21 ago. 2016

Festival de Cine de Lima 2016: Primer recuento

Este año tuve el honor de integrar el jurado de APRECI (Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica) en el Festival de Cine de Lima, que llegó a su vigésima edición. Junto a mis colegas José Romero y Carlos Enrique Díaz, evaluamos las 18 películas latinoamericanas en competencia y entregamos el premio a la mejor película a La luz incidente de Ariel Rotter.

En este primer recuento, me centraré en algunas de las películas más logradas de la Competencia Oficial de Ficción.

La luz incidente (Argentina)


Desde que su esposo falleció en un accidente, Luisa (Érica Rivas) se ha rehusado a enfrentar el proceso de duelo, abrumada tanto por esa ausencia como por la responsabilidad de encargarse ella sola de sus dos pequeñas hijas. Cuando conoce a un hombre que desea iniciar una relación con ella, Luisa debe decidir si deja sus temores de lado para poder rehacer su vida.

Esta hermosa película filmada en blanco y negro es un retrato, a la vez elegante y contenido, sobre el miedo de una mujer a recoger los pedazos fragmentados de su propia existencia después de una crisis y volver a levantar sus cimientos. Las estupendas actuaciones de Érica Rivas y Marcelo Subiotto, la sobria dirección de Ariel Rotter y la virtuosa fotografía de Guillermo Nieto contribuyen a configurar una experiencia cinematográfica notable.

Aquarius (Brasil)


Clara (Sonia Braga) es una ex crítica de música que vive en un edificio frente al mar en Recife. Una empresa inmobiliaria ha comprado todos los departamentos del inmueble, salvo el de Clara, quien se niega a vender el suyo. Pronto se desata una guerra entre Clara y la compañía, la cual llega hasta niveles insospechados.

A partir de ese conflicto, el director y guionista Kleber Mendonça Filho cuestiona esa pretendida modernidad que en su soberbia ignorancia se atreve a arruinar lo clásico. Además, muestra sin tapujos la belleza y sensualidad de una mujer de más de 60 años que no le tiene miedo ni a los prejuicios ni al cáncer ni a las amenazas de una gran corporación. Sonia Braga ofrece una magnética actuación, generosa en pasión, coraje y energía. Es una leyenda viviente en la cúspide de sus poderes como intérprete.

Boi Neon (Brasil)


Iremar (Juliano Cazarré) trabaja en las “vaquejadas”, un tipo de rodeo que se practica al noroeste de Brasil. Vive en un camión que transporta a los animales de un show al otro. En sus tiempos libres, dibuja algunos diseños en una revista mientras sueña con ser diseñador de modas.

Al director Gabriel Mascaro le interesa mostrar cómo polos opuestos se atraen y confunden en una mezcla inquietante: la bestialidad del animal y la racionalidad del hombre, el salvajismo y la sofisticación, la inocencia y el erotismo. El protagonista Juliano Cazarré construye un personaje lleno de contrastes, pero al mismo tiempo coherente y fascinante en su peculiar construcción de una masculinidad diferente, que combina la sensibilidad con la rudeza.

Alba (Ecuador)


Alba (Macarena Arias) es una niña de 11 años cuya madre se enferma y debe ser internada en un hospital, por lo que tiene que irse a vivir con su padre, a quien apenas conoce. Mientras Alba intenta encajar en el grupo de niñas populares del colegio, debe aprender a convivir con su padre, un hombre solitario e introvertido.

Esta auspiciosa ópera prima de la directora Ana Cristina Barragán ofrece un logrado retrato de los complejos cambios que trae consigo la pubertad, cuando uno empieza a abandonar la inocencia de la niñez y asume ciertos comportamientos propios de los adultos, como el odioso juego de aparentar para complacer a los demás. La relación de Alba y su padre está habitada por silencios y miradas que parecen de incomprensión, hasta que se transforman en una necesaria complicidad.

La última tarde (Perú)


Ramón (Lucho Cáceres) y Laura (Katerina D'Onofrio) son dos ex militantes de izquierda que se reúnen para firmar los papeles de su divorcio tras 19 años sin verse. Durante ese reencuentro, es inevitable hacer un ajuste de cuentas con ese pasado que se cortó abruptamente cuando ella huyó de él sin dar explicaciones.

El director Joel Calero aprovecha la historia de esta pareja separada para representar las heridas que aún dividen a la sociedad peruana, dos décadas después del conflicto armado interno. Las largas secuencias de conversaciones que van del reproche a la nostalgia recuerdan a Before Sunset de Richard Linklater y Copia certificada de Abbas Kiarostami, pero están enmarcadas en una realidad local que aborda nuestro pasado reciente. Lucho Cáceres y Katerina D'Onofrio están estupendos y logran llenar de autenticidad y urgencia esos diálogos que van armando el rompecabezas de una relación quebrada pero todavía extrañamente cálida.

11 jul. 2016

Julieta, Locos de amor y lo más esperado de Cannes

Estas son mis tres colaboraciones más recientes publicadas en Cinencuentro en los últimos dos meses.


Julieta supone para Pedro Almodóvar un retorno a ese terreno fértil que el director manchego ha explorado a lo largo de su filmografía y que conoce mejor que nadie: el universo femenino, sembrado de enigmas, acertijos y laberintos emocionales. Sin embargo, aunque es una incursión despojada de sus habituales cuotas de humor y excentricidad, no deja de ser una película tan apasionante como demoledora (leer la crítica completa).


Con canciones recortadas de manera tosca y escenas absurdas que solo se añaden para adaptarse a la letra de la canción que se presenta a continuación, Locos de amor es una oportunidad perdida de hacer una gran película musical en Perú (leer la crítica completa).


Cada año la ciudad francesa de Cannes acoge el festival de cine más prestigioso y codiciado del mundo, aquel que engendra obras maestras así como cintas polémicas que generan pasiones y desilusiones por igual. Estas son mis 10 películas más esperadas que se estrenaron este año en el festival y que ojalá lleguen a estrenarse algún día por aquí.

8 may. 2016

El costado terrorífico de la maternidad

El cine de terror ha engendrado inolvidables historias de madres perturbadas y atemorizadas por sus propios hijos, lo que desencadena traumas y tragedias que rompen el mito del incondicional amor maternal. En clásicos como La profecía, El exorcista y El bebé de Rosemary, vemos a madres enfrentadas al dilema de amar a criaturas que por distintos motivos representan una amenaza.

Esta década también podemos encontrar muy buenas cintas de terror que tienen como denominador común la conflictiva relación entre una madre y sus hijos: The Babadook, La bruja y Buenas noches mamá, que sobrevive actualmente en nuestra cartelera.

Buenas noches mamá (Ich seh ich seh) es una producción austríaca que cuenta la historia de dos hermanos gemelos de 9 años, Lukas y Elias (Lukas Schwarz y Elias Schwarz), quienes pasan el verano en una hermosa casa campestre. Un día, su madre (Susanne Wuest) llega del hospital con el rostro hinchado y completamente vendado tras una cirugía estética. 

La actitud de la madre es fría y distante. Se muestra irritada ante el más mínimo ruido e impone estrictas reglas. Este comportamiento desconcierta a los hermanos y siembra la duda en ellos: ¿la mujer vendada es su mamá o es una impostora? ¿Dónde está la madre cariñosa que cantaba y reía con ellos?

La tensión se asienta en cada rincón de la enorme casa, generando una atmósfera tóxica que va alejando a los personajes cada vez más. Gradualmente, los niños pasan de sentirse presas amenazadas por esa mujer, a convertirse en aguerridos cazadores dispuestos a experimentar hasta las medidas más radicales con tal de resolver el misterio.

Se siente la influencia de la perturbadora Funny Games de Michael Haneke en esta cinta de sus compatriotas Severin Fiala y Veronika Franz, pues en la calidez de un hogar familiar insertan el desfogue de una violencia cruel y perversa, que esconde las más profundas frustraciones.

Es interesante además cómo los directores logran imponer un clima de suspenso creciente que nos conduce por un pasadizo de hipótesis e inquietantes revelaciones hasta llegar a un desconcertante giro en el desenlace que obliga a replantear todo desde una nueva perspectiva y tratar de entender el comportamiento de estos personajes quebrados que se han infligido tanto daño.

Buenas noches mamá no es una cinta de terror convencional, pues el horror no proviene de monstruos ni demonios sino de eventos traumáticos que condenan a una familia a ser prisionera de su propio sufrimiento. Es una película en la que más que los diálogos, quiebran la calma aquellos silencios que anuncian la llegada de un peligro latente que puede venir de cualquier lugar, incluyendo ese rincón tan oscuro que es la mente.

Título original: Ich seh ich seh
País y año: Austria 2014
Directores: Severin Fiala y Veronika Franz
Actores: Lukas Schwarz, Elias Schwarz, Susanne Wuest, Hans Escher, entre otros.
Calificación: *** 1/2.

30 abr. 2016

La última noticia, Carol y La deuda

Estos son los tres posts más recientes que publiqué en Cinencuentro en los meses de marzo y abril.


Después de dos décadas, Alejandro Legaspi, uno de los artífices del Grupo Chaski, vuelve a la dirección con La última noticia, drama ambientado en la convulsionada década de 1980 en Ayacucho. Es una valiosa cinta de denuncia que recrea esos dolorosos años de violencia recordándonos que no es un pasado ni tan lejano ni mucho menos ajeno (leer la crítica completa).


Es refrescante cómo, a diferencia de la mayoría de cintas con temática LGTB, Carol no tiene un desenlace teñido por alguna tragedia. El director Todd Haynes nos regala el final más memorable que se ha visto en el último año, uno que no necesita de palabras para conducirnos por un tren de emociones intensas cuyo paradero final desconocemos, pero del que no queremos bajarnos nunca (leer la crítica completa).


Entrevisté al director Barney Elliott sobre su ópera prima titulada La deuda. Esta coproducción entre Perú, Estados Unidos y España está protagonizada por Stephen Dorff, Carlos Bardem, David Strathairn, entre otros. En la entrevista, Barney contó cómo fue el largo y complicado proceso para hallar a su protagonista, cómo se dio la elección de los actores peruanos y cuál fue el mayor reto durante el rodaje de su primer filme (leer la entrevista).

6 mar. 2016

La complicidad involuntaria

Cuando Morgan Freeman anunció que el Oscar a la mejor película era para En primera plana (Spotlight), muchos se sorprendieron pues la favorita parecía ser la sobrevalorada El renacido (The Revenant). Sin embargo, celebré su triunfo pues era la mejor de las ocho nominadas.

La película se centra en el equipo de investigación Spotlight del diario Boston Globe, quienes reciben la misión de indagar en un caso de pedofilia cometido por un sacerdote de Boston. Sus pesquisas los llevan a descubrir que, lejos de ser un caso aislado, se trata de uno entre cientos cometidos por un gran número de religiosos de la ciudad.

Los cuatro periodistas que conforman el equipo de Spotlight rascan la superficie de una herida abierta para descubrir que gran parte del cuerpo que investigan está podrido por dentro, que sus sistemas están descompuestos y a pesar de eso, el cuerpo sigue funcionando.

No solo se trata de un grupo de sacerdotes que abusan de su poder para violar a niños y niñas, sino que además cuentan con la protección de sus superiores (quienes como máximo castigo los cambian de parroquia cuando se presenta una acusación) y de inescrupulosos abogados, quienes crean una lucrativa industria al defender a los violadores negociando pagos irrisorios a los afectados para comprar su silencio.

Lo interesante del punzante guion de Tom McCarthy y Josh Singer es que no se limita a concentrar la culpa en el clero y sus abogados, sino que cuestiona cómo estos crímenes cuentan con la complicidad involuntaria de la policía y un gran sector de la sociedad, representada por feligreses que se niegan a creer en las acusaciones o prefieren mirar a otro lado.

Incluso ni siquiera los periodistas son mostrados como héroes, pues ellos también enfrentan el peso de la culpa al darse cuenta de su negligencia, al no haber investigado esto antes, cuando tuvieron las pistas a su disposición. Algunas víctimas habían llegado muchos años antes a su redacción, pero el equipo de investigación no indagó lo suficiente.

Al igual que los periodistas que interpretan, los actores logran un sobresaliente trabajo en equipo. Michael Keaton está brillante como el acucioso líder del equipo de investigación, Mark Ruffalo personifica la rabia y la indignación, Rachel McAdams es la reportera comprensiva y atenta que sabe cómo obtener una confesión difícil y Stanley Tucci es el incansable abogado de las víctimas.

Con mucha sensibilidad y astucia, En primera plana muestra los testimonios de los sobrevivientes evitando en todo momento el sensacionalismo. Es una cinta valiosa, que denuncia verdades incómodas pero necesarias de afrontar y que les da voz a unas víctimas que han sido calladas y dejadas de lado durante demasiado tiempo.


Título original: Spotlight
País y año: Estados Unidos y Canadá, 2015
Director: Tom McCarthy
Actores: Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery, Stanley Tucci, Brian d'Arcy James, Billy Crudup, entre otros.
Calificación: ****.

28 feb. 2016

Oscar 2016: Críticas de nominadas y análisis de principales categorías

En el último mes, realicé 5 posts para Cinecuentro analizando las 10 principales categorías de nominados al Oscar: quién ganará, quién podría dar la sorpresa, quién es mi favorito/a y quién debió estar nominado/a.



Mejor película y mejor director. ¿Es el año de El renacido y Alejandro González Iñárritu?

Mejor actor protagonista y actor de reparto: ¿Ganarán DiCaprio y Stallone?

Mejor actriz protagonista y actriz de reparto: ¿Se impondrán Brie Larson y Alicia Vikander?

Mejor guion original y guion adaptado: ¿Tendrán un premio consuelo Spotlight y The Big Short?

Mejor película animada y cinta en idioma extranjero: ¿Están fijas Inside Out y Son of Saul?

Además, publiqué mis críticas de dos nominadas a mejor película:


Brooklyn es una cinta que destila una gran empatía y que resuena fácilmente con todos aquellos que han tenido que adaptarse a una nueva vida en otro lugar y se han sentido inicialmente desamparados, hasta que se han topado con otras personas en la misma situación y han encontrado un lugar cálido que les genera un sentido de pertenencia (leer más).



El renacido es como una travesía agobiante, en la que el hermoso paisaje no puede disimular que a veces el trayecto dé vueltas en círculos o que las incomodidades extremas lleguen a producir un inevitable agotamiento. Con sus aciertos y excesos, pasará a la historia no como la mejor película de DiCaprio, pero sí como aquella que le permitió ganar su ansiado primer Oscar (leer más).

3 feb. 2016

Un mundo para Jack

La habitación (Room) es un drama íntimo y conmovedor que se sostiene sobre dos pilares muy fuertes: las sólidas actuaciones de sus protagonistas Brie Larson y el pequeño Jacob Tremblay.

Jack (Jacob Tremblay) es un niño de 5 años que vive encerrado en un cobertizo con su madre (Brie Larson). Ellos viven secuestrados, pero Jack ignora esa situación, pues su madre le ha hecho creer que ese cuarto es todo el mundo. Sin embargo, a medida que Jack crece y su curiosidad se intensifica, madre e hijo idean un plan para escapar.

La primera mitad de la película narra la cotidianeidad de Jack y su madre confinados en la habitación. El director irlandés Lenny Abrahamson presenta el poderoso mundo que la madre ha creado para hacer que su hijo se sienta amado y protegido, a pesar de vivir en cautiverio. Cada elemento que los circunda cumple una función específica y son personajes silentes en esa representación del mundo real que ellos llevan a cabo día a día en ese espacio tan reducido.

La segunda mitad cambia la dinámica de la relación entre madre e hijo, pues intervienen nuevos personajes y escenarios. Si bien los dos protagonistas se enfrentan a otros retos que ponen a prueba su resistencia, la calidez se reduce y da paso a una atmósfera enrarecida, en la que casi todo resulta ajeno y extraño. Es el aterrador mundo real.

Las dos partes de la película muestran distintos procesos de adaptación, de cambio y de crecimiento. Tanto la madre como el hijo deben quemar etapas y madurar más rápido de lo que deberían, lo que los obliga a desarrollar un caparazón más fuerte y resistente.

Sin embargo, el aspecto menos convincente es justamente el punto de quiebre que cierra la primera mitad. Aunque se trata de una escena que genera mucho suspenso, la resolución se da de manera fácil y apresurada. 

Brie Larson está impecable en la representación de una mujer que a pesar de las terribles circunstancias debe criar a su hijo en cautiverio y crear para él un mundo entero, solo con el poder de su imaginación. Larson está conmovedora en cada acto desesperado por salvar a su hijo, en cada reacción desencajada cuando el mundo real la abruma y le hacerse sentirse nuevamente prisionera.

Por su parte, Jacob Tremblay es toda una revelación. El joven actor logra un convincente balance entre la inocencia propia de un niño y la fortaleza de un adulto. Logra cargar el peso dramático de la película, haciendo que su personaje sea creíble tanto en los momentos de ternura como en los de mayor tensión.

A diferencia de las otras nominadas al Oscar a mejor película, la fortaleza de La habitación no está ni en su acabado visual ni en la originalidad del guion, sino en su poderoso retrato de la maternidad y del inquebrantable vínculo madre-hijo, capaz de crear universos enteros y de superar las más variadas adversidades.

Título original: Room
País y año: Irlanda y Canadá, 2015
Director: Lenny Abrahamson
Actores: Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, William H. Macy, Sean Bridgers, entre otros.
Calificación: *** 1/2.

23 ene. 2016

No estamos solos, La gran apuesta, El despertar de la fuerza y Top 10 de 2015

Por si te las perdiste, comparto en este post mis cuatro colaboraciones más recientes publicadas en Cinencuentro.


En una entrevista que realicé al director Daniel Rodríguez Risco, me contó cómo se animó a incursionar en el género de terror con la cinta No estamos solos, cómo fue la preparación de los actores y cómo aprovechó la asesoría de un experto en temas paranormales y de un sacerdote exorcista. Además, me adelantó algunos detalles de sus próximos proyectos: Siete semillas con Carlos Alcántara y El vientre 2 con Vanessa Saba (leer la entrevista completa).


La gran apuesta (The Big Short) muestra de manera ágil y entretenida cómo se originó el inminente colapso de la economía mundial. Los hallazgos son preocupantes y los resultados de la crisis son deprimentes, pero el director Adam McKay logra convertir la tragedia en una comedia del absurdo, gracias a un guion que privilegia unos diálogos ingeniosos y punzantes, disparados a quemarropa (leer la crítica completa).


A inicios de año, publiqué mi recuento de lo mejor del cine de 2015: mi top 10 de mejores películas vistas en la cartelera comercial, así como las 10 mejores que vi en los festivales locales de cine (leer el post completo).


Star Wars: El despertar de la fuerza nos ofrece un espectáculo emocionante, que es al mismo tiempo un homenaje al legado de la saga y, a la vez, es la introducción de unos nuevos herederos de ambos lados de la Fuerza, tan poderosos como enigmáticos, que nos invitan a esperar con ansias las siguientes aventuras que se vivirán en esa galaxia que de tanto visitar ya se ha vuelto muy, muy cercana a nosotros (leer la crítica completa).

16 ene. 2016

Oscar 2016: Mezcla de emociones

Se anunciaron los nominados a la edición N° 88 de los Oscars. Y, como todos los años, hubo  nominaciones que ya estaban cantadas desde hace meses, pero también algunas sorpresas. Para comentar mis impresiones sobre los nominados, me guiaré de las 5 emociones presentadas en Intensa Mente (Inside Out), la obra maestra de Pixar.

Alegría:

- Para empezar, me alegran las dos nominaciones de Intensa Mente, en las categorías de mejor cinta animada y mejor guion original. Mi felicidad hubiese sido completa si la nominaban también a mejor película del año y mejor música, pero bueno, no siempre se tiene todo lo que se quiere.

- Me entusiasma la importante presencia sudamericana. Colombia disfruta de su primera nominación al Oscar en la categoría de mejor película extranjera por El abrazo de la serpiente. Brasil está nominada en la categoría de mejor largometraje animado con O Menino e o Mundo. Y Chile está presente entre los nominados al mejor cortometraje animado con Historia de un oso.

El abrazo de la serpiente

- En cuanto a las actuaciones, celebro las nominaciones de Michael Fassbender y Kate Winslet por Steve Jobs, Mark Rylance por Puente de espías y Christian Bale por La gran apuesta. Me falta ver todavía varias de las actuaciones nominadas, así que por ahora, me alegro solo por ellos.

Mad Max: Furia en el camino compite por 10 Oscars, incluyendo mejor película del año y mejor director (George Miller). Es una cinta impecable a nivel técnico y audaz a nivel narrativo. Siendo la secuela de una película de acción, es bastante atípico que la Academia se rinda ante una producción así, pero es una anomalía digna de celebrar y agradecer.

Tristeza:

- Aunque confieso que no he visto Carol (pues aún no se estrena en Perú), me apena mucho que no la hayan nominado a mejor película del año. Desde que se estrenó en el Festival de Cannes, esta historia de amor protagonizada por Cate Blanchett y Rooney Mara (nominadas a mejor actriz y actriz de reparto, respectivamente) recibió la adoración unánime de los críticos y muchos la llamaron una de las obras maestras del año. En la filmografía del director Todd Haynes destacan obras de gran sofisticación como Far from Heaven y I'm Not There. Si los Golden Globes y los BAFTA sí nominaron a Carol como mejor película, ¿por qué la Academia no pudo concederle ese honor?

Carol

- El legendario director de fotografía Roger Deakins ha conseguido su nominación número 13 al Oscar gracias a su formidable trabajo en Sicario. Increíblemente, hasta ahora la Academia nunca le ha concedido la estatuilla, a pesar de sus geniales trabajos en cintas como The Shawshank Redemption, Fargo, No Country for Old Men, The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford, Skyfall, entre otras. Me daría pena ver perder a esta leyenda una vez más, pero parece que este año volverá a quedarse sentado en su butaca, pues el favorito es el mexicano Emmanuel Lubezki, quien gracias a The Revenant podría ganar su tercer Oscar consecutivo.

Ira:

- Me da un poco de rabia (pero solo un poco) que no hayan nominado a Ex Machina y Sicario en la categoría de mejor película, pues estuvieron entre mis cintas preferidas del año. Por lo menos, consiguieron nominaciones en otras categorías, como premio consuelo.

Temor:

- Me daría temor que el cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu gane el Oscar al mejor director por segundo año consecutivo. Hace un año lo obtuvo por Birdman (mas no lo merecía) y este año compite por The Revenant. Aclaro que sí me gustan la mayoría de sus películas, pero sus discursos suelen ser tan autosuficientes y soberbios, que no me provoca verlo otra vez pavoneándose en el escenario y recordándonos que “el sufrimiento es pasajero, pero el cine es para siempre”, como dijo en los Golden Globes, en referencia a las acusaciones que obtuvo de parte del equipo de The Revenant, quienes se quejaron de las durísimas e inhumanas condiciones del rodaje.

Alejandro González Iñárritu y Leonardo DiCaprio en el set de The Revenant.

Disgusto:

- No me entusiasman la mayoría de temas nominados a mejor canción del año. El mejor es "Writing´s on the Wall" de Sam Smith para la banda sonora de Spectre, pero no está en el mismo nivel de grandeza de "Skyfall" de Adele, tema que ganó el Oscar hace 3 años. Tendría que escuchar más veces los otros temas para ver si con varias escuchas logran transmitirme algo, pero por ahora, me producen flojera.